David Bowie ¦ Metrobolist: Nine Songs By David Bowie

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GTIN: 0190295198770 Artist: Genre & Stil:

Beschreibung

aka The Man Who Sold The World

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Inhalt

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,

Release

Veröffentlichung Metrobolist: Nine Songs By David Bowie:

1970

Hörbeispiel(e) Metrobolist: Nine Songs By David Bowie:

Metrobolist: Nine Songs By David Bowie auf Wikipedia (oder andere Quellen):

The Man Who Sold the World
MWSTWUS2.jpg
Original 1970 American release
Studio album by
Released4 November 1970 (1970-11-04)
Recorded17 April – 22 May 1970
StudioTrident and Advision, London
Genre
Length40:29
LabelMercury
ProducerTony Visconti
David Bowie chronology
The World of David Bowie
(1970)
The Man Who Sold the World
(1970)
Hunky Dory
(1971)
Alternative cover
1971 British release
1971 British release

The Man Who Sold the World is the third studio album by English musician David Bowie. It was originally released by Mercury Records in the United States on 4 November 1970 and in the United Kingdom on 10 April 1971. The album was produced by Tony Visconti and recorded at Trident and Advision Studios in London during April and May 1970. It features the first appearances of guitarist Mick Ronson and drummer Mick Woodmansey on a Bowie record, who would later become famous as members of the Spiders from Mars.

Following the largely acoustic and folk rock sound of Bowie's previous 1969 self-titled album, The Man Who Sold the World marked a shift toward hard rock, with elements of blues rock. The lyrics are also darker than his previous releases, exploring themes of insanity, religion, technology and war. None of the songs from the album were released as official singles, although some tracks appeared as B-sides to singles between 1970 and 1973. Originally titled Metrobolist, a play on Fritz Lang's 1927 film Metropolis, the title was changed at the last minute by Mercury without Bowie's consultation.

The album was released with different cover artwork in the US and the UK. For the US release, the artwork was a cartoon-like drawing of a cowboy in front of a mental asylum. It was drawn by Michael J. Weller and based on an image of actor John Wayne. Bowie was unenthusiastic about the cover, so he enlisted Keith MacMillan to shoot an alternate cover. The final image, featuring Bowie wearing a blue dress designed by fashion designer Michael Fish, was used as the cover for the UK release. The Man Who Sold the World was reissued by RCA Records in 1972, featuring a black-and-white picture of Bowie's then-current character Ziggy Stardust on the sleeve, but reissues since 1990 have revived the original UK artwork.

The Man Who Sold the World was originally better received by music critics in the US than in the UK. Nevertheless, it was a commercial failure in both countries; however, the 1972 reissue managed to chart in both the US and the UK. Retrospectively, the album has been praised by critics for the band's performance and the unsettling nature of its music and lyrics, with many considering the album to be the start of Bowie's "classic period". It has since been reissued multiple times and was remixed in 2020, under its original title Metrobolist, for its 50th anniversary.

Background

Bowie's breakthrough single "Space Oddity" was released in July 1969, bringing him commercial success and attention.[1] However, its parent album, David Bowie (Space Oddity), released later that year, was not as successful, partly due to the failure of Philips Records to promote the album efficiently.[2] By 1970, the attention Bowie had garnered from "Space Oddity" had dropped and his follow-up single, "The Prettiest Star", failed to chart.[3][4] Realising that his potential as a solo artist was dwindling, Bowie decided to form a band with bassist Tony Visconti, who previously worked with Bowie on Space Oddity,[5] and drummer John Cambridge. Calling themselves Hype, the group still needed a guitarist.[6]

He was quite open to direction and in a way sort of carried out what I wanted done much more than most of the other drummers I have worked with.[7]

– David Bowie discussing Mick Woodmansey, 1994

On 2 February 1970, Bowie met guitarist Mick Ronson following a performance at the Marquee in London. The two connected immediately and agreed to work together.[8] Following their meeting, Ronson joined Hype. For the group's performances, the members wore flamboyant superhero-like costumes, made by Bowie's first wife Angela Burnett, who he married on 20 March 1970, and Visconti's then-girlfriend Liz Hartley.[9] Bowie was Rainbowman (wearing a rainbow-coloured outfit), Ronson was Gangsterman (wearing a "sharp double-breasted suit"), Visconti was Hypeman (sporting a Superman-like outfit with a giant 'H' on the chest), and Cambridge was Cowboyman (wearing a "frilly" shirt and overlarge hat). Hype continued performing in the outlandish costumes for many months; after one performance on 11 March 1970, Visconti's clothes were stolen and he had to return home wearing his Hypeman costume.[9] Bowie halted Hype performances at the end of March that year so he could focus on recording and songwriting, as well as resolve managing disputes with his manager Kenneth Pitt.[10] The new single version of the Space Oddity track "Memory of a Free Festival" and an early attempt at "The Supermen" were recorded during this time.[11]

Cambridge was dismissed from Hype at the end of March, with a new drummer, Mick "Woody" Woodmansey, joining the group at the suggestion of Ronson.[7][9] According to biographer Kevin Cann, Cambridge was dismissed by Bowie but according to biographer Nicholas Pegg, Visconti recalled that the dismissal was Ronson's request.[4][7] On his first impression of Bowie, Woodmansey said in 2015: "This guy was living and breathing being a rock & roll star."[12] By April 1970, the four members of Hype were living in Haddon Hall, Beckenham, an Edwardian mansion converted to a block of flats that was described by one visitor as having an ambiance "like Dracula's living room".[13] Ronson and Visconti had built a makeshift studio under the grand staircase at Haddon Hall, where Bowie recorded much of his early 1970s demos.[4]

Recording

Recording for The Man Who Sold the World began on 17 April 1970 at Advision Studios in London, with the group beginning work on "All the Madmen". The next day on 18 April, Ralph Mace was hired to play the Moog synthesiser, borrowed from George Harrison,[14] following his work on the single version of "Memory of a Free Festival".[15] At the time, Mace was a 40-year-old concert pianist who was also head of the classical music department at Mercury Records.[14] During this time, Bowie terminated his contract with Pitt and met his future manager Tony Defries, who assisted Bowie in the termination.[16] Recording moved to Trident Studios in London on 21 April 1970 and continued there for the rest of April until mid-May. On 4 May, the band recorded "Running Gun Blues" and "Saviour Machine", the latter of which was originally the working title for the title track, before Bowie reworked the song into a different melody to form the final version of "Saviour Machine". Recording and mixing was moved back to Advision on 12 May and completed ten days later.[17] Bowie recorded his vocal for the title track on the final day.[18][19]

As Bowie was preoccupied with his new wife Angie at the time, as well as his managerial issues,[20] the music was largely arranged by Ronson and Visconti.[21] Ronson used the sessions to learn about many production and arrangement techniques from Visconti.[22] Although Bowie is officially credited as the composer of all music on The Man Who Sold the World, biographer Peter Doggett quoted Visconti as saying that "the songs were written by all four of us. We'd jam in a basement, and Bowie would just say whether he liked them or not." In Doggett's narrative, "The band (sometimes with Bowie contributing guitar, sometimes not) would record an instrumental track, which might or might not be based upon an original Bowie idea. Then, at the last possible moment, Bowie would reluctantly uncurl himself from the sofa on which he was lounging with his wife, and dash off a set of lyrics."[23] Conversely, Bowie was quoted in a 1998 interview as saying, "I really did object to the impression that I did not write the songs on The Man Who Sold the World. You only have to check out the chord changes. No-one writes chord changes like that." "The Width of a Circle" and "The Supermen", for example, were already in existence before the sessions began.[21]

Music and lyrics

The sonic landscape was Visconti's. The band's contribution – how the drums and bass should work together with the guitar – was something [Ronson] got really involved in.[24]

– David Bowie in an interview with Mojo

The Man Who Sold the World was a departure from the largely acoustic and folk rock sound of Space Oddity.[25][26] According to music critic Greg Kot, it marked Bowie's change of direction into hard rock.[27] Stephen Thomas Erlewine of AllMusic described the album as "almost all hard blues rock or psychedelic folk rock", while Doggett writes that it is "filled with propulsive hard rock".[28][29] Much of the material has a distinct heavy metal edge that distinguishes it from Bowie's other releases, and has been compared to contemporary acts such as Led Zeppelin and Black Sabbath.[30][31] According to Marc Spitz, Ronson was intent to make a heavy blues album "worthy of Cream."[20]

Like the music, the lyrics are significantly darker than its predecessor. According to Doggett, they contain numerous themes that Bowie would continue to explore throughout the rest of the 1970s decade, including "madness, alienation, violence, confusion of identity, power, darkness and sexual possession".[32] The lyrics have also been seen as reflecting the influence of such figures as Aleister Crowley, Franz Kafka and Friedrich Nietzsche.[33] Since Bowie wrote most of the lyrics at the last minute, O'Leary writes that The Man Who Sold the World is a more "coherent" concept album than his fifth and eighth albums, Ziggy Stardust (1972) and Diamond Dogs (1974), respectively. He continues, saying that the songs "mirror and answer each other", sharing similar themes and imagery.[34]

Side one

The opening track, "The Width of a Circle", is an eight-minute epic that delves into progressive rock.[12][22] Originally debuted in February 1970 at a BBC session,[35] the song is led by Ronson's widely lauded guitar work,[36] using feedback and improvisation throughout.[37][38] The lyrics reference the Lebanese poet Khalil Gibran and in the song's second half, the narrator has a sexual encounter with God in the devil's lair.[13][39][40] Pegg describes the song's sound as reminiscent of Deep Purple and Black Sabbath.[35] The lyrics of "All the Madmen" were inspired by Bowie's half-brother Terry Burns and reflect the theme of institutionalised madness. The song contains a recorder part that creates an atmosphere, which Buckley describes as "childlike dementia".[41] Doggett describes the Moog synthesiser as an integral part of the recording, noting that it gives the track a "stunning conclusion".[42] Spitz calls the track "terrifying".[22]

For "Black Country Rock", Bowie had a small portion of the melody and four quickly-written lines that he gave to Ronson and Visconti, who expanded upon them to create the song.[43][44] A blues rock and hard rock song,[3][45] Bowie impersonates Marc Bolan in his vocal performance.[46] "After All" is musically different than the rest of The Man Who Sold the World, being more akin to folk rock than hard rock.[47] Featuring an "oh, by jingo" chant that is reminiscent of music hall numbers,[37][46] the lyrics follow a group of innocent children who have not experienced the corruptions of adulthood.[48] Similar to "The Supermen", the song references the works of Nietzsche and has been described by Buckley and Pegg as an underrated gem.[37][49]

Side two

The lyrics of "Running Gun Blues" discuss gun-toting assassins and Vietnam War commentary,[30] specifically the Mỹ Lai massacre of 1968.[50] Although the lyrics reflect the themes of Space Oddity, the music reflects the predominant hard rock style of The Man Who Sold the World and points to Bowie's future musical direction.[51][52] Similar to the previous track, "Saviour Machine" is rooted in blues rock and hard rock. The lyrics explore the concept of computers overtaking the human race;[53] Bowie's metallic-like vocal performance enhances the scenario.[43][54] Like the majority of the tracks, "She Shook Me Cold" was mostly created by Ronson, Visconti and Woodmansey without Bowie's input.[23] Spitz compares the song's blues style to Led Zeppelin,[46] while O'Leary and Pegg write that Ronson was attempting to emulate Cream's Jack Bruce.[55][56] The lyrics explores a sexual conquest that is similar to "You Shook Me" (then-recently covered by Jeff Beck) and Robert Johnson's "Love in Vain".[56][57]

The album's title track has been described by multiple reviewers as "haunting".[12][58][59] Musically, it is based around a "circular" guitar riff from Ronson. The lyrics are cryptic and evocative, being inspired by numerous poems, including "Antigonish" (1899) by William Hughes Mearns.[60][61] The narrator has an encounter with a kind of doppelgänger, as suggested in the second chorus where "I never lost control" is replaced with "We never lost control".[62] Bowie's vocals are heavily "phased" throughout and contain none of the, in Doggett's words, "metallic theatrics" that are found on the rest of the album.[59] The song also features güiro percussion, which Pegg describes as "sinister".[60] "The Supermen" prominently reflects the themes of Nietzsche, particularly his theory of Übermensch, or "Supermen".[63][64] Like other tracks on the album, the song is predominantly hard rock.[65] It was described by Bowie in 1973 as a "period piece", and later "pre-fascist".[63]

Cover artwork

The original 1970 US release of The Man Who Sold the World employed a cartoon-like cover drawing by Bowie's friend Michael J. Weller, featuring a cowboy in front of the Cane Hill mental asylum.[66] Weller, whose friend was a patient there, suggested the idea after Bowie had asked him to create a design that would capture the music's foreboding tone. Drawing on pop art styles, he depicted a dreary main entrance block to the hospital with a damaged clock tower. For the design's foreground, Weller used a photograph of actor John Wayne to draw a cowboy figure wearing a ten-gallon hat and holding a rifle, which was meant to be an allusion to the song "Running Gun Blues".[66] Bowie suggested Weller incorporate the "exploding head" signature on the cowboy's hat, a feature he had previously used on his posters while a part of the Arts Lab. He also added an empty speech balloon for the cowboy figure, which was intended to include the line "roll up your sleeves and show us your arms"—a pun on record players, guns, and drug use—but Mercury found the idea too risqué and the balloon was left blank. According to Pegg, "at this point, [Bowie's] intention was to call the album Metrobolist, a play on Fritz Lang's 1927 film Metropolis; the title would remain on the tape boxes even after Mercury had released the LP in America as The Man Who Sold the World".[66][67]

Bowie was enthusiastic about the finished design, but soon reconsidered the idea and had the art department at Philips Records, a subsidiary of Mercury, enlist photographer Keith MacMillan to shoot an alternate cover. The shoot took place in a "domestic environment" of the Haddon Hall living room, where Bowie reclined on a chaise longue in a cream and blue satin "man's dress", an early indication of his interest in exploiting his androgynous appearance.[68] The dress was designed by British fashion designer Michael Fish.[69][70] It has been said that Bowie's "bleached blond locks, falling below shoulder level" in the photo were inspired by a Pre-Raphaelite painting by Dante Gabriel Rossetti.[71] In the United States, Mercury rejected MacMillan's photo and released the album with Weller's design as its cover, much to the displeasure of Bowie, although he successfully lobbied the record label to use the photo for the release in the United Kingdom. In 1972, he said Weller's design was "horrible" but reappraised it in 1999, saying he "actually thought the cartoon cover was really cool".[68]

While promoting The Man Who Sold the World in the US, Bowie wore the Fish dress in February 1971 on his first promotional tour and during interviews, despite the fact that the Americans had no knowledge of the then-unreleased UK cover.[69][70] The 1971 German release's artwork presented a winged hybrid creature with Bowie's head and a hand for a body, preparing to flick the Earth away. The 1972 worldwide reissue by RCA Records used a black-and-white picture of Ziggy Stardust on the sleeve. The image remained the cover art on reissues until 1990 when the Rykodisc release reinstated the UK "dress" cover. The "dress" cover has appeared on subsequent reissues of the album.[72]

Release

The Man Who Sold the World was released in the US by Mercury on 4 November 1970,[73] with the catalogue number SR-61325.[74] It was subsequently released in the UK on 10 April 1971 by Mercury, with the catalogue number 6338 041.[75][76] Bowie was initially aggravated that Mercury had retitled the album from his preferred title of Metrobolist without his consultation, but following its release in the US, Bowie attempted to persuade the label to retitle the album Holy Holy after his newly released single of the same name. Following the commercial flop of "Holy Holy", the title remained The Man Who Sold the World for the UK release.[75] According to Cann, the album was disliked by Mercury executives. However, it was played on US radio stations frequently and the "heavy rock content" increased interest in Bowie. Cann also writes that The Man Who Sold the World developed an underground following and laid "solid foundations" for Ziggy Stardust.[77]

None of the songs from the album were released as singles at the time, although a promo version of "All the Madmen" was issued in the US in 1970. Mercury released "All the Madmen" as a single, with "Janine" from Space Oddity on the B-side, with the catalogue number Mercury 73173, but withdrew it.[78] The same song appeared in Eastern Europe during 1973, as did "The Width of a Circle". "Black Country Rock" was released as the B-side of "Holy Holy" in the UK in January 1971, shortly before the release of The Man Who Sold the World.[73] The title track appeared as the B-side of both the US single release of "Space Oddity" in 1972 and the UK release of "Life on Mars?" in 1973.[79]

Commercial performance

The Man Who Sold the World was initially a commercial failure. Pegg writes that by the end of June 1971, the album had sold only 1,395 copies in the US.[80] The same year, Bowie stated: "[it] sold like hotcakes in Beckenham, and nowhere else".[12] However, following a 1972 reissue by RCA after the commercial breakthrough of Ziggy Stardust,[81] The Man Who Sold the World peaked at number 24 on the UK Albums Chart, where it remained for 30 weeks, and number 105 on the US Billboard 200, spending 23 weeks on the chart.[82][83] The album's 1990 reissue charted again on the UK Albums Chart, peaking at number 66.[82]

Critical reception

Retrospective professional reviews
Review scores
SourceRating
AllMusic4.5/5 stars[28]
Chicago Tribune2.5/4 stars[27]
Encyclopedia of Popular Music3/5 stars[84]
Music Story4/5 stars[85]
MusicHound Rock4/5[85]
Pitchfork8.5/10[86]
Q3/5 stars[87]
The Rolling Stone Album Guide3.5/5 stars[88]
Spin4/5 stars[89]
Spin Alternative Record Guide5/10[85]

Upon release, The Man Who Sold the World was generally more well-received critically in the US than in the UK.[30] Music publications Melody Maker and NME originally found The Man Who Sold the World "surprisingly excellent" and "rather hysterical", respectively.[80] Reviewing for Rolling Stone in February 1971, John Mendelsohn called the album "uniformly excellent" and commented that Visconti's "use of echo, phasing, and other techniques on Bowie's voice ... serves to reinforce the jaggedness of Bowie's words and music", which he interpreted as "oblique and fragmented images that are almost impenetrable separately but which convey with effectiveness an ironic and bitter sense of the world when considered together".[90] Mike Saunders from Who Put the Bomp magazine included The Man Who Sold the World in his ballot of 1971's top 10 albums for the first annual Pazz & Jop poll of American critics, published in The Village Voice in February 1972.[91]

Retrospectively, the album has been praised for the band's performance and the unsettling nature of its music and lyrics. In a review for AllMusic, Erlewine complimented its "tight, twisted heavy guitar rock that appears simple on the surface but sounds more gnarled upon each listen".[28] He viewed its music and Bowie's "paranoid futuristic tales" as "bizarre", adding that: "Musically, there isn't much time for innovation ...but there's an unsettling edge to the band's performance, which makes the record one of Bowie's best albums."[28] In a review upon the album's reissue, a writer for Q called it "a robust, sexually charged affair",[87] while a Mojo columnist wrote, "A robust set that spins with dizzying disorientation ... Bowie's armoury was being hastily assembled, though it was never deployed with such thrilling abandon again."[92] Douglas Wolk of Pitchfork called the album the "dark horse" of Bowie's catalogue. Comparing The Man Who Sold the World to its predecessor, he praised the arrangements as tougher and "more effective", and complimented his artistic growth.[86]

Aftermath and legacy

After the completion of The Man Who Sold the World, Bowie became less active in both the studio and on stage. His contract with music publisher Essex had expired and Defries, his new manager, was facing prior contractual challenges.[93][94] In August 1970, Visconti parted ways with Bowie owing to his dislike of Defries and his frustration with Bowie's lack of enthusiasm during the making of The Man Who Sold the World; it was the last time he would see the artist for three or four years. Ronson and Woodmansey also departed due to other personal conflicts with Bowie.[80][95] Despite his annoyance with Bowie during the sessions, Visconti still rated The Man Who Sold the World as his best work with him until his fourteenth studio album Scary Monsters (and Super Creeps) (1980).[33] Although his new single "Holy Holy", recorded in autumn 1970 and released in January 1971, was a commercial flop, the single earned Bowie a contract with music publisher Chrysalis.[93][96] The critical success of the album in the US prompted Mercury to send Bowie on a promotional radio tour of the country in February 1971.[97] Upon his return, he wrote the majority of the material that would appear on the follow-up albums Hunky Dory (1971) and Ziggy Stardust.[98] Bowie also convened with Ronson and Woodmansey, who returned to play on both records.[99][100] Following the commercial disappointment of Hunky Dory, Bowie finally found commercial success with Ziggy Stardust in 1972.[101][102] Ronson and Woodmansey, along with bassist Trevor Bolder, would become famous as the Spiders from Mars.[103]

The Man Who Sold the World has been retrospectively described by Bowie biographers and commentators as the beginning of Bowie's artistic growth, with many also agreeing that it was his first album where he began to find his sound. Buckley has described the album as "the first Bowie album proper",[104] while NME critics Roy Carr and Charles Shaar Murray similarly stated, "this is where the story really starts".[30] Erlewine cited The Man Who Sold the World as the beginning of Bowie's "classic period".[28] Similarly, Annie Zaleski of The A.V. Club called the album his "career blueprint", writing that it musically was a forerunner to the "swaggering electric disorientation" of Ziggy Stardust and Aladdin Sane (1973), but its greater importance on sequencing and atomsphere, as well as stonger songwriting, predated Hunky Dory.[3] Pegg calls The Man Who Sold the World one of the best and most important albums in the history of rock music.[80]

The album has since been cited as inspiring the goth rock, dark wave and science fiction elements of work by artists such as Siouxsie and the Banshees, the Cure, Gary Numan, John Foxx and Nine Inch Nails.[33] It has been claimed that glam rock began with the release of The Man Who Sold the World,[105] though this is also attributed to Bolan's appearance on the UK television programme Top of the Pops in March 1971 wearing glitter.[106] In his journal, Kurt Cobain of Nirvana listed it at number 45 on his top 50 favourite albums list.[107] The title track provided an unlikely hit for Scottish pop singer Lulu, which was produced by Bowie and Ronson,[79] and would be covered by many artists over the years, including Richard Barone in 1987, and Nirvana in 1993 for their live album MTV Unplugged in New York.[108][109]

Reissues

The Man Who Sold the World was first released on CD by RCA in 1984. The album was reissued by Rykodisc/EMI in 1990 with bonus tracks, including a 1974 rerecording of "Holy Holy" that was originally issued as a B-side (but incorrectly identified as the 1971 original).[110] "Holy Holy" was incorrectly described in the liner notes as the original single version. Bowie vetoed inclusion of the earlier recording, and the single remained the only official release of the 1970 recording until 2015, when it was included on Re:Call 1, part of the Five Years (1969–1973) compilation.[111] Similarly, the liner notes incorrectly listed the personnel for "Lightning Frightening" as those who played with Bowie during the Space Oddity period, when in fact the personnel were members of the Arnold Corns sessions proto-group.[112]

In 1999, The Man Who Sold the World was reissued again by Virgin/EMI, without the bonus tracks but with 24-bit digitally remastered sound.[113] In 2015, the album was remastered for the Five Years (1969–1973) box set.[111] It was released on CD, vinyl and digital formats, both as part of the compilation and separately.[114] On 6 November 2020, the album was reissued by Parlophone under its working title of Metrobolist to commemorate its 50th anniversary. The reissue featured an updated version of the original Weller artwork as its official cover. For this release, Visconti has remixed every song, except "After All", because he felt the original mix (as remastered in 2015) was "perfect as is".[115][116]

Track listing

All tracks are written by David Bowie.[74]

Side one
  1. "The Width of a Circle" – 8:05
  2. "All the Madmen" – 5:38
  3. "Black Country Rock" – 3:32
  4. "After All" – 3:52
Side two
  1. "Running Gun Blues" – 3:11
  2. "Saviour Machine" – 4:25
  3. "She Shook Me Cold" – 4:13
  4. "The Man Who Sold the World" – 3:55
  5. "The Supermen" – 3:38
Bonus tracks (1990 Rykodisc/EMI)[4]
  1. "Lightning Frightening" (1971 outtake from the Arnold Corns sessions) – 3:38
  2. "Holy Holy" (1974 B-side rerecording of A-side from non-LP single) – 2:20
  3. "Moonage Daydream" (1971 Arnold Corns version) – 3:52
  4. "Hang On to Yourself" (1971 Arnold Corns version) – 2:51

Personnel

Adapted from The Man Who Sold the World liner notes.[74]

Charts

1972–73 chart performance
Chart (1972–73)Peak
position
UK Albums (OCC)[82]24
US Billboard 200[83]105
1990 chart performance
Chart (1990)Peak
position
UK Albums (OCC)[82]66
2016 chart performance
Chart (2016)Peak
position
Canadian Albums (Billboard)[117]62
Dutch Albums (Album Top 100)[118]48
French Albums (SNEP)[119]149
Italian Albums (FIMI)[120]49
UK Albums (OCC)[82]21
US Top Pop Catalog Albums (Billboard)[121]38
2020 chart performance (Metrobolist re-issue)
Chart (2020)Peak
position
German Albums (Offizielle Top 100)[122]22
UK Albums (OCC)[82]72

References

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Bibliography

External links

Artist(s)

Veröffentlichungen von David Bowie die im OTRS erhältlich sind/waren:

Blackstar ¦ The Next Day ¦ The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars ¦ Bowie At The Beeb ¦ Scary Monsters ¦ Metrobolist: Nine Songs By David Bowie

David Bowie auf Wikipedia (oder andere Quellen):

David Bowie (2002)

David Bowie (* 8. Januar 1947 als David Robert Jones in London; † 10. Januar 2016 in New York City) war ein britischer Musiker, Sänger, Produzent und Schauspieler. In seiner mehr als 40 Jahre dauernden Karriere war er mit 26 Studioalben einer der einflussreichsten Musiker der Rock- und Popmusik und mit rund 140 Millionen verkauften Tonträgern auch kommerziell sehr erfolgreich.[1]

Biografie

Kindheit und Jugend

Er wurde 1947 als Sohn von Haywood Stenton „John“ Jones (1912–1969) und Margaret Mary „Peggy“ Burns (1913–2001) im Londoner Stadtteil Brixton geboren und wuchs in einfachen, aber gesicherten Verhältnissen auf. Sein Vater war Marketingleiter für das Kinderhilfswerk Barnardos, seine Mutter arbeitete als Kellnerin.[2] Das Familienklima war von Schweigsamkeit geprägt,[3] was Bowie 1993 in einem Interview folgendermaßen charakterisierte: „Meine Kindheit war nicht glücklich. Nicht, dass es brutal zugegangen wäre, aber ich hatte eine ganz bestimmte Art britischer Eltern: Sie waren ziemlich unterkühlt, und man nahm sich nicht oft in den Arm.“ David galt als schüchternes, höfliches Kind.[4]

Anfang der 1950er Jahre begann der soziale Aufstieg der Familie. Im Winter 1953 zog sie in den Londoner Mittelklasse-Vorort Bromley, und David wurde zum Vorzeigeobjekt für das Statusstreben der Eltern, die sehr viel Wert auf ordentliche Kleidung und ein gepflegtes Äußeres legten.[4] Eine besonders enge Bindung entwickelte David zu seinem Halbbruder Terry, der als Sohn der Mutter ebenfalls im Haus lebte. Dieser liebte seinen kleinen Bruder, und David bewunderte den älteren, emotionalen und rebellischen Terry. Sie wurden von den Eltern sehr unterschiedlich behandelt; während sie David verwöhnten, begegneten sie Terry meist mit kühler Korrektheit, ignorierten ihn zum Teil aber auch.[4]

Erste musikalische Schritte

Im Alter von neun Jahren kam David Bowie über seinen Vater, der ihm die ersten Singles schenkte, mit Rock ’n’ Roll in Berührung. Über die erste Platte, Little Richards Tutti Frutti, sagte er später: „Ich hatte Gott gehört.“[5] Neben seinen Eltern förderte auch sein Bruder Terry das in David erweckte Musikinteresse, indem er ihn mit US-Beat-Poeten und Jazz bekanntmachte und den damals 13-Jährigen beispielsweise zu Konzerten im Londoner Unterhaltungsviertel Soho mitnahm. 1962 sang Bowie im Alter von 15 Jahren unter dem Künstlernamen Dave Jay in der Gruppe The Kon-Rads, in der er auch Saxophon spielte. Die Band nahm im August 1963 einen von Bowie mitkomponierten Song mit dem Titel I Never Dreamed auf. 2018 wurde die einzige bekannte Aufnahme dieser Session in einem alten Brotkorb gefunden. Das für Decca aufgenommene Demo-Tape wurde von David Hadfield wiederentdeckt, dem ehemaligen Schlagzeuger der Band.[6] Als der Erfolg ausblieb, verließ Bowie die Gruppe. Die Aufnahme wurde 2018 im Auktionshaus Omega im Nordwesten Englands für knapp 40.000 Pfund versteigert.[7]

1964 nahm er seine erste eigene Single, Liza Jane, auf, die ebenfalls floppte. In den 1960er Jahren sammelte er Erfahrungen als Sänger und Musiker in weiteren Bands wie den Manish Boys und den Lower Third, die alle nicht bekannt wurden. 1967 arbeitete er mit dem britischen Pantomimen Lindsay Kemp zusammen, dessen Einfluss sich in den folgenden Jahren in Bowies Bühnenshows zeigte. Durch diese Erfahrungen begann der schüchterne junge Bowie allmählich, sehr vielseitige künstlerische Ausdrucksweisen zu entwickeln. Als aufstrebender Rockstar befürchtete er jedoch, dass sein Name dem von Davy Jones, einem Mitglied der bekannten Band The Monkees zu ähnlich sei. Daher gab er sich einen Künstlernamen; in Anlehnung an Jim Bowie nannte er sich fortan David Bowie.[8]

Sein 1967 erschienenes Debütalbum David Bowie enthielt einige Songs, die von Musicals inspiriert waren, daneben Folksongs und Balladen, unter anderem den Titel Please Mr. Gravedigger. Der ausbleibende Erfolg veranlasste ihn dazu, sein Konzept zu ändern. Starthilfe bekam er von seinem späteren Produzenten Tony Visconti, den er Ende 1967 kennenlernte und der auch für seinen Freund Marc Bolan arbeitete. Anfang 1969 wurde ein halbstündiger Promotion-Film mit dem Titel Love You Till Tuesday gedreht. Dabei wurden einige Lieder des ersten Albums und einige neue Kompositionen in Szene gesetzt. Eine davon war die zuletzt ins Set aufgenommene Weltraumballade Space Oddity. Bowie, der dazu von dem Stanley-Kubrick-Film 2001: Odyssee im Weltraum inspiriert worden war, beschrieb darin den Raketenstart des fiktiven Astronauten Major Tom und dessen Gefühlslage allein im Weltall sowie die Kommunikation mit der Bodenstation, die am Ende des Stücks plötzlich abbricht. Zehn Jahre später löste Bowie im Song Ashes to Ashes den Weltraumausflug als Drogentrip eines Junkies auf.

Im November 1969 erschien das zweite Album, in den Vereinigten Staaten unter dem Titel Man of Words, Man of Music, in Großbritannien wie bereits das erste Album erneut unter dem Titel David Bowie. 1972 wurde es von RCA Records mit neuem Cover unter dem Titel Space Oddity wiederveröffentlicht. Das Album enthält eine Neuaufnahme des Titelstücks, die auch als Single erschien und Bowies erster kommerzieller Erfolg wurde. Bowie wurde für diese Komposition 1969 mit dem Ivor Novello Award geehrt, sie zählt zu seinen bekanntesten Werken. Die Single erreichte in Großbritannien Platz sechs der Verkaufscharts und hielt sich vier Wochen in den Top Ten, bei einer erneuten Veröffentlichung erreichte der Titel 1975 Platz eins. Das von Gus Dudgeon produzierte Lied stach mit seinem Novelty-Song-Charakter aus dem Gesamtalbum heraus. Das restliche Album war mit der Mischung aus Folk-Musik, Bowies Stimme und seiner zwölfsaitigen Gitarre kein kommerzieller Erfolg.

Anfang 1970 nahm Bowie zusammen mit Marc Bolan zwei neue Songs auf: The Prettiest Star, der auch als Single erschien, und London Bye Ta Ta. Im Mai erschien eine Neuaufnahme von Memory of a Free Festival als Single. Obwohl diese ebenfalls erfolglos blieb, ist sie historisch interessant, da auf einer Studioaufnahme zum ersten Mal der Gitarrist Mick Ronson zu hören ist; bis 1973 blieb er Bowies musikalischer Begleiter. Bowie, Ronson, Visconti am Bass und John Cambridge am Schlagzeug traten ab Anfang 1970 kurzzeitig unter dem Bandnamen The Hype auf. Mit dieser Band versuchte sich Bowie an einem neuen Bühnenkonzept, indem alle vier in Kostümen auftraten und Stilmittel des Theaters nutzten. So verkleidete sich Bowie als „Rainbow Man“, Visconti als „Hype Man“, Ronson als „Gangsterman“ und Cambridge als „Pirate Man“.

1971 erschien eine weitere erfolglose Single (Holy Holy) und Bowies drittes Album mit dem Titel The Man Who Sold the World, das wiederum von Visconti produziert wurde. Stilistisch lehnte es sich an Hard Rock an, und instrumental dominierte Ronsons Gitarrenspiel. In den Texten bezog sich Bowie auf Science-Fiction, Buddhismus und Mystik. Auf dem Cover zeigte er sich in einem Kleid, wodurch er sich bewusst ein androgynes Image gab, das seine Auftritte in den frühen 1970er Jahren prägte. 1972 wurde das Album von RCA mit einem neuen und weniger kontroversen Cover wiederveröffentlicht. Auch diesem Album war wenig Erfolg beschieden. Der Titelsong wurde in späteren Jahren mehrmals gecovert, so von Lulu und Nirvana.

Durchbruch

David Bowie bei der Diamond-Dogs-Tour 1974

1971 folgte das Album Hunky Dory. Als Keyboarder ist darauf Rick Wakeman zu hören, der später mit der Band Yes bekannt wurde. Zudem spielten darauf mit Mick Ronson (Gitarre), Mick (Woody) Woodmansey (Schlagzeug) und Trevor Bolder (Bass) alle Mitglieder der späteren Begleitband seines Alter Egos Ziggy Stardust, The Spiders from Mars. Es war Bowies erstes Album für die Plattenfirma RCA Records, an die ihn sein neuer Manager Tony DeFries vermittelt hatte. Unter anderem enthält es einen der bekanntesten Bowie-Songs, Changes, und die Ballade Life on Mars?, nach der 2006 eine Fernsehserie benannt wurde. Bowies Beschäftigung mit der damaligen Musik- und Kunstszene der USA zeigte sich auf diesem Album in Reverenzen an Bob Dylan, The Velvet Underground und Andy Warhol. Bowie sagte, er habe für dieses Album zum ersten Mal breite künstlerische Anerkennung erfahren, ehe er mit den nächsten Alben zur Ikone des Glam Rock wurde.

1972 gelang ihm der kommerzielle Durchbruch. Mit dem Album The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars und der anschließenden, bis 1973 dauernden Welttournee wurde er endgültig bekannt. Die Tournee wurde nur einmal kurz unterbrochen, als er am 10. Juni 1972 spontan ein Flugzeug von England nach New York bestieg, um sich ein Konzert von Elvis Presley im Madison Square Garden anzuhören und danach sofort nach England zurückzufliegen und seine Tournee fortzuführen. Ein Grund dafür war die „Erfindung“ seines aufsehenerregenden Alter Egos Ziggy Stardust, dessen Aufstieg und Fall in einer dem Untergang geweihten Welt erzählt wird. Ein weiterer war seine theatralische Bühnenshow mit ihren provozierend homoerotischen Zügen. Dieses damals skandalöse Spiel mit der Homosexualität befeuerte er zusätzlich, indem er sich in einem Interview als schwul ausgab. Er war zu diesem Zeitpunkt seit zwei Jahren mit verheiratet und hatte mit ihr den 1971 geborenen Sohn Duncan Jones, den er später allein erzog.

Ende 1972 verzeichnete Bowie mit The Jean Genie einen Top-Ten-Hit in seinem Heimatland. Bei den Arbeiten zu seinem Album Aladdin Sane war erstmals der Pianist Mike Garson dabei, der ein langjähriger Begleiter Bowies wurde. Für das Album trafen in England über 100.000 Vorbestellungen ein, eine Zahl, die bis dahin nur die Beatles erreicht hatten. Am 3. Juli 1973 ließ Bowie Ziggy Stardust beim letzten Konzert seiner Welttournee im Londoner Hammersmith Odeon „sterben“ (My DeathJacques Brel), bevor er zum letzten Mal mit seiner Band Rock ’n’ Roll Suicide intonierte.

Bowie (Rebel Rebel-Video, 1974)

In dieser Zeit wirkte Bowie auch als Produzent und Förderer anderer Musiker. Er produzierte zusammen mit Ronson unter anderem Lou Reeds 1972 erschienenes zweites Soloalbum Transformer mit dem Hit Walk on the Wild Side, schrieb für die Band Mott the Hoople den erfolgreichen Song All the Young Dudes (1972) und produzierte deren gleichnamiges Album. Bei dem Stooges-Album Raw Power (1973) war er für die Abmischung verantwortlich. 1973 nahm Bowie zudem das Album Pin Ups auf, das Coverversionen aus den 1960ern enthält. Das Konzeptalbum Diamond Dogs (1974), das in weiten Teilen auf George Orwells Dystopie 1984 basiert, nahm Bowie ohne seine bisherige Begleitband The Spiders from Mars und seinen langjährigen Wegbegleiter, den Lead-Gitarristen Mick Ronson, auf. Bowie zerstritt sich während der US-Tournee mit seinem Manager DeFries und blieb auf einem Schuldenberg sitzen.

Beeinflusst durch seinen Umzug nach New York entstand in den Sigma Sound Studios 1975 das Album Young Americans, ein musikalischer Neuanfang, in dem sich Bowie mit der Musik befasste, die ihn als jungen Mann geprägt hatte, nämlich Rhythm and Blues und Soul; er selbst nannte seine Musik ironisch Plastic Soul. Bowie trat zu dieser Zeit im Maßanzug auf – ein weiterer Imagewechsel des Künstlers. Auf dem Album enthalten ist sein erster Nummer-eins-Hit in den Vereinigten Staaten, Fame. Dieser Song, den Bowie zusammen mit John Lennon in einer Session in den Electric Lady Studios in New York aufnahm, war ursprünglich nicht zur Veröffentlichung vorgesehen.

Im Anschluss an die Albumproduktion übernahm Bowie die Hauptrolle in dem Science-Fiction-Film Der Mann, der vom Himmel fiel von Nicolas Roeg. Danach produzierte er in Los Angeles das Album Station to Station, das Anfang 1976 erschien. Nach der Isolar-Tour 1976 zog der Musiker zurück nach Europa. Er ging zunächst in die Schweiz und, nachdem er in Frankreich mit Brian Eno und Tony Visconti Aufnahmen für das Album Low eingespielt hatte, nach West-Berlin.[9]

Die Berliner Zeit

Wohnhaus in Berlin-Schöneberg, in dem Bowie von 1976 bis 1978 wohnte

Bowie wohnte die erste Zeit bei Edgar Froese von Tangerine Dream im Berliner Bayerischen Viertel, wo er einen kalten Entzug von harten Drogen machte.[10] Bowie bezeichnete Froeses Album Epsilon in Malaysian Pale als „ein unglaublich schönes, verzauberndes, treffendes Werk… Das war der Soundtrack zu meinem Leben, als ich in Berlin wohnte.“[11] Von 1976 bis 1978 bewohnte er eine Sieben-Zimmer-Altbauwohnung in der Hauptstraße 155 im West-Berliner Stadtteil Schöneberg.[12] In späteren Interviews, so innerhalb einer Reportage von Arte, bezeichnete er West-Berlin als die damalige „Welthauptstadt des Heroins“.

In den Berliner Hansa Studios stellte er das Album Low fertig, den ersten Teil der sogenannten Berlin-Trilogie. Bowie war von deutschen Bands wie Tangerine Dream, Kraftwerk, Cluster, Can oder Neu!, aber auch von Steve Reich beeinflusst. Eigentlich betrachtete er die Alben, bei denen es nicht um Verkaufszahlen gehen sollte, als Experiment. Doch die ausgekoppelte Single Sound and Vision wurde ein großer Hit; sie stieg in Deutschland bis auf Platz 6 und erreichte in England sogar Platz 3. Während die erste Seite der LP Low eher aus Songfragmenten besteht, überrascht die zweite Seite damit, dass sie fast ausschließlich Instrumentalstücke enthält wie auch der Nachfolger „Heroes“, der wenige Monate später ebenfalls in Berlin aufgenommen wurde.

„Heroes“ enthält mit dem gleichnamigen Titelstück eines der bekanntesten Lieder Bowies, das mehrsprachig in Französisch/Englisch und Deutsch/Englisch aufgenommen wurde. Der Text handelt von zwei Liebenden, die sich an der Berliner Mauer küssen, während Grenzsoldaten auf sie schießen. Bowie verarbeitete in diesem Song neben eigenen Beobachtungen in Berlin aber auch Eindrücke des Expressionismus der 1920er-Jahre, etwa das Gemälde von Otto Mueller Liebespaar zwischen Gartenmauern von 1916.

Mit Iggy Pop, der mit Bowie nach Berlin gekommen war und im selben Haus eine Nachbarwohnung bezogen hatte, nahm Bowie die Alben The Idiot und Lust for Life auf, deren Musik großteils von ihm geschrieben wurde. Zudem ging er als Keyboarder mit Iggy Pop auf Tournee. In seinen Berliner Jahren spielte er auch die Hauptrolle in Schöner Gigolo, armer Gigolo, Marlene Dietrichs letztem Film. 1978 ging Bowie wieder auf Tournee und nahm unter anderem das Kindermärchen Peter und der Wolf mit dem Philadelphia Orchestra auf. Im selben Jahr wurde das Live-Album Stage veröffentlicht, und Bowie zog in die Schweiz. 1979 nahmen Bowie und Brian Eno im Mountain Studio nahe Bowies damaliger Residenz in Montreux ihr drittes sogenanntes „Berliner Album“ Lodger auf. Es wurde in New York gemixt und lieferte mit den Singles Boys Keep Swinging und DJ kleinere Charterfolge, vor allem in Großbritannien.

Erfolge in den Charts der 1980er Jahre

David Bowie, 1987

Das neue Jahrzehnt begann für Bowie nach der Scheidung von Angela Barnett und der Übertragung des alleinigen Sorgerechts für den gemeinsamen Sohn mit seinem Broadway-Debüt in dem Stück The Elephant Man, für das er als Schauspieler gelobt wurde. 1980 hatte er mit dem Album Scary Monsters (And Super Creeps), dem bis 2002 letzten von Tony Visconti produzierten Album, und dessen Singleauskopplung Ashes to Ashes Erfolg. 1981 war er in einem Cameo-Auftritt in dem Film Christiane F. – Wir Kinder vom Bahnhof Zoo bei einem Konzert in der Deutschlandhalle zu sehen. Der Soundtrack besteht ausschließlich aus Bowie-Songs, darunter auch “Heroes”. Mit der Band Queen nahm er im selben Jahr den Titel Under Pressure auf. Das in einer sechsstündigen Session entstandene Lied erreichte im November des Jahres Platz 1 in Großbritannien. 1982 spielte Bowie neben Catherine Deneuve und Susan Sarandon in dem Film Begierde von Tony Scott mit, und es erschien das zweite Best-of-Album ChangesTwoBowie.

1983 veröffentlichte er mit Let’s Dance sein erstes Album für sein neues Label EMI, produziert von Nile Rodgers. Es war gemeinsam mit der nachfolgenden Serious-Moonlight-Tour mit Abstand der größte kommerzielle Erfolg, den Bowie je hatte. Die Single Let’s Dance schaffte es in den Vereinigten Staaten auf Platz eins und hielt sich dort neben so erfolgreichen amerikanischen Produktionen wie Michael Jacksons Billie Jean. Auch weitere Songs des Albums wie etwa China Girl konnten sich vorne in den Charts platzieren. Die Tour führte Bowie von Mai bis Dezember 1983 einmal um die ganze Welt. David Bowie stand jetzt nicht mehr für außergewöhnliche Musik mit experimentellen Eigenheiten, sondern auch für publikumsfreundliche Popmusik.

Nach Let’s Dance folgte jedoch auf das Abebben des ersten Massenerfolgs eine innere Schaffenskrise. Die folgenden Alben Tonight (1984) und Never Let Me Down (1987) wurden von den Kritikern verrissen und gelten bis heute als seine schlechtesten. Trotz späterer abfälliger Bemerkungen Bowies über seine eigene Schaffensperiode zwischen 1984 und 1987 fallen in diese Zeit relativ erfolgreiche Titel wie This Is Not America (mit Pat Metheny), das Duett Dancing in the Street mit Mick Jagger, die Single Absolute Beginners aus dem Soundtrack zum gleichnamigen Film, Blue Jean, ein als Single aus dem Album Tonight hervorgegangener Song, die Filmmusik zu Labyrinth, in dem er eine Hauptrolle spielte, und der epische Titelsong zu When The Wind Blows.

Neufindung

Iman und David Bowie, 2009

Nach dem kommerziellen und künstlerischen Misserfolg des Albums Never Let Me Down von 1987 tauchte Bowie zwei Jahre später mit dem Tin-Machine-Projekt wieder auf. „Tin Machine“ war die Band um Reeves Gabrels und die Brüder Hunt und Tony Sales, mit denen Bowie 1977 die Iggy-Pop-Platte Lust for Life als Produzent und Co-Autor eingespielt hatte. Bowie bestand darauf, nur „ein Bandmitglied unter vielen“ zu sein, und lehnte jegliche Sonderrolle ab. 1991 folgte Tin Machine II und die mäßig erfolgreiche Single You Belong in Rock ’n’ Roll.

1992 heiratete Bowie Iman Abdulmajid, ein weltweit bekanntes Model und Schauspielerin aus Somalia. Mit ihr bezog er im selben Jahr ein 175 m² großes Appartement im Essex House am New Yorker Central Park, 160 Central Park South.[13] In diese Zeit fällt sein Album zur Verfilmung von Hanif Kureishis The Buddha of Suburbia, das irreführenderweise als Soundtrack bezeichnet und vertrieben wurde. Das Tin-Machine-Projekt fand 1993 mit dem Soloalbum Black Tie, White Noise – wiederum von Nile Rodgers produziert – ein Ende. Künstlerisch insgesamt wenig innovativ, und kommerziell und aufgrund von Vertriebsproblemen vor allem in den USA gescheitert, markierte es Bowies Meinung nach die Überwindung seiner Schaffenskrise der 1980er Jahre.

Das im September 1995 erschienene, erneut mit Brian Eno produzierte, sehr vielschichtige und experimentierfreudige Album 1. Outside war trotz einiger positiver und vieler irritierter Kritiken kommerziell ebenfalls kein Erfolg. Bei der anschließenden, mit 100 Konzerten weltumspannenden Outside-Tour standen Bowie mit „Placebo“ in Europa und „Nine Inch Nails“ in den Vereinigten Staaten bekannte Bands im Vorprogramm zur Verfügung. Mit Earthling folgte 1997 eine Arbeit, die Bowies Schaffensdrang erneut bestätigte und starke Einflüsse des Drum and Bass aufweist. Künstlerisch wie kommerziell wenig Aufmerksamkeit erregte das Nachfolgealbum Hours… (1999), in dem sich Bowie wieder einfacheren Songstrukturen zuwandte. Im August 2000 kam Bowies Tochter zur Welt.

Das Jahr 2002 brachte mit Heathen die Fortsetzung der Zusammenarbeit mit Tony Visconti. Künstlerisch wie kommerziell (vor allem auch in Deutschland) fügte sich das Album für einen Teil der Fans an klassische Bowie-Werke und wurde zum Teil auch von Kritikern und Fans als Comeback angesehen. 2003 erschien, wiederum von Visconti produziert, das Album Reality mit den Single-Auskopplungen New Killer Star und Never Get Old. Im Vorfeld seiner Veröffentlichung, am 8. September 2003, schrieb Bowie Musik- und Technologie-Geschichte: An diesem Tag wurde sein neues Studioalbum in Kinos auf der ganzen Welt live und interaktiv präsentiert. Eine eigens für diesen Anlass produzierte Live-Show wurde per Satellit in alle teilnehmenden europäischen Kinos gleichzeitig übertragen und – bedingt durch den Zeitunterschied – einen Tag später in Asien, Japan und Australien sowie Nordamerika, Kanada und Südamerika. Die Show wurde im digitalen Breitbildformat gefilmt, der Ton im DTS-5.1-Surround-Sound aufgezeichnet und den Kinos komplett digital übermittelt. Damit stellte das Verfahren den bis dahin umfassendsten und innovativsten Einsatz von Digitaltechnik in Kinos dar.

Mit A Reality Tour ab Oktober 2003 ging Bowie auf eine der längsten Welttourneen seiner Karriere. Kurz vor ihrem Ende musste er die Tournee jedoch am 25. Juni 2004 auf dem Hurricane-Festival bei Scheeßel wegen eines Herzinfarkts – nach seinem letzten Song Ziggy Stardust – abbrechen. Im damaligen Hamburger Allgemeinen Krankenhaus St. Georg wurde Bowie ein Stent gesetzt. Nach seiner Genesung trat er neben Gastauftritten bei Konzerten von „Arcade Fire“ und David Gilmour zuletzt im Mai 2007 als Kurator des Highline-Musikfestivals in New York in Erscheinung.

Am 8. Januar 2013 – seinem 66. Geburtstag – veröffentlichte er erstmals nach zehn Jahren eine neue Single mit dem Titel Where Are We Now sowie ein Video von Tony Oursler, eine Hommage an seine Zeit in Berlin von 1976 bis 1979. Anschließend wurde am 8. März 2013 das Album The Next Day veröffentlicht. Es wurde zu einem seiner erfolgreichsten Alben, erreichte als erstes Bowie-Album in Deutschland Platz 1 der Charts und führte in 40 Ländern gleichzeitig die Hitparaden an. Als Cover wurde eine Abwandlung des Heroes-Covers verwendet; eine weiße Quadratfläche im Zentrum mit dem Titel des aktuellen Werks verdeckt das Gesicht des Sängers.

Am 18. November 2015 wurde Bowies Musical Lazarus mit Michael C. Hall in der Hauptrolle zum ersten Mal aufgeführt; offizielle Premiere in Anwesenheit Bowies war am 7. Dezember 2015 in New York. Das Musical ist eine Adaption des Films Der Mann, der vom Himmel fiel von 1976, in dem Bowie mitspielte.[14][15] Der Titelsong erschien als Single.

Für die ab Oktober 2015 von verschiedenen europäischen Pay-TV-Sendern gezeigte Serie The Last Panthers steuerte Bowie den Titelsong Blackstar bei.[16] Blackstar erschien am 20. November als Single und war titelgebend für Bowies 26. Soloalbum, das am 8. Januar 2016, seinem 69. Geburtstag,[17] erschien. Blackstar erreichte als erstes Bowie-Album den Spitzenplatz der amerikanischen Billboard 200[18] und wurde, nach The Next Day, Bowies zweites Nummer-1-Album in Deutschland.[19] Am 21. Oktober 2016 erschien der Sampler Lazarus Cast Album mit von den Musical-Darstellern eingesungenen Bowie-Songs des Musicals Lazarus. Das Album enthält zusätzlich die drei bisher unveröffentlichten Bowie-Studioaufnahmen No Plan, Killing a Little Time und When I Met You. Diese Stücke gelten als Bowies letzte, kurz vor seinem Tod eingesungenen Aufnahmen. Eingespielt mit den Blackstar-Musikern wurden die Songs erneut von Bowies langjährigem Weggefährten Visconti produziert.

Tod

Zusammen mit seiner Frau Iman und der gemeinsamen Tochter lebte David Bowie seit 1999 relativ zurückgezogen in zwei Penthouse-Wohnungen in SoHo, 285 Lafayette Street, zwischen Prince Street und Houston Street.[20][21] Am 10. Januar 2016, zwei Tage nach seinem 69. Geburtstag und der Veröffentlichung des Albums Blackstar, starb Bowie dort an Leberkrebs.[22] Der Öffentlichkeit hatte er die Erkrankung nicht mitgeteilt, die 18 Monate vor seinem Tod diagnostiziert worden war.[23] In seinem 2004 verfassten Testament hatte Bowie verfügt, dass sein Leichnam verbrannt werden solle. Seinem Letzten Willen gemäß einem buddhistischen Ritual folgend wurde seine Asche auf der indonesischen Insel Bali verstreut.[24][25]

Aufarbeitung

2019 wurde die Produktion einer Filmbiografie über das Leben von David Bowie bestätigt. Demnach arbeitet Neil Gaiman an dem Drehbuch, soll Peter Ramsey Regie führen und Johnny Flynn die Hauptrolle in Starman übernehmen.[26] Im August 2019 erklärte David Bowies Sohn Duncan Jones, dass der Film ohne die Rechte an David Bowies Musik auskommen muss.[27]

Stil

David Bowie, 2002

David Bowie ließ sich von vielfältigen Einflüssen westlicher, aber auch außerwestlicher Kultur inspirieren, sowohl in Bezug auf Image als auch Musik. Zu Beginn seiner Karriere orientierte er sich vor allem an der damals modernen Beatmusik, aber auch an der britischen Tradition des Novelty-Songs. Zudem interessierte er sich für die US-amerikanische Avantgarde-Band „The Velvet Underground“ und die Proto-Punk-Band „The Stooges“ aus Detroit.

Durch Lindsay Kemp wurde er mit einer bestimmten Schule der Pantomime bekannt, die unter anderem auch Bezüge zum japanischen Kabuki-Theater hatte. Elemente aus diesem benutzte er in den 1970er Jahren immer wieder für seine Bühnenshow. Ebenfalls fasziniert war er von der Ästhetik der Transvestiten und der homosexuellen Avantgarde, besonders in der New Yorker Subkultur. Zunächst orientierte er sich an der Ästhetik von Figuren aus dem Umfeld von Andy Warhol, an denen er seine Figur „Ziggy Stardust“ formte.

Mit seinem Umzug in die Vereinigten Staaten 1973 begann er sich verstärkt für Soul-Musik zu interessieren, besonders für die Stilrichtung, die aus Philadelphia kam und als Phillysound bezeichnet wird. Dieser Einfluss wurde zuerst auf dem Album Diamond Dogs hörbar und prägte das Album Young Americans (1975). Spätestens seit 1974 entwickelte er auch ein starkes Interesse an deutscher elektronischer Musik von „Kraftwerk“ und „Neu!“ sowie der Musik von Steve Reich. Das spiegelte sich zunächst auf dem Album Station to Station wider und kam in der so genannten Berlin-Trilogie voll zur Geltung, die im Zusammenwirken mit Brian Eno wegweisend für die weitere Entwicklung der elektronischen Musik wurde. In den 1980er Jahren orientierte er sich vor allem an zeitgenössischer Popmusik, in den 1990er Jahren nahm er u. a. Einflüsse des Drum and Bass auf.

Seine Wandelbarkeit brachte Bowie den Spitznamen „Chamäleon des Pop“ ein. Dies konterte er mit der Aussage, dass ein Chamäleon sich der Umgebung anpasse, während er überwiegend das Gegenteil getan habe. Häufig wurde ihm vorgeworfen, er plagiiere. Wohlmeinende Kritiker halten ihm jedoch zugute, dass er die verschiedenen Einflüsse zu einem eigenen Ganzen zusammenfüge und zudem noch dazu beitrage, weniger bekannte, subkulturelle Kunst- und Kulturformen einem breiteren Publikum bekanntzumachen. Zudem berufen sich zahlreiche jüngere Künstler auf ihn und seinen Einfluss auf ihre Musik und ihr Image.

Wirkung

Musik

David Bowie wird als einer der einflussreichsten Künstler seiner Zeit – und bis Anfang der 1980er Jahre auch Vorreiter – im Bereich zeitgenössischer populärer Musik angesehen. Das ist auf seine über Jahrzehnte währende Schaffenskraft mit großer musikalischer Bandbreite zurückzuführen: Rock mit Ziggy Stardust und Diamond Dogs, Jazz-Stilelemente mit Aladdin Sane, Soul mit Young Americans und Black Tie, White Noise, elektronisch konzertant mit Low – wie Heroes sinfonisch vertont durch Philip Glass – und 1. Outside.

Image

Die stärkste kulturelle Wirkung erzielte Bowie mit seiner Kunstfigur „Ziggy Stardust“. Deren Image beeinflusste Punk-, Independent- und New-Romantic-Musiker von Steve Strange bis Morrissey. Madonna sagt, dass ein von ihr im Alter von 14 Jahren besuchtes Ziggy-Stardust-Konzert ihr Leben verändert habe.[28] Die Kunstfigur David Bowie verwandelte sich kontinuierlich. Allein diese Kreativität war in dieser immer gegensätzlichen Form der thematischen Selbstdarstellung bis zuletzt in der Musikszene absolut innovativ.[29]

Bowie 1976 als Thin White Duke

Im Zusammenhang mit dem Album Station to Station verwandelte sich Bowie 1976 in eine weitere Kunstfigur namens Thin White Duke, eine Bezeichnung, die sich auf die Zeile The return of the Thin White Duke im Titelsong bezieht. Seine Garderobe bestand nun aus einem weißen Hemd mit schwarzer Hose und Weste, die Haare waren streng zurückgekämmt, seine Ausstrahlung erschien distanziert und unterkühlt. Nicht nur aufgrund seines selbstgewählten Titels Duke geriet er in Verdacht, dass er faschistischer Gesinnung sei. Bei einem Live-Auftritt wurde dann eine verfängliche Geste beobachtet und in Interviews gab er Sätze von sich, die in diese Richtung interpretiert werden konnten. Das hatte die Abkehr einiger Fans zur Folge. Später distanzierte sich Bowie von dieser Phase; die zweideutigen Äußerungen seien wohl seinem erheblichen Kokainkonsum geschuldet gewesen.[30] Auch eine Untersuchung der damaligen Ereignisse kam zu dem Ergebnis, dass Bowie kein Faschist gewesen sei.[31]

Sein Spiel mit sexueller Identität und Geschlechterrollen in den 1970er Jahren, das er am Image der bizarren Entourage Andy Warhols ab den späten 1960er und frühen 70er Jahren entwickelt hatte, war zunächst eine treibende Kraft in der Entwicklung des Glam Rock; es wurde auch von nachfolgenden Künstlern aufgenommen. Bowie war so dabei behilflich, sexuelle Mehrdeutigkeit auch im Mainstream salonfähig zu machen. Brian Slade, Hauptfigur des Films Velvet Goldmine (1998) über die Glam-Rock-Ära, ist eine Anspielung auf David Bowie und ihm nachempfunden; im Film wird jedoch nicht explizit auf ihn verwiesen.

Fast zeitgleich zu seinem musikalischen Comeback mit The Next Day fand 2013 die Ausstellung David Bowie Is im Londoner Victoria and Albert Museum statt. Das Museum zeigte in der internationalen Ausstellung erstmals private Stücke aus dem David-Bowie-Archiv. Die Ausstellung umfasste rund 300 Exponate, darunter handschriftliche Texte, Fotografien, Filme und Musikvideos, Set-Designs, Musikinstrumente, persönliche Sammlungsstücke, 60 Bühnenkostüme, selbstgeschriebene Songtexte, Zeichnungen und persönliche Tagebucheinträge. Eine Vernissage im März 2013 eröffnete die mit insgesamt 312.000 Besuchern in fünf Monaten bis dahin erfolgreichste Ausstellung des Museums. Sie war bis März 2016 auf Tournee und besuchte dabei Städte wie Chicago, Paris und Berlin.

Bowie als Schauspieler

Seit Mitte der 1970er Jahre arbeitete Bowie auch regelmäßig als Schauspieler in Spielfilmen und Fernsehserien. Er erntete damit allgemein Anerkennung, jedoch nicht in dem Ausmaß wie mit seinem musikalischen Schaffen. Auch er selbst sah sich vorrangig als Musiker, wie er in Interviews bekundete. Seine ersten Erfahrungen als Schauspieler sammelte er Ende der 1960er Jahre in dem experimentellen Kurzfilm The Image und in kleinen Promo-Streifen als Pantomime für seinen damaligen Mentor Lindsay Kemp.

1975 castete ihn Nicolas Roeg für die Hauptrolle in dem Spielfilm Der Mann, der vom Himmel fiel, obwohl Bowie keine nennenswerte Schauspielerfahrung hatte. Dieser Film gilt bis heute als seine beste Schauspielleistung. Bowie bemerkte jedoch später selbstkritisch, dass er eigentlich nur sich selbst gespielt habe. Er war zu dieser Zeit schwer kokainsüchtig. Weniger erfolgreich war 1979 seine Darstellung des Paul in Schöner Gigolo, armer Gigolo. Der Film und auch sein Spiel wurden sowohl von der Kritik verrissen als auch von Bowie selbst später abgetan.

1981 hatte er einen Kurzauftritt in Christiane F. – Wir Kinder vom Bahnhof Zoo. Er ist dort in einem von ihm gegebenen Konzert in Berlin zu sehen. Diese Szenen wurden extra für den Film nachgedreht und mit Archivaufnahmen gemischt. Ein Achtungserfolg gelang ihm 1983 in dem Film Furyo – Merry Christmas, Mr. Lawrence, in dem er an der Seite von Ryūichi Sakamoto unter der Regie des von ihm geschätzten Nagisa Ōshima die Hauptrolle des Major Celliers übernahm. Im selben Jahr erschien der Film Begierde, in dem er an der Seite von Catherine Deneuve spielte und Dotterbart, in dem er einen britischen Fähnrich spielte.

1985 hatte Bowie eine kleinere Rolle in dem Film Kopfüber in die Nacht, einem Thriller von John Landis. 1986 wurde er einem jüngeren Publikum als Koboldkönig Jareth in Jim Hensons Film Die Reise ins Labyrinth bekannt, der weit hinter dem erwarteten kommerziellen Erfolg zurückblieb. Einen Kurzauftritt hatte er in Martin Scorseses Film Die letzte Versuchung Christi von 1988 neben Willem Dafoe und Harvey Keitel als Pontius Pilatus.

Relativ unbekannt geblieben ist seine Hauptrolle in dem Film Houdini & Company – Der Geist des Magiers (The Linguini Incident) von 1991 an der Seite von Rosanna Arquette. In Twin Peaks – Der Film, dem Prequel zur Kultserie Twin Peaks von David Lynch, spielte Bowie 1992 in einer kurzen Sequenz den „längst verloren geglaubten“ FBI-Agenten Phillip Jeffries. Beachtung fand Bowies Auftritt in dem Film Basquiat von 1996 in einer Nebenrolle als Andy Warhol.

2006 war er in einer Nebenrolle als Nikola Tesla in dem Film Prestige – Die Meister der Magie zu sehen. 2007 lieh er seine Stimme dem Lord Königliche Hoheit (Lord Royal Highness) im englischsprachigen Original von SpongeBobs atlantisches Abenteuer.[32][33]

Ehrungen

David Bowies Stern auf dem Hollywood Walk of Fame

1996 wurde Bowie in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen.[34] 1999 wurde er von der damaligen französischen Kulturministerin Caroline Trautmann zum Commandeur de l’ordre des Arts et des Lettres ernannt,[35] nachdem er 1997 bereits zum Officier dieses Ordens ernannt worden war.[36]

Zurückgewiesen hat Bowie jedoch sowohl die Ernennung zum CBE (Commander of the Order of the British Empire) im Jahr 2000 als auch die noch höhere Ehre eines KBE (Knight Commander of the Order of the British Empire) im Jahr 2003, die mit dem Titel „Sir“ verbunden gewesen wäre.[37]

2000 wählte der New Musical Express Bowie zum „einflussreichsten Popmusiker aller Zeiten“. 2007 wurde er bei der elften Verleihung der Webby Awards mit einem Preis für sein Lebenswerk, unter anderem in Verbindung mit seinem Wirken als Pionier der Musikszene des Internet, ausgezeichnet.

Nach David Bowie ist die Riesenkrabbenspinnenart Heteropoda davidbowie benannt, die 2009 von Peter Jäger von der Sektion Arachnologie am Senckenberg Forschungsinstitut in Frankfurt am Main entdeckt wurde. 2017 wurde erneut eine neu entdeckte Spinnenart nach ihm benannt: .[38]

Im Februar 2014 erhielt Bowie als mit 67 Jahren bislang ältester Musiker einen Brit Award, für ihn der erste seit 1984. Zur Preisverleihung reiste er nicht aus seiner Wahlheimat New York an, sondern schickte zur Entgegennahme das befreundete Model Kate Moss in einem Outfit, das an Bowies berühmte Figur „Ziggy Stardust“ erinnerte.[39]

Im Januar 2015 wurde der Asteroid (342843) Davidbowie nach ihm benannt.

Am 22. August 2016 enthüllte Berlins Regierender Bürgermeister Michael Müller eine Berliner Gedenktafel am Gebäude Hauptstraße 155, David Bowies ehemaligem Wohnort in Berlin-Schöneberg. Die Tafel wurde am 17. September 2016 unter ungeklärten Umständen gewaltsam von der Hauswand entfernt,[40] so dass am 5. Oktober 2016 eine neue Tafel angebracht werden musste.[41]

Im Warschauer Stadtteil Żoliborz gestaltete der polnische Künstler Dawid Celek Anfang des Jahres 2016 ein Wandgemälde an einem Wohnhaus in der Maria-Kazimiera-Straße (poln. ulica Marii Kazimiery). Es reicht über sechs Etagen und zeigt ein halbes Antlitz des Musikers, über das Auge ist der Turm des Warschauer Kulturpalastes gelegt. Das Bild ist im Ziggy-Stardust-Look ausgeführt. Als Anlass diente ein Kurzaufenthalt von David Bowie in der polnischen Hauptstadt im Jahr 1976. Er hatte in der Nähe des sogenannten Danziger Bahnhofs einen Spaziergang gemacht, in einem Musikgeschäft eine Schallplatte gekauft und später den Song Warszawa komponiert.[42]

Der Rolling Stone listete Bowie auf Rang 39 der 100 größten Musiker sowie der 100 besten Songwriter und auf Rang 23 der 100 besten Sänger aller Zeiten.[43][44][45]

2013 wurde Bowie in die Science Fiction Hall of Fame aufgenommen.[46]

Am 6. Februar 2018, während der Liveübertragung des Erststarts der Rakete Falcon Heavy von SpaceX, wurde zu Ehren von David Bowie der Refrain von Life On Mars? gespielt.[47] Die Rakete beförderte einen Tesla Roadster aus dem Bestand von Elon Musk in den Weltraum, in dem eine Raumfahrer-Puppe namens Starman saß, benannt nach Bowies gleichnamigem Song.[48] Angekündigt war auch, dass das Fahrzeug selbst das Lied Space Oddity abspielen sollte, was allerdings wegen der fehlenden Atmosphäre im Weltraum nicht hörbar ist.

Musikalische Zusammenarbeit mit anderen Künstlern

Bowie hat in seiner langen Karriere mit sehr vielen prominenten Kollegen zusammengearbeitet, so zum Beispiel mit seiner früheren Lebensgefährtin Romy Haag, aber auch mit Marc Bolan (Prettiest Star, Madman, Standing Next to You), Brian Eno (Heroes, Low, Lodger, 1. Outside), Mick Jagger (Dancing in the Street), John Lennon (Fame), Marianne Faithfull (I Got You Babe), Bing Crosby (Little Drummer Boy), Tina Turner (Tonight), bei deren Europatournee 1985 er einen Gastauftritt hatte, Pat Metheny (This Is Not America), Philip Glass (Low- und Heroes-Symphonie), Luther Vandross, Quincy Jones, Queen (Under Pressure), Meshell Ndegeocello, Klaus Nomi, Frank Black, Pet Shop Boys (Hello Spaceboy), Lou Reed und Iggy Pop. Mitte der 1990er ging er mit Nine Inch Nails (Trent Reznor) auf Tour, arbeitete mit Placebo (Without You I’m Nothing), Moby, dem britischen DJ Goldie (Truth) und Kashmir, der US-amerikanischen Sängerin Kristeen Young, (The Cynic) aus Dänemark, TV on the Radio, der kanadischen Band Arcade Fire sowie Scarlett Johansson. 1979 förderte er die Karriere von Klaus Nomi, indem er in einer großen US-amerikanischen Fernsehshow mit dem bis dahin nur in Insiderkreisen bekannten Sänger gemeinsam auftrat.

Zu seinem 50. Geburtstag gab Bowie am 9. Januar 1997 im New Yorker Madison Square Garden vor 20.000 Zuschauern ein Konzert, auf dem als Gäste neben Lou Reed auch bekannte Vertreter der „neuen alternativen“ Musikszene mitwirkten, so zum Beispiel Frank Black (Pixies), Billy Corgan (The Smashing Pumpkins), Robert Smith (The Cure), Sonic Youth, Brian Molko von Placebo und die Foo Fighters. Besonders Lou Reed (Transformer), Iggy Pop (The Idiot) und Mott the Hoople (All the Young Dudes) profitierten von Bowies Produzentenqualitäten. 2006 nahmen Bowie und David Gilmour den Pink-Floyd-Song Arnold Layne neu auf und platzierten sich damit in den britischen Charts.

Persönliches

Vermögen

David Bowie galt als einer der reichsten Künstler weltweit. Über die Höhe des Vermögens existieren unterschiedliche Angaben.[49] Forbes schätzte Bowies Vermögen auf 230 Millionen Dollar.[50] Es wurde von Bowie testamentarisch zwischen seiner Frau, seinen Kindern, einer Assistentin und einem Kindermädchen aufgeteilt.[51][52]

Bowie-Bonds und Internet

Im Februar 1997 ging Bowie einen neuen Weg, um mit seiner Musik Geld zu verdienen: Er gab eine Anleihe (Bowie Bonds) heraus, die mit den zukünftigen Einnahmen von 287 seiner Songs abgesichert war und ihm auf einen Schlag 55 Millionen US-Dollar einbrachte. Die zehnjährige Anleihe wurde anfangs von der Agentur Moody’s mit der sehr guten Bonität „A3“ bewertet. Nach deutlichen Umsatzeinbrüchen der Tonträger von Bowie wurde die Anleihe 2004 auf „Baa3“, also eine Stufe über Ramschniveau, herabgestuft.[53][54]

Bowie gilt auch als Vorreiter eigener Vermarktung im Internet. Seine Website ist bereits seit 1996 online.[55] Die Mehrzahl der Inhalte konnte nur von Mitgliedern angesehen werden. Es gab die Möglichkeit, eigene Blogs anzulegen und an speziellen, Mitgliedern vorbehaltenen Verlosungen teilzunehmen, unter anderem für Konzerte und Meet and Greets.

Augenfarbe

Bei einer Schlägerei im Jahr 1962 mit seinem Freund George Underwood, bei der es um ein Mädchen ging, wurde die Pupillenmuskulatur seines linken Auges verletzt. Dies führte zu einer geweiteten, starren Pupille (traumatische Mydriasis) und das linke Auge wirkte infolgedessen dunkler.[56] Bowie und Underwood blieben trotz des Vorfalls gute Freunde. Als Maler war Underwood später sogar an der Gestaltung einiger Plattencover beteiligt, so z. B. beim Albumcover von Bowies Hunky Dory (1971).

Sexuelle Orientierung

Oft wurde über eine mögliche Bisexualität Bowies spekuliert. Schlagzeilen wie „David Bowie liebt einen Mann“ aus der Zeit seiner Beziehung mit der transsexuellen Entertainerin Romy Haag waren in den 1970ern an der Tagesordnung.[57] Bowie selbst hatte mit seinem androgynen, manchmal fast femininen Auftreten dieses Image geschaffen und dem Melody Maker vor allem aus Publicity-Gründen verkündet I am gay („Ich bin schwul“),[58] eine damals noch aufsehenerregende Offenbarung. Affären mit Bowies zeitweiligem Mitbewohner Iggy Pop und mit Mick Jagger[59] wurden in der Presse kolportiert, und dem Rolling-Stones-Song Angie soll ein Dreiecksverhältnis zwischen Jagger, Bowie und dessen Exfrau Angela Barnett zugrunde liegen, was später dementiert wurde.[60] Bowies öffentliche Bekanntmachung, „nicht mehr gay“ zu sein, fiel in die Zeit seines Imagewechsels vom Avantgarde-Künstler zum Popstar Anfang der 1980er Jahre.

Werke

Diskografie

Solowerke

Mit Tin Machine

  • Tin Machine (1989)
  • Tin Machine II (1991)
  • Live – Oy Vey, Baby (1991)

Kooperationen

JahrTitel
1972Mott the Hoople: All the Young Dudes (Columbia)
1972Lou Reed: Transformer (RCA)
1974Steeleye Span: To Know Him Is to Love Him (Sax; vom Album Now We Are Six)
1977Bing Crosby: Peace on Earth/Little Drummer Boy (Video + Song)
1977Iggy Pop: The Idiot (RCA), Lust for Life (RCA)
1978Philadelphia Orchestra: David Bowie narrates Prokofiev’s Peter and the Wolf (RCA)
1981Queen: Under Pressure (EMI)
1985Mick Jagger: Dancing in the Street (Warner)
1986Iggy Pop: Blah-Blah-Blah (A & M Records)
1988Tina Turner: Tina Live in Europe (Capitol)
1990Adrian Belew: Young Lions (Atlantic)
1994Mick Ronson: Heaven and Hull (Epic)
1995Reeves Gabrels: The Sacred Squall Of Now (Upstart Records) – Duett: Neuaufnahme von You’ve Been Around
1997Pet Shop Boys: Hallo Space Boy (EMI)
1997Nine Inch Nails: I’m Afraid of Americans (Virgin Records)
1999Placebo: Without You I’m Nothing (Virgin Records)
2001Massive Attack: Nature Boy (Musical-Film Moulin Rouge)
2001Sean Combs: American Dream (Soundtrack zu Training Day)
2003Earl Slick: Zig Zag (Sanctuary)
2003Maynard James Keenan (Tool): Bring Me the Disco King
2003Lou Reed: The Raven
2003Kristeen Young: Breasticles (Test Tube Baby) – Duett auf dem Song Saviour
2004Butterfly Boucher: Changes – Neuaufnahme des Songs als Duett auf dem Soundtrack zu Shrek 2 – Der tollkühne Held kehrt zurück
2005Kashmir: No Balance Palace (Sony Music)
2006TV on the Radio: Return to Cookie Mountain
2008Scarlett Johansson: Anywhere I Lay My Head (Rhino Warner)
2013Arcade Fire: Reflektor (Arcade Fire)

Filmografie (Auswahl)

Theaterrollen (Auswahl)

Literatur

Weblinks

Commons: David Bowie – Sammlung von Bildern, Videos und Audiodateien

Einzelnachweise

  1. Jody Thompson: Sixty things about David Bowie. In: BBC News. 8. Januar 2007
  2. Peter Gillman, Leni Gillman: Alias David Bowie: A Biography. 1987, S. 44: At the end of the war, Peggy Burns was working as a waitress at the Ritz cinema in Tunbridge Wells.
  3. Marc Spitz: David Bowie – Die Biografie, 2010, ISBN 978-3-941378-87-2, Kapitel 1 – 1940er-Jahre: Die Familie, S. 25–34
  4. a b c Marc Spitz: David Bowie – Die Biografie, 2010, ISBN 978-3-941378-87-2, Kapitel 2 – Bromley (bis 1953), S. 34–48
  5. Marc Spitz: David Bowie – Die Biografie, 2010, ISBN 978-3-941378-87-2, Kapitel 2 – Bromley (bis 1953), S. 48–66
  6. David Bowie-Tape aus den 60s in einem Brotkorb gefunden. In: 80s80s.de. Abgerufen am 26. Juli 2018.
  7. „Bieterwahnsinn“ bei Versteigerung von Bowie-Aufnahme. Abgerufen am 13. September 2018.
  8. David Bowie biografie (davidbowie.com) (Memento des Originals vom 11. Januar 2013 im Internet Archive)  Info: Der Archivlink wurde automatisch eingesetzt und noch nicht geprüft. Bitte prüfe Original- und Archivlink gemäß Anleitung und entferne dann diesen Hinweis.@1@2
  9. David Quantick: Making of: David Bowie – Low/ Heroes, Classic Rock, 21. März 2014, abgerufen am 11. Januar 2016.
  10. Pascale Hugues: Edgar Froese, Tangerine Dream, Berlin. Mit David Bowie im Bayerischen Viertel. In: Der Tagesspiegel. 26. Januar 2015, abgerufen am 12. Juli 2015.
  11. Zeitgeschichten: Tangerine Dream. In: Groove. 26. Januar 2015, abgerufen am 21. September 2018.
  12. „Anders als alle dachten“. In: Gala, 16. Januar 2016, abgerufen am 16. Januar 2016.
  13. Philipp Löwe: David Bowies Apartment zu verkaufen. Hier wohnte Ziggy Stardust. In: Spiegel Online, 31. März 2017.
  14. Michael C. Hall (Dexter) wird in David Bowies Musical „Lazarus“ die Hauptrolle spielen. In: Rollingstone.de, 24. Juni 2015, abgerufen am 11. Januar 2016.
  15. David Bowie’s Lazarus, Starring Michael C. Hall, Extends Before Opening Off-Broadway. In: Broadway.com, 9. Oktober 2015, abgerufen am 11. Januar 2016 (englisch).
  16. David Bowie’s theme song for The Last Panthers. In: The Guardian, 6. Oktober 2015, abgerufen am 11. Januar 2016 (englisch).
  17. David Bowies neues Album: „Das bisher seltsamste Werk“. In: Der Spiegel, 26. Oktober 2015, abgerufen am 11. Januar 2016.
  18. David Bowie’s ‘Blackstar’ Album Debuts at No. 1 on Billboard 200 Chart. In: Billboard.com, 17. Januar 2015, abgerufen am 20. Januar 2016.
  19. David Bowie führt postum die offiziellen deutschen Charts an. In: offiziellecharts.de, 15. Januar 2015, abgerufen am 20. Januar 2016.
  20. Kate Kelly: Ziggy in SoHo! David Bowie Buys Two Penthouses for $4 Million. In: Observer, 18. Januar 1999.
  21. Thomas Hüetlin: Unser Mann vom Mars. In: Der Spiegel. Nr. 3, 2016, S. 124–127, hier S. 127 (online).
  22. Shock and condolences as the Netherlands reacts to David Bowie’s death. In: dutchnews.nl. 11. Januar 2016, abgerufen am 11. Januar 2016 (englisch).
  23. Caroline Davies, Edward Helmore: David Bowie dies of cancer at 69. In: theguardian.com. 11. Januar 2016, abgerufen am 11. Januar 2016 (englisch).
  24. James Barron: David Bowie’s Will Splits Estate Said to Be Worth $100 Million. In: The New York Times vom 29. Januar 2016; abgerufen am 30. Dezember 2018 (englisch)
  25. Nicky Woolf: David Bowie leaves estate of around $100m to his wife and children in will. In : The Guardian vom 30. Januar 2016; abgerufen am 30. Dezember 2018
  26. David Bowie-Film: erste Interessenbekundungen. Abgerufen am 13. Juni 2019.
  27. Die ersten Fotos vom David Bowie-Film. Abgerufen am 29. August 2019.
  28. Christoph Dallach: Tanzen bis zum Umfallen. In: Der Spiegel, 28. April 2008.
  29. Die Verwandlungskunst von David Bowie: tweet_video pbs.twimg.com, eingestellt am 16. Januar 2016.
  30. Timeline über David Bowie als Thin White Duke englisch, abgerufen am 11. November 2010.
  31. Arad Alper: Taking it all the right way: was David Bowie a Fascist? (Memento vom 13. März 2015 im Internet Archive) (über angebliche Faschismus-Tendenzen Bowies), Universität Tel Aviv, 2007, abgerufen am 11. November 2010 (englisch).
  32. Bowie Submerges for 'Spongebob'. Zap2it. 12. Oktober 2006. Abgerufen am 27. Mai 2013.
  33. Stuart Heritage: David Bowie Does SpongeBob SquarePants. In: Heckler Spray. 12. Oktober 2006. Abgerufen am 27. Mai 2013.
  34. David Bowie in der Rock and Roll Hall of Fame (englisch)
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  50. David Bowie – rastloser Taktgeber und Stilikone. In: Handelszeitung, 11. Januar 2016.
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  52. David Bowie hinterlässt Vermögen von 100 Millionen Dollar. In: SZ.de, 30. Januar 2016.
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