London Symphony Orchestra & Antal Doráti ¦ Strawinsky: The Firebird

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Veröffentlichung Strawinsky: The Firebird:


Hörbeispiel(e) Strawinsky: The Firebird:

Strawinsky: The Firebird auf Wikipedia (oder andere Quellen):

L’Oiseau de feu
The Firebird
Léon Bakst 001.jpg
Léon Bakst: Firebird, Ballerina, 1910
ChoreographerMichel Fokine
MusicIgor Stravinsky
Based onRussian folk tales
Première25 June 1910
Palais Garnier
Original ballet companyBallets Russes
Characters•The Firebird
•Prince Ivan Tsarevich
•Koschei, the Immortal
•The Beautiful Tsarevna
DesignAleksandr Golovin (sets)
Léon Bakst (costumes)
Created forTamara Karsavina, Michel Fokine

The Firebird (French: L’Oiseau de feu; Russian: Жар-птица, romanized: Zhar-ptitsa) is a ballet and orchestral concert work by the Russian composer Igor Stravinsky. It was written for the 1910 Paris season of Sergei Diaghilev’s Ballets Russes company; the original choreography was by Michel Fokine, who collaborated with Alexandre Benois on a scenario based on the Russian fairy tales of the Firebird and the blessing and curse it possesses for its owner. It was first performed at the Opéra de Paris on 25 June 1910 and was an immediate success, catapulting Stravinsky to international fame. Although designed as a work for the stage, with specific passages accompanying characters and action, the music achieved equal if not greater recognition as a concert piece.

Stravinsky was a young, virtually unknown composer when Diaghilev recruited him to create works for the Ballets Russes; L’Oiseau de feu was the first such major project. The success of the ballet was the start of Stravinsky’s partnership with Diaghilev, which would subsequently produce further ballet productions until 1923, including the acclaimed Petrushka (1911) and The Rite of Spring (1913).


Stravinsky, sketched by Picasso in 1920


Igor Stravinsky was the son of Fyodor Stravinsky, the principal bass at the Imperial Mariinsky Theatre in Saint Petersburg, and Anna (née Kholodovskaya), a competent amateur singer and pianist from an old established Russian family. Fyodor’s association with many of the leading figures in Russian music, including Rimsky-Korsakov, Borodin and Mussorgsky, meant that Igor grew up in an intensely musical home.[1] In 1901, Stravinsky began to study law at Saint Petersburg Imperial University, while taking private lessons in harmony and counterpoint. Sensing talent in the young composer’s early efforts, Rimsky-Korsakov took Stravinsky under his private tutelage. By the time of his mentor’s death in 1908, Stravinsky had produced several works, among them a Piano Sonata in F-sharp minor, a Symphony in E-flat, and a short orchestral piece titled Feu d’artifice („Fireworks“).[2][3]

In 1909, Stravinsky’s Scherzo fantastique and Feu d’artifice were premiered in Saint Petersburg. Among those in the audience was the impresario Sergei Diaghilev, who was about to debut his Ballets Russes in Paris.[4] Diaghilev’s intention was to present new works in a distinctively 20th-century style, and he was looking for fresh compositional talent.[5] Impressed by Stravinsky, he commissioned from him orchestrations of Chopin’s music for the ballet Les Sylphides.[6]


Alexandre Benois recalled that in 1908 he had suggested to Diaghilev the production of a Russian nationalist ballet,[7] an idea all the more attractive given both the newly awakened French passion for Russian dance and the expense of staging opera. The idea of mixing the mythical Firebird with the unrelated Russian tale of Koschei the Deathless possibly came from a popular child’s verse by Yakov Polonsky, „A Winter’s Journey“ (Zimniy put, 1844), which includes the lines:

And in my dreams I see myself on a wolf’s back
Riding along a forest path
To do battle with a sorcerer-tsar (Koschei)
In that land where a princess sits under lock and key,
Pining behind massive walls.
There gardens surround a palace all of glass;
There Firebirds sing by night
And peck at golden fruit.[8]

Benois collaborated with the choreographer Michel Fokine, drawing from several books of Russian fairy tales including the collection of Alexander Afanasyev, to concoct a story involving the Firebird and the evil magician Koschei. The scenery was designed by Aleksandr Golovin and the costumes by Léon Bakst.

Diaghilev first approached the Russian composer Anatoly Lyadov in September 1909 to write the music.[9] There is no evidence that he ever accepted the commission, despite the anecdote that he was slow to start composing the work.[10] Nikolai Tcherepnin composed some music for the ballet (which he later used in his The Enchanted Kingdom), but withdrew from the project without explanation after completing only one scene.[11] After deciding against using Alexander Glazunov and Nikolay Sokolov,[12] Diaghilev finally chose the 28-year-old Stravinsky, who had already begun sketching the music in anticipation of the commission.[12]

Stravinsky would later remark about working with Fokine that it meant „nothing more than to say that we studied the libretto together, episode by episode, until I knew the exact measurements required of the music.“[13] Several ideas from works by Rimsky-Korsakov were used in The Firebird.[citation needed] Koschei’s „Infernal Dance“ borrows the highly chromatic scale Rimsky-Korsakov created for the character Chernobog in his opera Mlada, while the Khorovod uses the same folk tune from his Sinfonietta, Op. 31.[citation needed] The piano score was completed on 21 March 1910 and was fully orchestrated by May, although not before work was briefly interrupted by another Diaghilev commission: an orchestration of Grieg’s Kobold, Op. 71, no. 3 for a charity ball dance featuring Vasily Nijinsky.[14]

Soon thereafter, Diaghilev began to organize private previews of The Firebird for the press. French critic Robert Brussel, who attended one of these events, wrote in 1930:

The composer, young, slim, and uncommunicative, with vague meditative eyes, and lips set firm in an energetic looking face, was at the piano. But the moment he began to play, the modest and dimly lit dwelling glowed with a dazzling radiance. By the end of the first scene, I was conquered: by the last, I was lost in admiration. The manuscript on the music-rest, scored over with fine pencillings, revealed a masterpiece.[15]


Tamara Karsavina as the Firebird and Michel Fokine as Prince Ivan in the 1910 Ballets Russes production of the ballet.

The Firebird was premiered by the Ballets Russes at the Palais Garnier in Paris on 25 June 1910, conducted by Gabriel Pierné.[16] Even before the first performance, the company sensed a huge success in the making; and every performance of the ballet in that first production, as Tamara Karsavina recalled, met a „crescendo“ of success.[17] „Mark him well,“ Diaghilev said of Stravinsky, „he is a man on the eve of celebrity.“[18]

Critics praised the ballet for its integration of décor, choreography and music. „The old-gold vermiculation of the fantastic back-cloth seems to have been invented to a formula identical with that of the shimmering web of the orchestra,“ wrote Henri Ghéon in Nouvelle revue française, who called the ballet „the most exquisite marvel of equilibrium“ and added that Stravinsky was a „delicious musician.“[17][19] Michel-Dimitri Calvocoressi hailed the young composer as the legitimate heir to The Mighty Handful.[20] The ballet’s success also secured Stravinsky’s position as Diaghilev’s star composer, and there were immediate talks of a sequel,[21] leading to the composition of Petrushka and The Rite of Spring. In Russia, however, reaction was mixed. While Stravinsky’s friend Andrey Rimsky-Korsakov spoke approvingly of it, the press mostly took a dim view of the music, with one critic denouncing what he considered its „horrifying poverty of melodic invention.“[22] A fellow Rimsky-Korsakov pupil, Jāzeps Vītols, wrote that „Stravinsky, it seems, has forgotten the concept of pleasure in sound... [His] dissonances unfortunately quickly become wearying, because there are no ideas hidden behind them.“[23]

Sergei Bertensson recalled Sergei Rachmaninoff saying of the music: „Great God! What a work of genius this is! This is true Russia!“[24] Another colleague, Claude Debussy, who later became an admirer took a more sober view of the score: „What do you expect? One has to start somewhere.“[25] Richard Strauss told the composer in private conversation that he had made a „mistake“ in beginning the piece pianissimo instead of astonishing the public with a „sudden crash.“ Shortly thereafter he summed up to the press his experience of hearing The Firebird for the first time by saying, „it’s always interesting to hear one’s imitators.“[26]

Subsequent ballet performances

Paul Petrov in the production by the Ballets Russes de Monte-Carlo in Sydney, 1936–1937

The Firebird has been restaged by many choreographers, including George Balanchine and Jerome Robbins (co-choreographers), Graeme Murphy, Alexei Ratmansky, and Yuri Possokhov.

The ballet was revived in 1934 by Colonel Wassily de Basil’s company, the Ballets Russes de Monte-Carlo, in a production staged in London, using the original décor and costumes from Diaghilev’s company.[27] The company subsequently performed the ballet in Australia, during the 1936–37 tour.[28]

The work was staged by George Balanchine for the New York City Ballet in 1949 with Maria Tallchief as the Firebird, with scenery and costumes by Marc Chagall, and was kept in the repertory until 1965. The ballet was restaged by George Balanchine and Jerome Robbins in 1970 for the New York City Ballet with elaborated scenery by Chagall, and with new costumes by Karinska based on Chagall’s for the 1972 Stravinsky Festival that introduced Gelsey Kirkland as the Firebird.[29]

In 1970 Maurice Béjart staged his own version in which the ballet’s protagonist was a young man who rose from the ranks of the revolutionists and became their leader. The lead role was danced by Michel Denard.[30]

The Mariinsky Ballet performed the original choreography at Covent Garden in August 2011, as part of their Fokine retrospective.[31]

The National Ballet of Canada created a version of the Firebird for television, occasionally rebroadcast, in which special effects were used to make it appear that the Firebird is in flight.

On 29 March 2012, the American Ballet Theatre premiered the ballet with choreography by Alexei Ratmansky at the Segerstrom Center for the Arts in Costa Mesa, California, starring Misty Copeland.

The Royal Ballet staged 6 performances of the ballet at the Royal Opera House in London in June 2019, with Yasmine Naghdi performing the role of the Firebird.[32][33]


Drawing by Léon Bakst of Tsarevitch Ivan capturing the Firebird.

The ballet centers on the journey of its hero, Prince Ivan. While hunting in the forest, he strays into the magical realm of the evil Koschei the Immortal, whose immortality is preserved by keeping his soul in a magic egg hidden in a casket. Ivan chases and captures the Firebird and is about to kill her; she begs for her life, and he spares her. As a token of thanks, she offers him an enchanted feather that he can use to summon her should he be in dire need.

Prince Ivan then meets thirteen princesses who are under the spell of Koschei and falls in love with one of them, Tsarevna. The next day, Ivan confronts the magician and eventually they begin quarrelling. When Koschei sends his minions after Ivan, he summons the Firebird. She intervenes, bewitching the monsters and making them dance an elaborate, energetic dance (the „Infernal Dance“).

Exhausted, the creatures and Koschei then fall into a deep sleep. While they sleep, the Firebird directs Ivan to a tree stump where the casket with the egg containing Koschei’s soul is hidden. Ivan destroys the egg, and with the spell broken and Koschei dead, the magical creatures that Koschei held captive are freed and the palace disappears. All of the „real“ beings, including the princesses, awaken and with one final hint of the Firebird’s music (though in Fokine’s choreography she makes no appearance in that final scene on-stage), celebrate their victory.


Numbers designated by Stravinsky in the score
  1. Introduction
First Tableau
  1. Le Jardin enchanté de Kachtcheï (The Enchanted Garden of Koschei)
  2. Apparition de l’Oiseau de feu, poursuivi par Ivan Tsarévitch (Appearance of the Firebird, Pursued by Prince Ivan)
  3. Danse de l’Oiseau de feu (Dance of the Firebird)
  4. Capture de l’Oiseau de feu par Ivan Tsarévitch (Capture of the Firebird by Prince Ivan)
  5. Supplications de l’Oiseau de feu (Supplication of the Firebird) – Apparition des treize princesses enchantées (Appearance of the Thirteen Enchanted Princesses)
  6. Jeu des princesses avec les pommes d’or (The Princesses‘ Game with the Golden Apples). Scherzo
  7. Brusque apparition d’Ivan Tsarévitch (Sudden Appearance of Prince Ivan)
  8. Khorovode (Ronde) des princesses (Khorovod (Round Dance) of the Princesses)
  9. Lever du jour (Daybreak) – Ivan Tsarévitch pénètre dans le palais de Kachtcheï (Prince Ivan Penetrates Koschei’s Palace)
  10. Carillon Féerique, apparition des monstres-gardiens de Kachtcheï et capture d’Ivan Tsarévitch (Magic Carillon, Appearance of Koschei’s Monster Guardians, and Capture of Prince Ivan) – Arrivée de Kachtcheï l’Immortel (Arrival of Koschei the Immortal) – Dialogue de Kachtcheï avec Ivan Tsarévitch (Dialogue of Koschei and Prince Ivan) – Intercession des princesses (Intercession of the Princesses) – Apparition de l’Oiseau de feu (Appearance of the Firebird)
  11. Danse de la suite de Kachtcheï, enchantée par l’Oiseau de feu (Dance of Koschei’s Retinue, Enchanted by the Firebird)
  12. Danse infernale de tous les sujets de Kachtcheï (Infernal Dance of All Koschei’s Subjects) – Berceuse (L’Oiseau de feu) (Lullaby) – Réveil de Kachtcheï (Koschei’s Awakening) – Mort de Kachtcheï (Koschei’s Death) – Profondes ténèbres (Profound Darkness)
Second Tableau
  1. Disparition du palais et des sortilèges de Kachtcheï, animation des chevaliers pétrifiés, allégresse générale (Disappearance of Koschei’s Palace and Magical Creations, Return to Life of the Petrified Knights, General Rejoicing)


The work is scored for a large orchestra with the following instrumentation:[34]


Ivan Bilibin. A warrior – costume design for 1931 performance of The Firebird

Besides the complete 50-minute ballet score of 1909–10, Stravinsky arranged three suites for concert performance which date from 1911, 1919, and 1945.

1911 suite

  1. Introduction – Kashchei’s Enchanted Garden – Dance of the Firebird
  2. Supplication of the Firebird
  3. The Princesses‘ Game with Apples
  4. The Princesses‘ Khorovod (Rondo, round dance)
  5. Infernal Dance of all Kashchei’s Subjects[35]

Instrumentation: essentially as per the original ballet.[36] The score was printed from the same plates, with only the new endings for the movements being newly engraved.

1919 suite

  1. Introduction – The Firebird and its dance – The Firebird’s variation
  2. The Princesses‘ Khorovod (Rondo, round dance)
  3. Infernal dance of King Kashchei
  4. Berceuse (Lullaby)
  5. Finale

Instrumentation: 2 flutes (2nd also piccolo); 2 oboes (2nd also English horn for one measure); 2 clarinets; 2 bassoons; 4 horns; 2 trumpets; 3 trombones; tuba; timpani; bass drum; cymbals; triangle; xylophone; harp; piano (also opt. celesta); strings.[37]

This suite was created in Switzerland for conductor Ernest Ansermet.[38] When it was originally published, the score contained many mistakes, which were only fixed in 1985.[36]

1945 suite

  1. Introduction – The Firebird and its dance – The Firebird’s variation
  2. Pantomime I
  3. Pas de deux: Firebird and Ivan Tsarevich
  4. Pantomime II
  5. Scherzo: Dance of the Princesses
  6. Pantomime III
  7. The Princesses‘ Khorovod (Rondo, round dance)
  8. Infernal dance of King Kashchei
  9. Berceuse (Lullaby)
  10. Finale

Instrumentation: 2 Flutes (2nd also Piccolo); 2 Oboes; 2 Clarinets; 2 Bassoons; 4 Horns; 2 Trumpets; 3 Trombones; Tuba; Timpani; Bass Drum; Snare Drum; Tambourine; Cymbals; Triangle; Xylophone; Harp; Piano; Strings.

In 1945, shortly before he acquired American citizenship, Stravinsky was contacted by Leeds Music with a proposal to revise the orchestration of his first three ballets in order to recopyright them in the United States. The composer agreed, setting aside work on the finale of his Symphony in Three Movements. He proceeded to fashion a new suite based on the 1919 version, adding to it and reorchestrating several minutes of the pantomimes from the original score.[39]

First recordings

Release yearOrchestraConductorRecord companyFormatNotes
1916Beecham Symphony OrchestraSir Thomas BeechamColumbia Graphophone Company78 RPMThree excerpts from 1911 suite. First ever commercial recording of Stravinsky’s music.
1924London Symphony OrchestraAlbert CoatesHis Master’s Voice78 RPMPremière recording of the complete 1911 suite.
1924Philadelphia OrchestraLeopold StokowskiVictor78 RPMPremière acoustic recording of the complete 1919 suite.
1925Berlin PhilharmonicOskar FriedPolydor78 RPMPremière electrical recording of the complete 1919 suite.
1947New York Philharmonic-SymphonyIgor StravinskyColumbia Records78 RPM/LPPremière recording of the complete 1945 suite.
1960London Symphony OrchestraAntal DorátiMercury RecordsLPPremière recording of the complete 1911 original score.

In popular culture

Reconstruction of the world première choreography and design at the Salzburger Pfingstfestspiele 2013. Ballet of the Mariinsky Theatre, Saint Petersburg.

Excerpts from The Firebird were used in Bruno Bozzetto’s 1976 animated film Allegro Non Troppo[40] and in Walt Disney’s animated film Fantasia 2000.[41]

Saviour Pirotta and Catherine Hyde’s picture book, Firebird, is based on the original stories that inspired the ballet, and was published in 2010 to celebrate the ballet’s centenary.[42]

The influence of The Firebird has been felt beyond classical music. Stravinsky was an important influence on Frank Zappa, who used the melody from the Berceuse in his 1967 album Absolutely Free, in the „Amnesia Vivace“ section of the „Duke of Prunes“ suite (along with a melody from The Rite of Spring).[clarification needed][43][44] Prog rock band Yes has regularly used the ballet’s finale as their „walk-on“ music for concerts since 1971.[citation needed] Jazz musician and arranger Don Sebesky featured a mash-up of the piece, with the jazz fusion composition Birds of Fire by John McLaughlin, on his 1973 album Giant Box.[45][46] During the 1980s and 1990s, the chord which opens the „Infernal Dance“ became a widely used orchestra hit sample in music, specifically within new jack swing.[47]

It was used in the opening ceremony of Sochi 2014 during the Cauldron Lighting segment.[48]


  1. ^ Walsh 2012, §1: Background and early years, 1882–1905.
  2. ^ Walsh 2012, §2: Towards The Firebird, 1902–09.
  3. ^ Walsh 2012, §11: Posthumous reputation and legacy: Works.
  4. ^ White 1961, pp. 52–53[incomplete short citation]
  5. ^ Griffiths, Paul (2012). „Diaghilev [Dyagilev], Sergey Pavlovich“. Grove Music Online. Retrieved 9 August 2012. (subscription required)
  6. ^ Walsh 1999, p. 122.
  7. ^ Benois‘ 1910 article: „Two years ago I gave voice … to the dream that a true ‚Russian (or perhaps Slavonic) mythology‘ would make its appearance in ballet“; quoted in Taruskin 1996, p. 555
  8. ^ Taruskin 1996, pp. 556–557.
  9. ^ Taruskin 1996, pp. 576–577.
  10. ^ Taruskin 1996, pp. 577–578.
  11. ^ Taruskin 1996, pp. 574–575.
  12. ^ a b Taruskin 1996, pp. 579.
  13. ^ Stravinsky, Igor; Craft, Robert (1962), Expositions and Developments. New York City: Doubleday; page 128
  14. ^ Walsh 1999, p. 137.
  15. ^ Walsh 1999, p. 138.
  16. ^ Walsh 2012.
  17. ^ a b Taruskin 1996, p. 638.
  18. ^ White, Eric Walter. „The Man“, Stravinsky the Composer and His Works (University of California Press, 1969), p. 18.
  19. ^ Walsh 1999, p. 143.
  20. ^ Taruskin 1996, p. 639.
  21. ^ Taruskin 1996, p. 662.
  22. ^ Walsh 1999, p. 150.
  23. ^ Walsh 1999, p. 151.
  24. ^ Slonimsky 2014, p. 197.
  25. ^ Walsh 1999, p. 136.
  26. ^ Walsh 1999, p. 188.
  27. ^ Sorley Walker 1982, p. 41.
  28. ^ „Ballets Russes | What’s On“. National Library of Australia. Retrieved 5 April 2011.
  29. ^ The 1970 restaging uses only the 1945 suite as accompaniment, as indicated by a program note whenever the work is performed.
  30. ^ Pitou, Spire (1990). The Paris Opera: An Encyclopedia of Operas, Ballets, Composers, and Performers; Growth and Grandeur, 1815–1914; M–Z. Greenwood Press. ISBN 978−0−313−27783−2.
  31. ^ „Mariinsky in London Roundup“. The Ballet Bag. 26 August 2011. Retrieved 18 June 2019.
  32. ^ „The Firebird triple bill, Royal Ballet review – generous programme with Russian flavour“. 6 June 2019. Retrieved 18 June 2019.
  33. ^ „A gorgeous triple bill to end The Royal Ballet’s season“. Retrieved 18 June 2019.
  34. ^ Stravinsky, I. (1910). L’Oiseaux de Feu (conte dansé en 2 tableaux) [original ballet score]. Moscow: P. Jurgenson, 1911. Print.
  35. ^ Johnston, Blair. „L’oiseau de feu (The Firebird), concert suite for orchestra No. 1“. AllMusic. Retrieved 27 November 2018.
  36. ^ a b Kramer, Jonathan D. „Stravinksy’s Firebird“. Retrieved 27 November 2018.
  37. ^ IMSLP.
  38. ^ Dettmer, Roger. „L’oiseau de feu (The Firebird), concert suite for orchestra No. 2“. AllMusic. Retrieved 27 November 2018.
  39. ^ Walsh 2006, pp. 173–175.
  40. ^ Chris Hicks (12 March 1991). „Allegro Non Troppo“. Deseret News. Retrieved 5 December 2011.
  41. ^ Ebert, Roger (29 December 1999). „Walt’s nephew leads new Disney Fantasia. Retrieved 31 July 2015.
  42. ^ Firebird. Catherine Hyde Home. Archived from the original on 26 August 2014. Retrieved 22 August 2014.
  43. ^ Zappa, Frank (1989). The Real Frank Zappa book. United States: Simon & Schuster. p. 167. ISBN 0-671-63870-X.
  44. ^ Ulrich, Charles (2018). The Big Note. Canada: New Star Books. p. 3. ISBN 9781554201464.
  45. ^ „Giant Box – Don Sebesky | Release Info“. AllMusic.
  46. ^ „Don Sebesky „Firebird, Bird of Fire“ (from Giant Box, 1973) Mc Laughlin/Stravinsky Mash Up“. Archived from the original on 22 December 2021 – via
  47. ^ „The fascinating history of the „orchestra hit“ in music“.
  48. ^ „The XXII Olympic Winter Games in Sochi in 2014 has opened with a grand show thrilling spectators“. Sochi Organizing Committee. 8 February 2014. Archived from the original on 8 February 2014.


External links


Veröffentlichungen von London Symphony Orchestra die im OTRS erhältlich sind/waren:

Classic Diamonds ¦ Kôrôlén ¦ Rachmaninoff: Symphony No. 2 ¦ Beethoven: Christ On The Mount Of Olives ¦ Strawinsky: The Firebird

London Symphony Orchestra auf Wikipedia (oder andere Quellen):

Das London Symphony Orchestra in der Barbican Hall, London

Das London Symphony Orchestra (LSO) ist eines der führenden Orchester des Vereinigten Königreichs mit Sitz in London.


Das LSO wurde 1904 als erstes unabhängiges und selbstverwaltetes Orchester Englands gegründet. Etwa die Hälfte der Musiker war vorher im Queen’s Hall Orchestra. Der Anlass für die Gründung eines eigenen Orchesters bestand in der Rebellion gegen das dort ausgesprochene Verbot des „Stellvertreter“-Systems. (Bei diesem damals üblichen System konnten Musiker zu Proben und sogar Konzerten Stellvertreter senden, wenn sie an dem Tag andere, lukrativere Möglichkeiten zu einem Auftritt hatten. Im LSO wurde dieses Vorgehen dann ab 1929 zur Absicherung der Aufführungsqualität ebenfalls verboten.)[1][2] Der erste Chefdirigent war Hans Richter, der das Gründungskonzert am 9. Juni 1904 leitete. Von Beginn an arbeitete das Orchester eng mit englischen Komponisten wie Edward Elgar und Ralph Vaughan Williams zusammen.

1906 fand ein Konzert in Paris statt, das erste Gastspiel eines britischen Orchesters im Ausland. Das erste Gastspiel außerhalb Europas erfolgte 1912 in den USA und Kanada unter dem Dirigenten Arthur Nikisch. Dabei hat das LSO binnen 22 Tagen an 23 verschiedenen Spielstätten insgesamt 29 Konzerte gegeben.[3] Weitere Reisen führten das LSO nach Südafrika (1956), Israel (1960) und Japan (1963). Die erste Welttournee führte das LSO 1964 nach Israel, die Türkei, den Iran, Indien, Hongkong, Korea, Japan und die USA.[4] Das gefeierte Debüt bei den Salzburger Festspielen fand 1973 statt. Seither tourt das Orchester regelmäßig durch die ganze Welt, besondere Verbindungen bestehen durch die LSO American Foundation in die Vereinigten Staaten, jährliche Konzerte finden im New Yorker Lincoln Center statt. Des Weiteren tritt das Orchester seit 2006 regelmäßig in der Salle Pleyel in Paris auf – mit etwa vier Vorstellungen pro Jahr.

Barbican Art Centre in London, Eingang Silk Street

Als 1982 das neue Barbican Centre fertiggestellt wurde, wurde es zur ständigen Heimstatt des Orchesters. Die Barbican Hall, 2001 erneuert, ist Schauplatz seiner wichtigsten Konzerte. 2003 wurde zudem noch das LSO St Luke’s, UBS and LSO Music Education Centre eröffnet. Diese 1728 erbaute denkmalgeschützte Kirche[5] war seit 40 Jahren verfallen und enthält nun nach der Rekonstruktion neben der Jerwood Hall für Konzerte zusätzliche Proben- und Verwaltungsräume. Das LSO St Luke’s ist auch Zentrum des ausgezeichneten LSO Discovery-Programms, welches musikalische Aufbauarbeit mit Kindern und Jugendlichen, dem potenziellen Konzertpublikum der Zukunft, macht. Die Bemühungen des Orchesters um die Heranführung des jungen Publikums an die klassische Musik begannen bereits 1946 im Auftrage des britischen Erziehungsministeriums mit der Aufnahme des Films The Instruments of the Orchestra.[6] In diesem wurden anhand des speziell für diesen Film von Benjamin Britten komponierten Stückes The Young Person’s Guide to the Orchestra die verschiedenen Instrumente und Instrumentengruppen eines Sinfonieorchesters vorgestellt und ihr Zusammenspiel verdeutlicht.

Das neueste Projekt des LSO zur Förderung des musikalischen Nachwuchses ist das 2008 gestartete LSO on track, durch das junge Musiker aus den östlichen Stadtteilen Londons gefördert werden. Dabei erhalten junge Musiker auch Möglichkeiten, zusammen mit Musikern des LSO aufzutreten.

LSO St Luke’s, UBS and LSO Music Education Centre

Das Orchester hat neben dem Chefdirigenten (Principal Conductor), seit September 2017 als Music Director Simon Rattle, noch die Positionen Principal Guest Conductor (z. Zt. Gianandrea Noseda und François-Xavier Roth), Conductor Laureate (z. Zt. Michael Tilson Thomas) und Conductor Emeritus (André Previn) geschaffen. Darüber hinaus arbeitet es ständig mit weiteren Dirigenten zusammen und veranstaltet regelmäßig thematische Konzertreihen.[7]

Das LSO ist ständig bestrebt, die zeitgenössische klassische Musik zu fördern. In den ersten hundert Jahren seiner Existenz wurden 209 zeitgenössische Werke uraufgeführt. Davon waren ab 1964 57 Auftragswerke des LSO. Hinzu kommen 78 Werke, bei denen die britische oder europäische Erstaufführung durchgeführt wurde.[8]

In den Jahren 2001 und 2003 wirkte das Orchester beim internationalen Kompositionswettbewerb Masterprize mit und hat in den Finalkonzerten die Kompositionen, die bis zur Endauswahl gekommen sind, aufgeführt.

Seit 2005 fördert das LSO junge britische Komponisten durch die jährliche Durchführung des Panufnik Young Composers scheme.(Der polnische Komponist Andrzej Panufnik hatte selbst drei Kompositionsaufträge vom LSO erhalten und mit diesem einen Großteil seiner Kompositionen aufgenommen.) Bei diesem Projekt bekommen jeweils sechs Komponisten die Möglichkeit, für das LSO zu komponieren und die Umsetzung ihrer Kompositionen durch das Orchester mitzuerleben und mitzugestalten.[9]

Das LSO wurde im Jahre 2008 durch die britische Fachzeitschrift Gramophone nach der Auswertung einer Befragung von Musikkritikern auf Platz 4 der besten Orchester der Welt gesetzt.[10] Es nimmt damit gegenwärtig den höchsten Rang aller britischen Orchester ein.

Jenseits des Konzertsaals

Das LSO hat sich frühzeitig als Orchester für Filmmusiken profiliert. Bereits ab 1922 wirkte es im Royal Opera House in Covent Garden als Begleitorchester für eine Reihe von Stummfilmaufführungen mit. 1935 hat das LSO mit der Musik zu Things to come (Regie: Alexander Korda, Komposition: Arthur Bliss) den ersten Filmsoundtrack mit speziell für einen Film komponierter sinfonischer Musik aufgenommen.[11] Mit diesem Soundtrack wurde ein bis heute bestehender Standard für Filmmusik geschaffen. (Bis zu diesem Zeitpunkt war die Musik für Filme weitestgehend nur von kleineren Musikerensembles aufgenommen worden.) Erste bekannte weitere Beispiele unter Mitwirkung des LSO waren die Musik von John Greenwood zu Elephant Boy (1937), Warsaw Concerto von Richard Addinsell in Dangerous Moonlight (1941) und Cornish Rhapsody von Hubert Bath in Love Story (1944). Später folgten u. a. Star Wars (I-VI), Braveheart, Superman, Der Bär, Projekt Brainstorm, Krull, Oz – Eine fantastische Welt, Liebling, ich habe die Kinder geschrumpft, Falsches Spiel mit Roger Rabbit, Jäger des verlorenen Schatzes und vier der Harry-Potter-Filme. Insgesamt hat das LSO bisher Musik für über 340 Film-Soundtracks aufgenommen.

Auch der Popmusik gegenüber war das Orchester immer aufgeschlossen, wie die Mitwirkung bei der Aufnahme des Nummer 1 Hits One Moment in Time mit Whitney Houston 1988 oder beim Lied So lang man Träume noch leben kann mit der „Münchener Freiheit“ zeigt. Die Fähigkeiten des Orchesters wurden auch bei der Einspielung von Ornette Colemans Crossover-Sinfonie Skies of America (1972) deutlich.

Weitere Beispiele für die Aufnahmetätigkeit in den verschiedensten Musikbereichen sind u. a. Apocalypse mit dem Mahavishnu Orchestra von John McLaughlin,[12] Standing Stone von Paul McCartney, London Symphony Orchestra, Vol. 1 & 2 von Frank Zappa, Kolsimcha & London Symphony Orchestra mit der Klezmer-Band Kolsimcha sowie die Alben Schizophonia, Tarot Suite und The Hunting of the Snark von Mike Batt. Weiterhin wurden Musicals eingespielt, beispielsweise im Jahre 1984 Chess.

Zusätzliche Bekanntheit erlangte das London Symphony Orchestra durch zahlreiche Arrangements verschiedener, weltbekannter Pop- und Rocktitel, die sie unter der Bezeichnung „Classic Rock“ veröffentlichten, wie mit Rick Wakemans Rockoper Journey to the Centre of the Earth von 1974. Das London Symphony Orchestra war quasi Mitbegründer dieses Musikgenres.

Infolge der seit 1913[13] bestehenden umfangreichen und vielseitigen Aufnahmetätigkeit in den verschiedenartigsten Musikbereichen ist das LSO das Orchester der Welt mit den meisten eingespielten Aufnahmen.[14] Es hat hierbei jeweils die Verwendung der fortschrittlichsten Aufnahmetechnologien angestrebt.[6] Die offizielle Diskographie des Orchesters verzeichnet mehr als 2600 Aufnahmetermine.[15] Im Jahr 2000 gründete das LSO sein eigenes CD-Label, LSO Live, das unter anderem die Grammy-prämierte Aufnahme von Berlioz’ Les Troyens herausbrachte. Insgesamt veröffentlichte LSO Live bisher bereits mehr als 100 CDs/SACDs und DVDs/BDs.

Das LSO war 2012 das offizielle Orchester der Eröffnungs- und Abschlussfeiern der Olympischen Spiele sowie der Paralympischen Spiele in London.

2013 startete das Orchester mit dem Boléro von Maurice Ravel das Projekt LSO Play.[16] Auf dieser Website ist es möglich, eine Konzertaufführung von vier selbst auswählbaren Kamerapositionen innerhalb des Orchesters zu betrachten. Außerdem sind Informationen über die einzelnen Instrumente bzw. Instrumentengruppen und Musiker des LSO abrufbar. Obwohl zunächst nur mit der Wiedergabe eines Musikstückes gestartet, erhielt dieses bereits 2014 den Jury-Preis in der Kategorie Musik des Webby Award.


1904–1911 Hans Richter
Die Bindung des damals 61-Jährigen, auch bereits mit anderen britischen Ensembles erfahrenen österreichisch-ungarischen Dirigenten Hans Richter für das Eröffnungskonzert und als erster Chefdirigent war ein Coup für die Gründer des Orchesters. Die von ihm gestellten Qualitätsanforderungen entsprachen den selbst gestellten Ansprüchen, ein überragendes Orchester nach dem Vorbild der Wiener Philharmoniker und Berliner Philharmoniker zu bilden. Da er als Chefdirigent lediglich etwa fünf Konzerte pro Jahr leitete, wurde durch das LSO notwendigerweise das Konzept der Gastdirigenten gefunden.[17]

1911–1912 Edward Elgar
Die Tatsache, dass Edward Elgar nur ein Jahr Chefdirigent des LSO war, entspricht nicht der wahren Bedeutung der dreißigjährigen Beziehung des Komponisten zum Orchester. Er war Gastdirigent bereits in ersten Spielzeit des LSO und der Dirigent in der ersten regionalen Tournee des LSO 1905 nach Birmingham, Liverpool, Manchester, Sheffield, Glasgow, Edinburgh, Newcastle und Bradford. Die ersten Uraufführungen durch das LSO waren der „Pomp and Circumstances March No.3” und “Introduction and Allegro for String Orchestra” 1905, beide von Elgar komponiert und bei der Uraufführung dirigiert. Es folgten weitere Uraufführungen und Londoner Erstaufführungen von Kompositionen Elgars, davon einige von ihm selbst dirigiert. Ab Ende der 20er Jahre nahm die Plattenfirma HMV mit dem LSO und anderen britischen Orchestern das Gesamtwerk des Komponisten auf. In diesem Zusammenhang entstand im Juli 1932 auch die Aufnahme des Violinkonzertes op. 61 mit dem 17-jährigen Yehudi Menuhin und dem LSO unter Edward Elgar.[18]

1912–1914 Arthur Nikisch
Ohne Arthur Nikisch wäre die USA-Tournee des LSO im Jahre 1912 so nicht möglich gewesen. Der New Yorker Konzertorganisator Howard Penn hatte ursprünglich andere Erwartungen bezüglich des Orchesters, weil Nikisch zeitgleich auch Gewandhauskapellmeister in Leipzig und Chefdirigent der Berliner Philharmoniker war. Nikisch setzte jedoch durch, diese Tournee mit dem LSO durchzuführen.[19] Ebenfalls unter seiner Leitung entstanden die ersten Schallplattenaufnahmen des LSO 1913 und 1914 beim Label HMV. Arthur Nikisch konnte seine Tätigkeit als Chefdirigent des LSO wegen Beginn des Ersten Weltkrieges nicht mehr weiterführen, weil er weiterhin auch als Chefdirigent der Berliner Philharmoniker tätig war.

1915–1917 Thomas Beecham
1909 dirigierte Thomas Beecham das LSO zum ersten Mal. Von seiner auch finanziellen Förderung des Londoner Konzertlebens hat in den Jahren des Ersten Weltkrieges auch das LSO profitiert. Er nahm ab 1915 für eine Spielzeit die Position des Chefdirigenten des LSO de facto, wenn auch nicht explizit benannt, wahr.

1919–1922 Albert Coates
Albert Coates erlernte das Dirigieren bei Arthur Nikisch. Bevor er nach London kam, war er in Sankt Petersburg engagiert. Wegen der infolge der dortigen Revolution unsicheren Situation kam er nach England. Sein bevorzugtes Repertoire war das der russischen Meister. Er hatte die Gabe, eine gewisse Klientel reicher Gönner anzuziehen, wovon das Orchester natürlich auch profitieren konnte. Jedoch waren damit manchmal auch Forderungen bezüglich des Repertoires verbunden, denen das Orchester nicht folgen konnte. An mehreren Aufnahmen im Rahmen des 1919 mit der britischen Schallplattenfirma Columbia geschlossenen Drei-Jahres-Vertrages des LSO war er als Dirigent beteiligt. Er dirigierte viele Jahre danach immer wieder Schallplattenaufnahmen des Orchesters. Nach Beendigung seiner Zeit als Chefdirigent hatte das LSO sieben Jahre keinen Chefdirigenten, arbeitete aber mit mehreren renommierten Gastdirigenten zusammen.[20]

1930–1931 Willem Mengelberg
Willem Mengelberg hat in seiner langen Amtszeit beim Concertgebouw-Orchester dieses zu Weltruhm gebracht. Voraussetzung seiner Verpflichtung als Chefdirigent war die Beendigung des Stellvertreter-Systems im LSO. Durch seine ab 1930 für eine Saison beim LSO durchgeführte intensive detaillierte Probenarbeit auch mit einzelnen Orchestergruppen wurden wesentliche Fortschritte des Orchesters bezüglich Zusammenspiel, Klang und Intonation erreicht.[21]

1932–1935 Hamilton Harty
Der Ire Hamilton Harty war seit 1920 ständiger Dirigent des Hallé-Orchesters. Er verbesserte als Chefdirigent des LSO die musikalischen Standards des Orchesters weiter, seine Konzertprogramme hatten jedoch nicht den erhofften kommerziellen Erfolg. Er dirigierte bereits 1919 Aufnahmen mit dem LSO, weitere folgten in seiner Zeit als Chefdirigent. Nach seiner Zeit als Chefdirigent hatte das LSO dann 15 Jahre keinen Chefdirigenten.[22]

1951–1954 Josef Krips
Josef Krips machte bereits seit 1947 mit dem LSO Schallplattenaufnahmen. Nach einem gemeinsamen Konzert in der Royal Albert Hall im Dezember 1948 entstand der Wunsch, ihn als nächsten Chefdirigenten zu binden. Es dauerte jedoch bis 1951, um seine Wiener Verpflichtungen zu beenden. Als gebürtiger Wiener war er besonders mit dem österreichischen und deutschen sinfonischen Repertoire vertraut. Als Chefdirigent verhalf er dem Orchester zu einem homogeneren, weniger individuellen Stil der einzelnen Orchestermusiker. Jeweils im März gab er mit dem LSO einen Beethoven-Zyklus, unter anderem mit allen Symphonien. Nach seiner Zeit als Chefdirigent realisierte er weiterhin mit dem LSO Aufnahmen für Schallplatten. Hervorzuheben ist hier besonders die komplette Aufnahme aller Beethoven-Symphonien aus dem Jahre 1960.[23]

1960–1964 Pierre Monteux
Der französisch-US-amerikanische Dirigent war dem LSO bereits seit 1957 durch umfangreiche gemeinsame Musikaufnahmen und gemeinsame Konzerte bekannt. Während der Wiener Festwochen 1961, bei denen das LSO mit den drei Dirigenten Georg Solti, Leopold Stokowski und Pierre Monteux gastierte, kam es zu der Vereinbarung, dass der 86-jährige Pierre Monteux der nächste Chefdirigent werden sollte (mit einem 25-Jahres-Vertrag). Monteux hatte Debussy, Ravel und Stravinsky persönlich gekannt und mehrere deren Werke uraufgeführt. Demzufolge führte seine Bindung an das LSO zu einer wesentlichen Bereicherung für das Repertoire des Orchesters. Auch die Aufnahmetätigkeit mit Monteux wurde während seiner Zeit als Chefdirigent verstärkt. Monteux konnte nur drei Jahre seines Vertrages mit dem LSO erfüllen, da er am 1. Juli 1964 starb.[24]

1965–1968 István Kertész
Der 1929 geborene ungarische Dirigent verließ 1956 Ungarn und war seitdem vorrangig in Deutschland als Dirigent tätig. István Kertész hatte das LSO bereits als Gastdirigent 1960 dirigiert. Die Musiker entschieden sich für ihn als Chefdirigent, weil die Mehrheit der Ansicht war, dass das Orchester mit ihm musikalisch die besten Ergebnisse erzielen könnte. Sein erstes Konzert als Chefdirigent gab er 1965. Seine Zeit als Chefdirigent war geprägt von sehr intensiver Probenarbeit als Vorbereitung auf hervorragende Konzerte. Repertoireschwerpunkte bildeten sein Lieblingskomponist Antonín Dvořák und die ungarischen Komponisten, wie z. B. Béla Bartók und Zoltán Kodály. Er forderte für die Verlängerung seines Vertrages weitgehende Entscheidungsrechte und Mitbestimmungsrechte in der Orchesterleitung, beispielsweise bezüglich der Besetzung von Stellen, die ihm die Orchesterleitung wegen der Regeln der Selbstverwaltung des Orchesters aber nicht einräumen konnte. Deswegen wurde sein Vertrag als Chefdirigent nicht über 1968 hinaus verlängert. Als Gastdirigent blieb er dem LSO weiter erhalten. In den Jahren 1963–1970 realisierte er umfangreiche Aufnahmen zusammen mit dem LSO.[25]

1968–1979 André Previn
Der in Berlin geborene US-amerikanische Komponist, Arrangeur, Dirigent und Jazzpianist wurde 1968 mit knapper Mehrheit zum Chefdirigenten gewählt. Das Dirigieren erlernte er von Pierre Monteux. Seit 1967 war er Chefdirigent des Houston Symphony Orchestra. Da er bis zu diesem Zeitpunkt eher als Hollywood-Komponist und Arrangeur (wo er seit 1946 wirkte) sowie Jazz-Pianist bekannt war und erst seit relativ kurzer Zeit große sinfonische Orchester dirigierte, traf diese Entscheidung auf gewisse Vorbehalte. Diese Wahl erwies sich jedoch hinsichtlich der Anforderungen, die sich dem LSO zu dem Zeitpunkt stellten, als Glücksgriff. Der neue Chefdirigent sollte nämlich u. a. ein anerkannter Musiker sein, vorausschauend in die Zukunft planen können und für größere Publizität sorgen. Mit Previn führte das LSO fünf große USA-Tourneen, eine Russland- und zwei Japanreisen durch. Er dirigierte das Orchester beim ersten Konzert während des Debüts bei den Salzburger Festspielen 1973. Das Repertoire des LSO wurde insbesondere um viele Kompositionen britischer Komponisten erweitert, deren Werke wieder- bzw. uraufgeführt wurden. Mit der BBC-Sendereihe „André Previn‘s Music Night“ die er mit dem LSO durchführte, verschaffte er dem Orchester ein regelmäßiges großes Publikum wie niemals vorher. Er führte mit dem LSO von 1965 bis 1993 insgesamt über 110 Studioaufnahmetermine mit meist jeweils mehreren aufgenommenen Werken durch, darunter über 80 in seiner Zeit als Chefdirigent. Mit elf Jahren war seine Zeit die bis dahin längste eines LSO-Chefdirigenten. Er ist mit dem LSO als „Conductor Emeritus“ verbunden.[26]

1979–1988 Claudio Abbado
Der italienische Dirigent und künstlerische Leiter der Mailänder Scala (von 1969 bis 1986) dirigierte 1966 das erste Mal das LSO und war bereits seit mehreren Jahren „Principal Guest Conductor“ des LSO. Demzufolge war es wenig überraschend, als er 1979 zum Chefdirigenten des LSO gewählt wurde. Abbado arbeitete hart und intensiv mit dem Orchester, welches zu der Zeit bereits einen äußerst prall gefüllten Proben-, Konzert- und Aufnahmeplan mit Musik aller Gattungen hatte. Dank seiner Anforderungen konnten Konzerte mit höchster musikalischer Qualität gegeben werden. Mit der von ihm 1985 initiierten Konzertreihe „Mahler, Wien und das zwanzigste Jahrhundert“ begann die Ära der thematischen Konzertreihen des LSO. In seine Zeit als Chefdirigent fiel auch die Eröffnung des Barbican Centre 1982. Nach der ersten Begeisterung über die neue Spielstätte zeigten sich aber akustische Probleme und infolgedessen auch sinkende Besucherzahlen mit daraus resultierenden finanziellen Problemen für das Orchester (die Akustik wurde dann bei der Rekonstruktion des Konzertsaales 2001/2002 grundlegend überarbeitet). Erst mit der o. g. und weiteren Konzertreihen sowie zusätzlichen organisatorischen Veränderungen konnten die finanziellen Probleme des LSO beseitigt werden. Claudio Abbado hat zunächst für die Plattenfirma DECCA, dann vorrangig für Deutsche Grammophon eine Reihe von Aufnahmen mit dem LSO eingespielt. Abbado beendete seine Tätigkeit beim LSO wegen des Angebotes einer Tätigkeit im weiteren Umfeld der Wiener Philharmoniker.[27]

1988–1995 Michael Tilson Thomas
Der US-amerikanische Dirigent, Pianist und Komponist Michael Tilson Thomas (auch MTT genannt) hatte bereits 1970 sein Debüt als Dirigent beim LSO und ist ein Schüler von Leonard Bernstein (LSO-Präsident 1987–1990). Er erweiterte das Repertoire des LSO um bisher wenig bekannte amerikanische Komponisten und Kompositionen sowie neue zeitgenössische Werke und vergab Kompositionsaufträge. Jede neue Spielzeit eröffnete er mit einem neuen Werk. Bei Konzerten kommuniziert er mit dem Publikum, um diesem den Zugang zu den Werken zu erleichtern. Auch in Interviews und Gesprächen mit Journalisten gibt er detailliert zur Musikauswahl und den Stücken Auskunft. Michael Tilson Thomas hat mehrere thematische Konzertreihen mit dem LSO entwickelt und durchgeführt, z. B. zu der Musik von Steve Reich, George Gershwin, Johannes Brahms, Tōru Takemitsu, Nicolai Rimski-Korsakow, Claude Debussy und Gustav Mahler. 1993 nimmt Tilson Thomas mit dem LSO und Dudley Moore die sechsteilige TV-Serie Concerto! für den Sender Channel 4 auf. Seine “Discovery”-Konzert-Lektionen mit dem LSO wurden vom BBC-Fernsehen übernommen. Von den durch Tilson Thomas mit dem LSO unternommenen Tourneen ist insbesondere die 1990 mit Leonard Bernstein nach Japan mit einer zweiwöchigen Residenz auf dem Pacific Music Festival in Sapporo hervorzuheben. Dabei gaben sie ihre Kenntnisse an hunderte junge talentierte Musiker in Lektionen und Meisterklassen weiter. Michael Tilson Thomas hat eine Reihe von Aufnahmen mit dem LSO durchgeführt. Darunter waren ca. 15 Aufnahmen zeitgenössischer Werke u. a. von Steve Reich, Colin Matthews, Leonard Bernstein und Dominic Muldowney. Außerdem hat er mit dem LSO zwei Alben des Jazzmusikers John McLaughlin und eine Ballettmusik von Elvis Costello aufgenommen. Gegenwärtig ist Michael Tilson Thomas “Conductor Laureate” des LSO.[28]

1995–2007 Sir Colin Davis
Colin Davis war bereits 1959 das erste Mal Gastdirigent des LSO. 1960 trat er mit dem Orchester bei den BBC Proms auf. Im Jahre 1964 dirigierte er das Orchester auf seiner ersten Welttournee (USA, Japan, Korea und Hongkong). 1975 wurde er zum Principal Guest Conductor des LSO berufen. Als er 1995 zum Chefdirigenten gewählt wurde, war das Orchester durch die bestehende langjährige regelmäßige Zusammenarbeit bereits sehr mit ihm vertraut.[29] Dadurch konnte wiederum eine neue Qualität der Aufführungen hinsichtlich Klangreichtum, Zusammenklang und künstlerischer Individualität erreicht werden. Langsam aber merklich veränderte sich der grundlegende Klang des Orchesters unter seiner Leitung. Auch unter Davis hat das LSO eine Reihe von Uraufführungen von zeitgenössischen Kompositionen durchgeführt, darunter u. a. von Michael Tippett, Hans Werner Henze, Colin Matthews, James MacMillan, Richard Bissill und Karl Jenkins. Colin Davis hat mit dem LSO insgesamt über 140 Aufnahmetermine durchgeführt und damit die Aufnahmeaktivität von André Previn mit dem Orchester noch übertroffen. Die Gründung des Labels LSO Live im Jahre 2000 wurde auch auf Anregung von Colin Davis durchgeführt, um erfolgreiche Konzertaufführungen zu bewahren und diese außerdem für einen erschwinglichen Preis der Allgemeinheit zugänglich zu machen. Von den Aufnahmen für LSO Live wurden mit Colin Davis mehr als 45 durchgeführt. Colin Davis ist in der Geschichte des LSO der Chefdirigent mit der längsten Amtszeit. Er blieb dem LSO ab 2007 bis zu seinem Tod im Jahre 2013 als Präsident verbunden.

2007–2015 Waleri Abissalowitsch Gergijew
Der in Moskau geborene Dirigent ossetischer Abstammung ist seit über 25 Jahren Direktor und künstlerischer Leiter des Mariinski-Theaters in Sankt Petersburg. Die erste Konzertreihe im Barbican Centre mit ihm als Chefdirigent war ein ausverkaufter Gustav-Mahler-Zyklus. Auch mit seinem Prokofjew-Zyklus in der Spielzeit 2008/2009 erregte der charismatische Dirigent Aufsehen. Er hat das Orchester neben den Konzerten im Barbican Centre bei den BBC Proms, dem „Edinburgh International Festival“ und während umfangreichen Tourneen durch Europa, Nordamerika und Asien dirigiert. Bei dem ersten „LSO Open Air“-Konzert auf dem Trafalgar Square 2012 dirigierte er das LSO in einem Konzert mit freiem Eintritt vor ca. 10000 Zuhörern. LSO Live unterstützte das im Mai 2009 gestartete neue CD-, SACD- und DVD-Label des Mariinski-Theaters Sankt Petersburg u. a. durch die Möglichkeit der Vermarktung auf der LSO-Website.

seit 2017 Simon Rattle
Am 3. März 2015 gab das LSO bekannt, dass Simon Rattle ab September 2017 die Funktion des „Music Director“ übernehmen wird.[30] Der 1955 in Liverpool geborene Dirigent hat im Mai 1977 das LSO das erste Mal bei einer Aufnahme dirigiert. Das Konzert-Debüt mit dem LSO folgte im Oktober 1977. Danach gab es längere Zeit zunächst wenig gemeinsame Aktivitäten.[31] Ein wesentlicher Schwerpunkt seiner Tätigkeiten beim City of Birmingham Symphony Orchestra (1980–1998)[32] und bei den Berliner Philharmonikern (seit 2002) lag in der Bekanntmachung der Musik des 20. Jahrhunderts und der Förderung der zeitgenössischen klassischen Musik. In den letzten Jahren wurden die gemeinsamen Auftritte und Aktivitäten mit dem London Symphony Orchestra deutlich verstärkt. Große Aufmerksamkeit erlangte der gemeinsame Auftritt bei der Eröffnungsveranstaltung der Olympischen Spiele 2012 in London. Am 14. September 2017 erfolgte das offizielle Antrittskonzert als Music Director des LSO. In diesem Konzert wurden neben einem Werk von Edward Elgar vier zeitgenössische Werke britischer Komponisten aufgeführt.


Das LSO hat in seiner Geschichte mit einer Vielzahl von namhaften Gastdirigenten zusammengearbeitet. Zu den bedeutendsten gehörten und gehören bis heute u. a.:

Marin Alsop, Sir John Barbirolli, Leonard Bernstein, Karl Böhm, Pierre Boulez, Adrian Boult, Benjamin Britten, Édouard Colonne, Antal Doráti, Wilhelm Furtwängler, Eugène Goossens, Bernard Haitink, Sergiu Celibidache, Daniel Harding, Vince Mendoza, Kent Nagano, Seiji Ozawa, Simon Rattle, Mstislav Rostropovich, Sir Malcolm Sargent, Georg Solti, Fritz Steinbach, Leopold Stokowski, Richard Strauss, John Williams, Ralph Vaughan Williams und Sir Henry Wood.

Auszeichnungen für Musikverkäufe

Silberne Schallplatte

  • Vereinigtes Konigreich Vereinigtes Königreich
    • 1979: für das Album Encore
    • 1983: für das Album Rock Symphonies
    • 2013: für das Album Elgar/Cello Concerto/Sea Pictures
    • 2016: für das Album Star Wars – Episode 4 – A New Hope – O.S.T.
    • 2017: für das Album Rachmaninov/Piano Concertos Nos 1–4
    • 2017: für das Album Holst: The Planets
    • 2019: für das Album Bing At Christmas

Goldene Schallplatte

  • Deutschland Deutschland
    • 1980: für das Album Classic Rock
    • 1981: für das Album Rock Symphonies (K-Tel)
    • 1988: für das Album Rock Symphonies (Portrait)
    • 1989: für das Album Monuments
    • 1990: für das Album Rock Symphonies II
  • Schweiz Schweiz
    • 1989: für das Album Rock Symphonies II
    • 1998: für das Album Rock Symphonies
  • Vereinigte Staaten Vereinigte Staaten
    • 1972: für das Album Tommy
  • Vereinigtes Konigreich Vereinigtes Königreich
    • 1980: für das Album Rhapsody In Black
    • 1981: für das Album Classic Rock – Rock Classics
    • 1983: für das Album The Best of Classic Rock
    • 1985: für das Album The Power of Classic Rock
    • 1990: für das Album Greatest Hits - Hooked On Classics
    • 2013: für das Album Braveheart – O.S.T.
    • 2021: für das Album Classic Diamonds


  • Vereinigtes Konigreich Vereinigtes Königreich
    • 1978: für das Album Classic Rock
    • 2015: für das Album Gorecki/Symphony No. 3
Land/RegionAus­zeich­nung­en für Mu­sik­ver­käu­fe
(Land/Region, Auszeichnungen, Verkäufe, Quellen)
Silver record icon.svg SilberGold record icon.svg GoldPlatinum record icon.svg PlatinVer­käu­feQuel­len
 Deutschland (BVMI)0! SGold record icon.svg 5× Gold50!
 Schweiz (IFPI)0! SGold record icon.svg 2× Gold20!
 Vereinigte Staaten (RIAA)0! SGold record icon.svg Gold10!
 Vereinigtes Königreich (BPI)Silver record icon.svg 7× Silber7Gold record icon.svg 7× Gold7Platinum record icon.svg 2×
InsgesamtSilver record icon.svg 7× Silber7Gold record icon.svg 15× Gold15Platinum record icon.svg 2× Platin2


Commons: London Symphony Orchestra – Sammlung von Bildern, Videos und Audiodateien


  1. Richard Morrison: ORCHESTRA The LSO: A Century of Triumph and Turbulence. Faber and Faber, London 2004, ISBN 0−571−21583−1, S. 11–14.
  2. Jon Tolansky: Das London Symphony Orchestra – Hundert Jahre einer Legende, S. 100–102, im Begleitbuch zum CD-Set London Symphony Orchestra (1904–2004) The Centennial Set Andante AN4100, 2004
  3. Gareth Davies: THE SHOW MUST GO ON, On Tour With the LSO in 1912 and 2012. Elliott Thompson Limited, London 2013, ISBN 978−1−908739−80−3, S. 246–247.
  4. Richard Morrison: ORCHESTRA The LSO: A Century of Triumph and Turbulence. Faber and Faber, London 2004, ISBN 0−571−21583−1, S. 254–255.
  5. Historic Houses and Gardens. Norman Hudson & Company, Banbury 2003, ISBN 1−904387−00−4, S. 75.
  6. a b Herbert Haffner: Orchester der Welt. Parthas Verlag, Berlin 2008, ISBN 978−3−86601−304−9, S. 240.
  7. Richard Morrison: ORCHESTRA The LSO: A Century of Triumph and Turbulence. Faber and Faber, London 2004, ISBN 0−571−21583−1, S. 283–284.
  8. Richard Morrison: ORCHESTRA The LSO: A Century of Triumph and Turbulence. Faber and Faber, London 2004, ISBN 0−571−21583−1, S. 259–276.
  9. Panufnik Composers Scheme – London Symphony Orchestra (Memento vom 2. Mai 2015 im Internet Archive), abgerufen am 26. August 2020
  10. The world’s greatest orchestras | Web-Site der Fachzeitschrift Gramophone (Daten abgerufen 16. Januar 2014)
  11. Andrew Stewart: The LSO at 90, From Queen’s Hall to the Barbican Centre. London 1994, S. 62
  12. George Martin: Es begann in der Abbey Road. Hannibal-Verlag, Höfen 2013, ISBN 978−3−85445−410−6, S. 137.
  13. Recordings | London Symphony Orchestra, Abgerufen am 29. April 2015
  14. Cadensa Sound & Moving Image Catalogue BRITISH LIBRARY, Enthält 10974 Einträge mit Aufnahmen des London Symphony Orchestra, Royal Philharmonic Orchestra: 7292, London Philharmonic Orchestra: 6749, Wiener Philharmoniker: 6702, Berliner Philharmoniker: 6422 Aufnahmen (Daten abgerufen am 29. Dezember 2015)
  15. Discography | London Symphony Orchestra, Abgerufen am 14. Dezember 2017
  16. LSO Play, abgerufen am 27. Juli 2014
  17. Richard Morrison: ORCHESTRA The LSO: A Century of Triumph and Turbulence. Faber and Faber, London 2004, ISBN 0−571−21583−1, S. 25–28.
  18. Richard Morrison: ORCHESTRA The LSO: A Century of Triumph and Turbulence. Faber and Faber, London 2004, ISBN 0−571−21583−1, S. 39–43.
  19. Gareth Davies: THE SHOW MUST GO ON, On Tour With the LSO in 1912 and 2012. Elliott Thompson Limited, London 2013, ISBN 978−1−908739−80−3, S. 15–17.
  20. Richard Morrison: ORCHESTRA The LSO: A Century of Triumph and Turbulence. Faber and Faber, London 2004, ISBN 0−571−21583−1, S. 56–58.
  21. Herbert Haffner: Orchester der Welt Parthas Verlag Berlin, 2008, ISBN 978−3−86601−304−9, S. 238.
  22. Programmheft LSO Centenary Gala Concert 9. Juni 2004, S. 18.
  23. Richard Morrison: ORCHESTRA The LSO: A Century of Triumph and Turbulence. Faber and Faber, London 2004, ISBN 0−571−21583−1, S. 100–102.
  24. Jon Tolansky: Das London Symphony Orchestra – Hundert Jahre einer Legende, S. 107–109, im Begleitbuch zum CD-Set London Symphony Orchestra (1904–2004) The Centennial Set Andante AN4100, 2004
  25. Richard Morrison: ORCHESTRA The LSO: A Century of Triumph and Turbulence. Faber and Faber, London 2004, ISBN 0−571−21583−1, S. 146–165.
  26. Herbert Haffner: Orchester der Welt. Parthas Verlag, Berlin 2008, ISBN 978−3−86601−304−9, S. 244–247.
  27. Jon Tolansky: Das London Symphony Orchestra – Hundert Jahre einer Legende, S. 111–114, im Begleitbuch zum CD-Set London Symphony Orchestra (1904–2004) The Centennial Set Andante AN4100, 2004
  28. Richard Morrison: ORCHESTRA The LSO: A Century of Triumph and Turbulence. Faber and Faber, London 2004, ISBN 0−571−21583−1, S. 215–217.
  29. Herbert Haffner: Orchester der Welt. Parthas Verlag, Berlin 2008, ISBN 978−3−86601−304−9, S. 250–251
  30. Sir Simon Rattle | London Symphony Orchestra, Meldung vom 3. März 2015, Abgerufen am 29. April 2015
  31. Richard Morrison: ORCHESTRA The LSO: A Century of Triumph and Turbulence. Faber and Faber, London 2004, ISBN 0−571−21583−1, S. 123
  32. Nicholas Kenyon: Simon Rattle – Abenteuer der Musik. Henschel Verlag, Berlin 2002, ISBN 978−3−89487−437−7, S. 121–163 und S. 224–266

Veröffentlichungen von Antal Doráti die im OTRS erhältlich sind/waren:

Strawinsky: The Firebird

Antal Doráti auf Wikipedia (oder andere Quellen):

Antal Doráti (1962)

Antal Doráti [ˈɒntɒl ˈdoraːti] (* 9. April 1906 in Budapest, Österreich-Ungarn; † 13. November 1988 in Gerzensee bei Bern, Schweiz) war ein US-amerikanischer Dirigent und Komponist ungarischer Herkunft. Er gilt als einer der bedeutendsten ungarischen Dirigenten des 20. Jahrhunderts.[1] Doráti wirkte als Musikdirektor und Orchesterleiter in Monaco, England, den USA und Schweden. Er brachte zahlreiche Werke zur Uraufführung, widmete sich intensiv der Musik Pjotr Iljitsch Tschaikowskis und legte die weltweit zweite Gesamtaufnahme der Sinfonien Joseph Haydns vor.


Antal Doráti stammte aus einer ungarisch-jüdischen[2] Musikerfamilie. Er wurde 1906 als Sohn des Geigers Alexander Doráti (Budapester Philharmonisches Orchester) und dessen Frau Margit, geb. Kunwald, einer Klavierpädagogin, in Budapest geboren. Sein Onkel Cäsar Kunwald war Maler. Mit vierzehn Jahren besuchte er das Budapester Konservatorium.[3] Zu seinen Lehrern gehörten u. a. Arnold Székely (Klavier), Zoltán Kodály (Komposition), Karl Nováček (Cello) und Leó Weiner (Kammermusik). Bei Béla Bartók besuchte er fünf Jahre lang ein Folklore-Seminar. Weiterhin lernte er bei seinem jüngeren Onkel[4] Ernst von Dohnányi. Für zwei Jahre hörte er philosophische Vorlesungen an der Universität Wien.

1924 debütierte er als jüngster Kapellmeister an der Königlichen Oper seiner Heimatstadt Budapest, wo er bis 1928 als Korrepetitor wirkte. 1928 dirigierte er die ungarischen Erstaufführungen von Strawinskys Le chant du rossignol und Oedipus Rex.

Von 1924 bis 1928 assistierte er Fritz Busch an der Staatsoper in Dresden, bevor er 1928 eine Tätigkeit als Erster Kapellmeister an den Städtischen Bühnen in Münster (Westfalen) aufnahm. Während der Zeit des Nationalsozialismus wandte er sich von Deutschland ab. 1933 emigrierte er nach Frankreich. Von 1934 bis 1938 war er zweiter Kapellmeister und von 1938 bis 1941 Musikdirektor am Ballets Russes de Monte Carlo, mit dem er weltweit gastierte.

1939 emigrierte er in die USA[5] und wurde in New York City sesshaft. Zwei Jahre zuvor gab er dort mit dem National Symphony Orchestra sein sinfonisches Debüt. Bis 1945 war er Musikdirektor des American Ballet Theatre. Mit diesem führte er u. a. Blaubart (1941) von Jacques Offenbach und Der Jahrmarkt von Sorotschinzy (1943) von Modest Mussorgsky auf. 1941/42 war er Musikdirektor der New York Opera Company.

Ab 1945 baute er das Dallas Symphony Orchestra wieder auf. 1949 wechselte er als Musikdirektor zum Minneapolis Symphony Orchestra, wo er bis 1960 als Nachfolger von Dimitri Mitropoulos tätig war. Von 1963 bis 1967 war er Chefdirigent des BBC Symphony Orchestra in London (das auch Stücke von ihm aufführte) und von 1966 bis 1970 des Kungliga Filharmoniska Orkestern in Stockholm (mit dem er auch eigene Werke aufnahm). Von 1970 bis 1977 leitete er das National Symphony Orchestra in Washington, D.C., das er vor der Zahlungsunfähigkeit bewahrte. Von 1975 bis 1978 war er Chefdirigent des Royal Philharmonic Orchestra in London (Nachfolge von Rudolf Kempe) und von 1977 bis 1981 des Detroit Symphony Orchestra. Zwischen 1984 und 1987 dirigierte er mehrmals das Basler Sinfonie-Orchester.[6]

Er gab Meisterklassen am Royal College of Music in London und an der Budapester Musikakademie. 1964 war er Juror bei der Dimitri Mitropoulos International Music Competition in New York.

Doráti setzte sich für die modernen Komponisten Igor Strawinsky und Olivier Messiaen ein; Luigi Dallapiccola verhalf er zum Durchbruch. Er brachte die Musik, darunter zahlreicher amerikanischer Komponisten, u. a. von Gunther Schuller, Paul Hindemith, Walter Piston, William Schuman, Sándor Veress, Charles Ives, Roman Vlad, Heimo Erbse, Roger Sessions, Roberto Gerhard, Serge Nigg, Allan Pettersson und Richard Rodney Bennett zur Uraufführung. 1949 realisierte er mit dem Minneapolis Symphony Orchestra und dem Bratschisten William Primrose Bartóks Violakonzert, das von Tibor Serly fertiggestellt wurde.

Er arrangierte Johann Strauss’ Ballett Graduation Ball (1940) in der Choreografie von David Lichine und war ab den 1950er Jahren vermehrt als Komponist tätig (Orchesterwerke, Chor- und Kammermusik), wobei er sich an Bartók und Kodály anlehnte. Inspiriert wurde er zum Teil durch den Oboisten Heinz Holliger. Seine Werke wurden u. a. bei Müller & Schade, bei der Editio Musica Budapest, bei der Edizioni Suvini Zerboni und bei Boosey & Hawkes verlegt.

In zweiter Ehe war er mit der österreichischen Pianistin Ilse von Alpenheim (* 1927) verheiratet. 1947 erhielt er die amerikanische Staatsbürgerschaft. Im Jahr 1979 erschien seine Autobiographie Notes of Seven Decades. Zuletzt hatte er seinen Wohnsitz in der Schweiz.

Diskographische Hinweise

Doráti nahm ab 1936 mehr als 600 Tonträger auf, wobei er intensiv mit Mercury Records zusammenarbeitete. Rob Cowan (Gramophone) verglich seine Bedeutung mit der Herbert von Karajans für Deutsche Grammophon und Otto Klemperers für Columbia Records.[7]

Seine erste Aufnahme machte er mit dem London Philharmonic Orchestra bei His Master’s Voice (später RCA Records). Mit dem Exilorchester Philharmonia Hungarica legte er von 1969 bis 1972 die weltweit zweite Gesamtaufnahme der 107 Sinfonien Joseph Haydns vor. Außerdem spielte er acht Opern des Komponisten ein. Die weltweit erste Aufnahme von Tschaikowskis drei Balletten (Schwanensee, Dornröschen und Der Nussknacker) erfolgte 1954/55 mit dem Minneapolis Symphony Orchestra bei Mercury Records. Weitere Veröffentlichungen einzelner Ballette erfolgten mit dem Concertgebouw-Orchester (Philips Classics Records) und dem London Symphony Orchestra (Mercury Records). Mit dem New Philharmonia Orchestra spielte er die vier Orchestersuiten Tschaikowskis ein. Als erster Dirigent überhaupt legte er 1954/58 mit dem Minneapolis Symphony Orchestra seine Ouvertüre „1812“ bei Gold Records vor. Alle Tschaikowski-Sinfonien erschienen mit dem London Symphony Orchestra. Weiterhin sind die Mercury-Tonträger zu Bartóks Orchesterwerken zu nennen. So spielte er in Kooperation mit u. a. Yehudi Menuhin Bartóks zweites Violinkonzert ein. Ebenso verewigte er mit dem Minneapolis Symphony Orchestra Léo DelibesCoppélia sowie Richard Wagners Der fliegende Holländer. Andere Weltersteinspielungen sind: Jean SibeliusLuonnotar (1969; mit Gwyneth Jones) und Max Bruchs Konzert für 2 Klaviere und Orchester (1973; wiederentdeckt 1971). Digitale Aufzeichnungen verwirklichte er mit dem Detroit Symphony Orchestra, dem Concertgebouw-Orchester und dem Royal Philharmonic Orchestra bei Decca Records.

Auszeichnungen und Würdigungen

Höchstwahrscheinlich zum 60. Geburtstag des Musikers schuf der Berliner Bildhauer Erich Fritz Reuter eine Bronzebüste Dorátis.[8]

Er war Ehrendirigent des Royal Philharmonic Orchestra, des Detroit Symphony Orchestra und der Stockholmer Philharmonie sowie Ehrenpräsident der Philharmonia Hungarica und Ehrenmitglied der Royal Academy of Music. Doráti war Mitglied der Königlichen Schwedischen Akademie der Wissenschaften und Inhaber mehrerer Ehrendoktorwürden. Außerdem wurde er mit dem Wasaorden (Kommandeur), dem österreichischen Ehrenkreuz für Wissenschaft und Kunst I. Klasse und dem Chevalier des Arts et des Lettres geehrt. 1983 erhob ihn Königin Elisabeth II. zum Knight Commander des britischen Ritterordens Order of the British Empire (KBE). Wiederholt wurde er für Schallplattenaufnahmen mit dem Grand Prix du Disque ausgezeichnet.

Das Budapest Symphony Orchestra MÁV richtet seit 2015 die Antal Doráti International Conducting Competition aus.[9]

2004 wurde in Bournemouth die Antal Doráti Centenary Society gegründet.[10]



  • Nocturne and Capriccio für Oboe, 2 Violinen, Viola und Violoncello (1926)
  • Threnos für Streichquartett (1959, rev. 1977), „in memory of Ödon Pártos“
  • String Octet für 4 Violinen, 2 Violen und 2 Violoncelli (1964)
  • Variazioni sopra un Tema di Béla Bartók für Klavier (1974)
  • Die Stimmen – Klavierzyklus für Bass und Klavier (1975, 1978 Fassung für Bass und Orchester), Text: Rainer Maria Rilke
  • In The Beginning – Five Meditations on Texts from the Bhagavad Ghita für Bassbariton, Oboe, Violoncello und Percussion (1979)
  • Sonata per Assisi – Fünf Stücke für 2 Flöten (1980)
  • Cinq Pièces für Oboe solo (1980)
  • String Quartet (1980)
  • Duo Concertante für Oboe und Klavier (1984)
  • Autumn – Sechs Epigramme für Bariton und Kammerensemble (19 Spieler) nach alten chinesischen Texten (1986)
  • Adagio für Viola und Klavier (1987)
  • Hexaphoneia – Sechs Sätze für Bariton, 2 Violinen, Viola und 2 Violoncelli (1988), nach Hans Erni


  • American Serenade für Streichorchester (frühe 1940er Jahre)
  • Symphony No. 1 (1956–57)
  • The Two Enchantments of Li Tai Pe für Bariton und kleines Orchester (1957)
  • 7 Pictures (Sette Pezzi) für Orchester (aus „Magdalena“) (1963)
  • Variations on a Theme of Kodály für Orchester (1962), in Kollaboration mit Tibor Serly, Ödön Pártos, Géza Frid, and Sándor Veress
  • Largo Concertato für Streichorchester (1966)
  • Chamber Music – Liederzyklus für Sopran und 25 Instrumente (1967), Text: James Joyce
  • Night Music für Flöte und kleines Orchester (1969)
  • Concerto for Piano and Orchestra (1975)
  • Divertimento für Oboe und Orchester (1976, Solopart rev. 1985–86)
  • Concerto for Cello and Orchestra (1977)
  • Trittico für Oboe, Oboe d’amore und Englischhorn mit Streichorchester (1984–85, 1984 Fassung für Oboe, Oboe d’amore, Englischhorn und Klavier, 1986 Fassung mit Begleitung von 12 Streichern), Auftragswerk von Heinz Holliger
  • Symphony No. 2 „Querela Pacis“ (1985), Auftragswerk des Detroit Symphony Orchestra


  • The Way – Kantate für Sprecher, Alt, Bassbariton, Chor und Orchester nach Paul Claudels „Le Chemin de la Croix“ (1955–56)
  • Missa Brevis für gemischten Chor a cappella (SSAATB, vorzugsweise Knabenchor anstelle S/A-Stimmen) und Percussion (1959)
  • Madrigal Suite für gemischten Chor (SATB) und kleines Orchester (1965)
  • Öt Kánon – Fünf Kanons für gemischten Chor a cappella (1970)
  • Three Studies für gemischten Chor a cappella (1976)
  • Of God, Man, and Machine – Drei Chöre für gemischten Chor (SATB) a cappella (1978)
  • Négy noï Kar – Vier ungarische Chöre für Frauenstimmen (SMA) (1982), „To Maria Katanics and her choir“
  • Imádság (Prayer) für gemischten Chor (SATB) a cappella (1984), Text: Dezső Keresztury
  • Jesus or Barabbas? – Melodram für Sprecher, gemischten Chor und Orchester (1987), Text: Antal Doráti, nach einer Parabel von Frigyes Karinthy
  • Pater Noster für gemischten Chor (SATB) a cappella (1988)


  • The Chosen, in 3 Akten (1984)


  • Graduation Ball – Ballett in einem Akt mit Musik von Johann Strauß (S) (1939)
  • Bartók: Three Rondos on Folk Tunes, Fassung für Streichorchester (1967)
  • Bartók: Suite op. 14, Bearbeitung für kleines Orchester (1967)
  • Allan Pettersson: 8 Barefoot Songs, Bearbeitung für Bariton und Orchester (1968–69)
  • Mozart: Rondo (Andante) für eine kleine Orgel, Bearbeitung für 2 Flöten und 2 Klarinetten
  • Mozart: Adagio für Harmonika, Bearbeitung für 2 Flöten, 2 Oboen, Fagott und Horn in F
  • Haydn: Die Zehn Gebote der Kunst – 10 Kanons für gemischten Chor, Bearbeitung zur Konzertaufführung mit Orchesterbegleitung ad libitum (1982)


  • Notes of Seven Decades. [Autobiographie]. Hodder & Stoughton, London 1979, ISBN 0−340−15922−7.
  • For Inner and Outer Peace. London 1987.


  • Antal Dorati. In: Encyclopædia Britannica. Abgerufen am 19. September 2018 (englisch).
  • Alberto Fassone: Doráti, Antal. In: Julian Caskel, Hartmut Hein (Hrsg.): Handbuch Dirigenten. 250 Porträts. Bärenreiter, Kassel 2015, ISBN 978−3−7618−2174−9, S. 135–137.
  • Noël Goodwin: Dorati, Antal. In: Grove Music Online (englisch; Abonnement erforderlich).
  • Peter Hollfelder: Klaviermusik. Internationales chronologisches Lexikon. Geschichte. Komponisten. Werke. Supplement, Noetzel, Wilhelmshaven 2005, ISBN 3−7959−0855−8, S. 66.
  • Calum MacDonald: Antal Doráti: Composer: A Catalogue of His Works. In: Tempo, N.S. 143 (1982), S. 16–25.
  • Alain Pâris: Klassische Musik im 20. Jahrhundert: Instrumentalisten, Sänger, Dirigenten, Orchester, Chöre. 2. erweiterte, völlig überarbeitete Auflage, dtv, München 1997, ISBN 3−423−32501−1, S. 210 f.
  • Gdal Saleski: Famous musicians of Jewish origin. Bloch Publishing Company, New York 1949, S. 227f.
  • Rudolf Ossowski (Hg.): Jugend fragt, Prominente antworten. Colloquium-Verlag, Berlin 1975, ISBN 3−7678−0373−9, S. 73 ff.
  • Schweizer Lexikon 91: in sechs Bänden. Band 2: Chap-Gem, Verlag Schweizer Lexikon, Luzern 1992, ISBN 3-9520144.


Commons: Antal Doráti – Sammlung von Bildern, Videos und Audiodateien


  1. Neben Georg Solti, Ferenc Fricsay, Eugene Ormandy und János Ferencsik; vgl. Peter Cossé: Der «andere» ungarische Dirigent. In: Neue Zürcher Zeitung, 8. April 2006.
  2. Judit Frigyesi: Jews and Hungarians in Modern Hungarian Musical Culture. Ezra Mendelsohn (Hg.): Modern Jews and Their Musical Agendas (Studies in Contemporary Jewry. Band 9). Oxford University Press, Oxford 1993, ISBN 0−19−508617−1, S. 40–60, hier: S. 58.
  3. Antal Doráti,, abgerufen am 23. September 2018.
  4. Vgl. Ilona von Dohnányi: Ernst von Dohnanyi: A Song of Life. Hg. von James A. Grymes, Indiana University Press, Bloomington 2002, ISBN 0−253−34103−5, S. 19.
  5. Tibor Frank: Double exile: migrations of Jewish-Hungarian professionals through Germany to the United States, 1919–1945 (Exil-Studien. Band 7). Lang, Oxford u. a. 2009, ISBN 978−3−03911−331−6, S. 441.
  6. 1984,, abgerufen am 23. September 2018.
  7. Rob Cowan: Icons – Antal Dorati. In: Gramophone, 22. März 2016.
  8. Werkverzeichnis des Bildhauers Erich F. Reuter,, abgerufen am 19. September 2018.
  9. Antal Doráti International Conducting Competition,, abgerufen am 19. September 2018.
  10. About the ADCS ,, abgerufen am 19. September 2018.


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London Symphony Orchestra & Antal Doráti ¦ Strawinsky: The Firebird
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