Ravi Shankar & André Previn ¦ Shankar: Concerto For Sitar & Orchestra

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Veröffentlichung Shankar: Concerto For Sitar & Orchestra:

1971

Hörbeispiel(e) Shankar: Concerto For Sitar & Orchestra:

Shankar: Concerto For Sitar & Orchestra auf Wikipedia (oder andere Quellen):

Concerto for Sitar & Orchestra is a studio album by Indian musician and composer Ravi Shankar with the London Symphony Orchestra (LSO) conducted by André Previn. The concerto was premiered at London's Royal Festival Hall on 28 January 1971, and subsequently released in Britain and America.[1][2]

Composition and recording

Ravi Shankar began composing the work, his first concerto, after receiving a commission from the LSO in mid November 1970.[3] The idea of creating an Indian classical work for a full Western orchestra, accompanied by his sitar, appealed to Shankar following his forays into chamber music with violinist Yehudi Menuhin[4] – issued on West Meets East (1967) and West Meets East, Volume 2 (1968).[5]

He dedicated the concerto to his music guru (teacher) Allauddin Khan, who was in poor health at the time.[6] Khan's composition Raga Manj Khamaj was one of the four ragas that Shankar adapted for the project.[7][8] The album was produced by Christopher Bishop and recorded at EMI Studios (now Abbey Road Studios) in London.[2]

Release and reception

Concerto for Sitar & Orchestra was released in 1971 on the EMI-owned record labels HMV and Angel, in Britain and America, respectively.[1] The US release took place in November 1971[9] and coincided with the world premiere of Shankar's autobiographical film Raga.[10]

The album received acclaim from some reviewers.[3] In America, the LP cover carried a quote from The Guardian's music critic, Edward Greenfield, that read: "If East has to meet West, then few musicians have achieved it with such open joy as Ravi Shankar."[11] According to author Peter Lavezzoli, however, other critics considered it to be "a bastardization of two distinct forms of music".[6]

The album peaked at number 6 on the Billboard Best Selling Classical LP's chart in February 1972.[12] In November that year, EMI's US affiliate, Capitol Records, described the commercial performance of the album as the company's "biggest surprise" of 1972, adding that it had "sold like a pop record".[13]

Aftermath and legacy

The LSO project led to further collaborations between Shankar and Western classical musicians, such as Zubin Mehta, who conducted his concerto Raga Mala in 1981.[14][15]

The second and third movements – based on the ragas Sindhi Bhairavi and Adana[16] – were included on the four-disc box set Ravi Shankar: In Celebration (1996).[17]

In addition to performances by Shankar, the concerto has been performed in concert by his daughter Anoushka Shankar.[18]

Track listing

All selections adapted by Ravi Shankar.

Side one
  1. "1st Movement: Rāga Khamāj" – 14:23
  2. "2nd Movement: Rāga Sindhi Bhairavi" – 6:19
Side two
  1. "3rd Movement: Rāga Adanā" – 3:37
  2. "4th Movement: Rāga Mānj Khamāj" – 15:34

Personnel

References

  1. ^ a b Shankar, pp. 215, 324.
  2. ^ a b Concerto for Sitar & Orchestra (LP sleeve credits). Ravi Shankar. HMV. 1971.{{cite AV media notes}}: CS1 maint: others in cite AV media (notes) (link)
  3. ^ a b Shankar, p. 215.
  4. ^ Lavezzoli, pp. 220, 221.
  5. ^ Shankar, pp. 323, 324.
  6. ^ a b Lavezzoli, p. 221.
  7. ^ Concerto for Sitar & Orchestra (liner notes). Susan Regan, Ravi Shankar. HMV. 1971.{{cite AV media notes}}: CS1 maint: others in cite AV media (notes) (link)
  8. ^ Lavezzoli, pp. 221–22.
  9. ^ Billboard staff (27 November 1971). "Shankar, 'Raga' At Carnegie". Billboard. p. 16. Retrieved 29 August 2015.
  10. ^ Shankar, p. 324.
  11. ^ Concerto for Sitar & Orchestra (LP front cover). Ravi Shankar. Angel Records. 1971.{{cite AV media notes}}: CS1 maint: others in cite AV media (notes) (link)
  12. ^ "Billboard Best Selling Classical LP's". Billboard. 5 February 1972. p. 42. Retrieved 29 August 2015.
  13. ^ Kirsch, Bob (4 November 1972). "Cap Sees New Audience Other Than Revival". Billboard. p. 57. Retrieved 30 August 2015.
  14. ^ World Music: The Rough Guide, p. 109.
  15. ^ Lavezzoli, pp. 221, 228.
  16. ^ Ravi Shankar: In Celebration (booklet). Ravi Shankar. Angel/Dark Horse. 1996. pp. 42–43.{{cite AV media notes}}: CS1 maint: others in cite AV media (notes) (link)
  17. ^ Eder, Bruce. "Ravi Shankar Shankar: In Celebration". AllMusic. Retrieved 29 August 2015.
  18. ^ Lavezzoli, p. 222.

Sources

  • Lavezzoli, Peter (2006). The Dawn of Indian Music in the West. New York, NY: Continuum. ISBN 0-8264-2819-3.
  • Shankar, Ravi (1999). Raga Mala: The Autobiography of Ravi Shankar. New York, NY: Welcome Rain. ISBN 1-56649-104-5.
  • World Music: The Rough Guide (Volume 2: Latin and North America, Caribbean, India, Asia and Pacific) (2000). London: Rough Guides/Penguin.ISBN 1-85828-636-0.

Artist(s)

Veröffentlichungen von Ravi Shankar die im OTRS erhältlich sind/waren:

Ravi Shankar Edition ¦ Shankar: Concerto For Sitar & Orchestra ¦ Shankar Family & Friends

Ravi Shankar auf Wikipedia (oder andere Quellen):

Ravi Shankar (1969)

Ravi Shankar (bengalisch রবি শংকর Rabi Śaṃkar; * 7. April 1920 in Varanasi; † 11. Dezember 2012 in San Diego; bürgerlicher Name Robindro Shaunkor Chowdhury) war ein indischer Musiker und Komponist, der das Zupfinstrument Sitar spielte.[1]

Shankar verbrachte seine Jugend damit, in der Tanzgruppe seines Bruders Uday Shankar Europa und Indien zu bereisen. 1938 gab er das Tanzen auf, um das Sitar-Spielen unter Hofmusiker Allauddin Khan zu erlernen. Nachdem er seine Lehre 1944 beendet hatte, arbeitete Shankar als Komponist, wobei er die Musik für die Apu-Trilogie von Satyajit Ray schrieb, und war von 1949 bis 1956 als Musikdirektor von All India Radio Neu-Delhi beschäftigt.

Im Jahr 1956 begann er Europa und Amerika auf Konzerttourneen zu bereisen und steigerte dort das Ansehen klassischer indischer Musik in den 1960er-Jahren durch Lehre, Auftritte und durch den Kontakt zum Violinisten Yehudi Menuhin und zu George Harrison von den Beatles. Shankar beschäftigte sich mit westlicher Musik, indem er Instrumentalkonzerte für Sitar und Orchester schrieb, und tourte weltweit in den 1970er- und 1980er-Jahren. Von 1986 bis 1992 war er ein ernanntes Mitglied der Rajya Sabha, des Oberhauses des indischen Parlaments. Shankar wurde 1999 mit Indiens höchstem zivilen Orden, dem Bharat Ratna, ausgezeichnet und war der Empfänger von vier Grammy Awards. Er trat bis kurz vor seinem Tod weiterhin weltweit auf, oft mit seiner Tochter Anoushka. Hans Neuhoff bezeichnete Shankar in Die Musik in Geschichte und Gegenwart (2006) als bekanntesten zeitgenössischen indischen Musiker.[2]

Jugend

Shankar wurde 1920 in Varanasi in eine wohlhabende und konservative Brahmanen-Familie von Bengalen als jüngster von sieben Brüdern geboren.[3][4][5] Shankars bengalischer Geburtsname war Rabindra Shankar Chowdhury. Sein Vater, Shyam Shankar, war ein Administrator für den Maharadscha von Jhalawar und verwendete die Hindi-Schreibweise des Familiennamens, von dem er den letzten Teil entfernte.[3][6] Shyam war mit Shankars Mutter Hemangini Devi verheiratet, war aber später als Rechtsanwalt in London tätig. Dort heiratete er ein zweites Mal, während Hemangini Rabindra in Varanasi erzog. Er traf seinen Sohn erst, als dieser acht Jahre alt war. Shankar verkürzte die Hindi-Version seines Vornamens, Ravindra, zu Ravi, für „Sonne“.[3]

Nachdem er sein erstes Lebensjahrzehnt in Varanasi verbracht hatte, reiste Shankar mit der Tanzgruppe seines Bruders Uday Shankar nach Paris.[7][8] Im Alter von 13 Jahren war er Mitglied der Gruppe, begleitete die anderen Mitglieder auf Tourneen und lernte zu tanzen und verschiedene indische Instrumente zu spielen.[4][5] Udays Tanzgruppe unternahm in den frühen bis zur Mitte der 1930er-Jahre Tourneen durch Europa und Amerika. Dabei lernte Shankar Französisch, entdeckte westliche klassische Musik, Jazz sowie das Kino und wurde generell mit westlicher Kultur bekannt. Shankar hörte den leitenden Musiker des Hofes von Maihar, Allauddin Khan, im Dezember 1934 bei einer Musikkonferenz in Kalkutta spielen. Uday überzeugte den Maharadscha von Maihar im Jahr 1935, es Khan zu ermöglichen, als Solist seine Gruppe auf einer Tour durch Europa zu begleiten. Shankar wurde während der Tour sporadisch von Khan unterrichtet und Khan bot Shankar eine Ausbildung zum professionellen Musiker an, unter der Bedingung, dass er alle Tourneen aufgeben und nach Maihar kommen müsse.[9]

Karriere

Ausbildung und Arbeit in Indien

Shankars Eltern waren bereits verstorben, als er von der Europa-Tour zurückkehrte. Tourneen in den Westen waren auf Grund der politischen Konflikte, die zum Zweiten Weltkrieg führen sollten, erschwert.[10] Shankar gab seine Tanzkarriere im Jahr 1938 auf, um nach Maihar zu reisen und unter Khan klassische indische Musik zu studieren und bei dessen Familie im traditionellen Gurukul-System zu leben.[7] Khan war ein strenger Lehrer und Shankar übte auf Sitar und Surbahar, lernte Ragas und die musikalischen Stile Dhrupad, Dhamar und Khyal und wurde in den Techniken der Instrumente Rudra Vina, Rubab und Sursingar unterrichtet.[7][11] Oft lernte er gemeinsam mit Khans Kindern Ali Akbar Khan und Annapurna Devi.[10] Shankar begann mit der Sitar im Dezember 1939 öffentlich aufzutreten; sein erster Auftritt bestand aus einem Jugalbandi (Duett) mit Ali Akbar Khan, der das Saiteninstrument Sarod spielte.[12]

Shankar schloss seine Ausbildung im Jahr 1944 ab. Anschließend zog er nach Mumbai und schloss sich der Theatergruppe Indian People’s Theatre Association an, für die er in den Jahren 1945 und 1946 Musik für Ballette komponierte.[4][13] Shankar komponierte im Alter von 25 Jahren die Musik für das bekannte Lied „Sare Jahan Se Achcha“ neu.[14][15] Er fing an, Musik für His Master’s Voice Indien aufzunehmen und arbeitete als musikalischer Leiter für All India Radio (AIR) Neu-Delhi von Februar 1949 bis Januar 1956.[4] Shankar gründete das Indian National Orchestra bei AIR und komponierte für es; seine Kompositionen experimentierten mit einer Mischung aus westlichen Instrumenten und klassischer indischer Instrumentation.[16] Ab Mitte der 1950er-Jahre komponierte er die Musik für die international anerkannte Apu-Trilogie von Satyajit Ray.[5][17]

Internationale Karriere 1956–1969

Tabla-Spieler Alla Rakha, ein häufiger musikalischer Begleiter Shankars, 1988

V. K. Narayana Menon, Direktor von AIR Delhi, stellte Shankar und den westlichen Geiger Yehudi Menuhin bei dessen ersten Besuch in Indien im Jahr 1952 vor.[18] Shankar war im Jahr 1954 als Teil einer kulturellen Delegation in der Sowjetunion aufgetreten und Menuhin lud Shankar im Jahr 1955 ein, in New York City im Rahmen einer Demonstration indischer klassischer Musik aufzutreten, die von der Ford Foundation gesponsert wurde. Shankar sagte seine Teilnahme wegen Problemen in seiner Ehe ab, empfahl aber, Ali Akbar Khan an seiner statt spielen zu lassen. Khan stimmte widerwillig zu und trat mit Tabla-Spieler Chatur Lal im Museum of Modern Art auf; er wurde später der erste indische klassische Musiker, der im amerikanischen Fernsehen spielte und für Angel Records ein vollständiges Raga aufnahm.[19]

Shankar kamen die positive Reaktionen auf Khans Spiel zu Ohren und er trat 1956 von seinem Posten bei AIR zurück, um im Vereinigten Königreich, Deutschland und den Vereinigten Staaten auf Tour zu gehen. Er spielte für kleineres Publikum, klärte über indische Musik auf, wobei er Ragas aus der südindischen karnatischen Musik einbezog, und nahm seine erste Schallplatte Three Ragas in London auf, die im Jahr 1956 veröffentlicht wurde.[20] Im Jahr 1958 nahm Shankar an den Feierlichkeiten zum zehnten Jahrestag der Vereinten Nationen und dem UNESCO-Festival in Paris teil. Seit 1961 tourte er in Europa, den Vereinigten Staaten sowie Australien und wurde der erste Inder, der Musik für nicht-indische Filme komponierte.[13] Chatur Lal begleitete Shankar auf den Tabla bis 1962, als Alla Rakha dessen Rolle einnahm.[20] Shankar gründete die Kinnara School of Music in Mumbai im Jahr 1962.[21]

Shankar freundete sich während seiner ersten Amerika-Tournee mit Richard Bock an, dem Gründer von World Pacific Records, und nahm die meisten seiner Alben in den 1950er- und 1960er-Jahren für Bocks Label auf.[20] The Byrds machten im selben Studio Aufnahmen und hörten dort Shankars Musik, was sie dazu veranlasste, einige derer Elemente in ihre eigene Musik aufzunehmen, was ihren Freund George Harrison von den Beatles an das Genre heranführte.[22] Harrison interessierte sich für klassische indische Musik, kaufte eine Sitar und benutzte sie zur Aufnahme des Liedes „Norwegian Wood (This Bird Has Flown)“. Dies führte dazu, dass indische Musik von anderen Musikern genutzt wurde und schuf die Raga-Rock-Strömung.[23]

Harrison traf Shankar 1966 in London und besuchte Indien für sechs Wochen, um in Srinagar unter Shankar Sitar zu lernen.[15][24][25] Während des Besuchs wurde von Howard Worth ein Dokumentarfilm über Shankar, genannt Raga, aufgenommen und im Jahr 1971 veröffentlicht.[26] Shankars Verbindung zu Harrison trug zu einer beträchtlichen Erhöhung seiner Bekanntheit bei und Ken Hunt von Allmusic würde später erklären, dass Shankar im Jahr 1966 der „berühmteste indische Musiker auf dem Planeten“ geworden war.[4][24] Im Jahr 1967 trat Shankar beim Monterey Pop Festival auf und gewann einen Grammy Award für die beste Kammermusik-Darbietung für West Meets East, einem Gemeinschaftswerk mit Yehudi Menuhin.[24][27] Im selben Jahr gewannen die Beatles den Grammy Award für das Album des Jahres für Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, das „Within You Without You“ von Harrison enthielt, ein Lied, das von klassischer indischer Musik beeinflusst war.[25][27] Shankar eröffnete im Mai 1967 eine Niederlassung der Kinnara School of Music in Los Angeles (Kalifornien) und veröffentlichte im Jahr 1968 eine Autobiografie, My Music, My Life (dt. „Meine Musik, mein Leben“).[13][21] Er trat beim Woodstock-Festival im August 1969 auf und befand, dass er die Veranstaltung nicht leiden könne.[24] In den 1970er-Jahren distanzierte sich Shankar von der Hippie-Bewegung.[28]

Internationale Karriere 1970–2012

George Harrison, US-Präsident Gerald Ford und Ravi Shankar am 13. Dezember 1974 im Oval Office
Shankar im März 2009 in Delhi

Im Oktober 1970 wurde Shankar Vorsitzender der Abteilung für indische Musik des California Institute of the Arts, nachdem er zuvor am City College of New York, der University of California, Los Angeles, und als Gastdozent an anderen Hochschulen und Universitäten einschließlich des Ali Akbar College of Music gelehrt hatte.[13][29][30] Ende 1970 lud das London Symphony Orchestra Shankar ein, ein Instrumentalkonzert mit Sitar zu komponieren; Concerto for Sitar and Orchestra wurde mit André Previn als Dirigent und Shankar an der Sitar aufgeführt.[5][31] Hans Neuhoff kritisierte in Die Musik in Geschichte und Gegenwart den Einsatz des Orchesters in diesem Konzert als „amateurhaft“.[2] Gemeinsam mit George Harrison organisierte Shankar das am 1. August 1971 im New Yorker Madison Square Garden stattfindende Konzert für Bangladesch.[24] Ende des Jahres kam ein aus drei LPs bestehender Mitschnitt heraus. The Concert for Bangladesh wurde zu einem der meistverkauften Musikalben, auf dem indische Musik vertreten ist, und bei der 15. Grammy-Awards-Verleihung als „Album des Jahres“ ausgezeichnet.[27][30]

Während der 1970er-Jahre arbeiteten Shankar und Harrison wieder zusammen, nahmen 1974 Shankar Family and Friends auf und tourten zu gemischten Kritiken durch Nordamerika, nachdem Shankar vorher auf Konzertreise durch Europa gewesen war.[32] Die anstrengende Tour durch Nordamerika schwächte Shankar und er erlitt im September 1974 in Chicago einen Herzanfall, der ihn zwang einen Teil der Tour abzusagen. In seiner Abwesenheit leitete Shankars Schwägerin, die Sängerin Lakshmi Shankar, das Tourneeorchester. Die Tourband besuchte das Weiße Haus auf Einladung von John Gardner Ford, Sohn von US-Präsident Gerald Ford.[33] Shankar tourte und lehrte für den Rest der 1970er- und 1980er-Jahre und veröffentlichte 1981 sein zweites Instrumentalkonzert, Raga Mala, dirigiert von Zubin Mehta (Sanskrit ragamala, „Kette von Ragas“).[34][35] Shankar wurde für einen Oscar für beste Filmmusik für seine Arbeit an Gandhi aus dem Jahr 1982 nominiert, unterlag aber John WilliamsE. T.[36] Er war Mitglied der Rajya Sabha, dem Oberhaus des indischen Parlaments, vom 12. Mai 1986 bis zum 11. Mai 1992, nachdem er vom indischen Premierminister Rajiv Gandhi ernannt worden war.[15][37] Shankar komponierte das Tanzdrama Ghanashyam im Jahr 1989.[21] Seine liberalen Ansichten zu musikalischer Zusammenarbeit führten dazu, dass er 1990 gemeinsam mit dem zeitgenössischen Komponisten Philip Glass das Album Passages herausbrachte.[7]

Shankar unterzog sich 1992 einer Angioplastie auf Grund von Herzproblemen, wonach sich George Harrison an mehreren von Shankars Projekten beteiligte. Wegen der positiven Resonanz, die Shankars Karrierenkompilation In Celebration im Jahr 1996 erhielt, schrieb Shankar eine zweite Autobiografie, Raga Mala, bei der Harrison als Lektor wirkte.[38] Shankar spielte 25 bis 40 Konzerte pro Jahr in den späten 1990er-Jahren.[7] Er lehrte seine Tochter Anoushka Shankar Sitar zu spielen und wurde 1997 ein Regent’s Lecturer an der University of California, San Diego.[39] In den 2000er-Jahren gewann Shankar einen Grammy Award für das beste Weltmusikalbum für Full Circle: Carnegie Hall 2000 und tourte mit Anoushka, die im Jahr 2002 ein Buch über ihren Vater, Bapi: Love of My Life, veröffentlichte.[27][40] Anoushka führte eine Komposition Shankars für das 2002 Harrison Gedenkkonzert Concert for George auf und Shankar selbst schrieb für Anoushka und das Orpheus Chamber Orchestra ein drittes Instrumentalkonzert für Sitar und Orchester.[41][42] Shankar spielte noch bis kurz vor seinem Tod auf Konzerten weltweit, zuletzt in 2011 und 2012 in den USA und Europa.[28]

Stil und Beiträge

Ravi Shankar in den 1970er Jahren beim Schiras-Kunstfestival im Iran

Shankar entwickelte einen Stil, der sich von dem seiner Zeitgenossen unterschied, und integrierte Einflüsse aus rhythmischen Praktiken der südindischen karnatischen Musik. Seine Aufführungen begannen mit einem Solo in Alap, Jor und Jhala (Einführung und Spiel mit Puls und schnellem Puls), beeinflusst vom langsamen und ernsten Dhrupad-Stil, gefolgt von einem Abschnitt mit Tabla-Begleitung, in dem Kompositionen aus dem vorherrschenden Khyal-Stil gespielt wurden. Shankar schloss seine Auftritte oft mit einem Stück ab, das vom leichten klassischen Thumri-Stil inspiriert war.[7]

Shankar wird als einer der bedeutendsten Sitar-Spieler der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts angesehen. Er popularisierte das Spiel auf der Bassoktave der Sitar für den Alap-Abschnitt und wurde für eine Spielweise mit kurzen schnellen Auslenkungen der Saiten in den mittleren und höheren Tonlagen und seine Klangerzeugung durch Anschläge auf und Abziehen der Hauptspielsaite bekannt.[2][7] Narayana Menon vom New Grove Dictionary merkte Shankars Vorliebe für rhythmische Experimente an, darunter den Einsatz unkonventioneller rhythmischer Zyklen.[43] Hans Neuhoff von Musik in Geschichte und Gegenwart argumentierte, dass Shankars Spielweise keine weite Verbreitung fand und dass er von anderen Sitar-Spielern beim Spiel melodischer Passagen übertroffen wurde. Shankars Zusammenspiel mit Alla Rakha vergrößerte die Wertschätzung für das Tabla-Spiel in nordindischer klassischer Musik.[2] Shankar förderte die Jugalbandi-Duett-Konzertform und führte neue Ragas ein, darunter Tilak Shyam, Nat Bhairav und Bairagi.[7]

Anerkennung

Shankar gewann den Silbernen Bär Sonderpreis bei den Internationalen Filmfestspielen Berlin 1957 für die Komposition der Musik des Films Kabuliwala.[44] Ihm wurde der Preis der Sangeet Natak Akademi für 1962 verliehen und er wurde zum Fellow der Akademie für 1975 erklärt.[45] Shankar erhielt die drei höchsten zivilen nationalen Ehrungen Indiens: den Padma Bhushan im Jahr 1967, den Padma Vibhushan im Jahr 1981 und den Bharat Ratna im Jahr 1999.[46] Er wurde mit dem Musikpreis des Internationalen Musikrats der UNESCO im Jahr 1975 ausgezeichnet und bekam vier Grammy Awards, wovon der Lifetime Achievement Award Shankar postum 2013 verliehen wurde.[13][27] Außerdem wurde Ravi Shankar für einen Oscar nominiert.[36] Shankar war Ehrendoktor an Universitäten in Indien und den Vereinigten Staaten.[13] Er erhielt den Kalidas Samman der Regierung von Madhya Pradesh für 1987–88, den Fukuoka Asian Culture Prize 1991, den Ramon-Magsaysay-Preis 1992 und den Polar Music Prize 1998.[47][48][49][50] Shankar war seit 1974 Ehrenmitglied der American Academy of Arts and Letters[51] und erhielt 1997 das Praemium Imperiale für Musik von der Japan Art Association.[7] Der amerikanische Jazz-Saxophonist John Coltrane benannte seinen Sohn Ravi Coltrane nach Shankar.[52]

Familie und Persönliches

Shankar im Jahr 1988

Shankar heiratete 1941 Allauddin Khans Tochter Annapurna Devi. Ihr gemeinsamer Sohn Shubhendra Shankar wurde 1942 geboren.[11] Nach der Trennung von Annapurna hatte Shankar ab den späten 1940er-Jahren eine Beziehung mit der Tänzerin Kamala Shastri. Eine Affäre mit Sue Jones, einer New Yorker Konzertproduzentin, führte zur Geburt von Norah Jones im Jahr 1979. Im Jahr 1981 wurde Anoushka Shankar als Tochter von Shankar und Sukanya Rajan geboren, die Shankar seit den 1970er-Jahren kannte. Nachdem er sich 1981 von Kamala Shastri trennte, lebte Shankar bis zum Jahr 1986 mit Sue Jones zusammen und heiratete 1989 Sukanya Rajan.[53]

Shubhendra „Shubho“ Shankar begleitete seinen Vater oft auf Tourneen. Er konnte die Sitar und Surbahar spielen, zog es aber vor, keine Solokarriere anzustreben. Er starb im Jahr 1992.[54] Norah Jones wurde in den 2000er-Jahren eine erfolgreiche Musikerin und gewann 2003 acht Grammy Awards. Anoushka Shankar war im selben Jahr für einen Grammy Award für Bestes Weltmusikalbum nominiert.[55]

Shankar war Hindu und Vegetarier.[56][57] Er lebte mit Sukanya in Südkalifornien.[28] Ravi Shankar starb am 11. Dezember 2012 nach kurzer Krankheit im Scripps Memorial Hospital in San Diego.[58]

Diskografie

Ravi Shankar begann in den 1950er Jahren Musik aufzunehmen.

  • Three Ragas (1956)
  • Improvisations (Album) (1962)
  • India’s Most Distinguished Musician (1962)
  • India’s Master Musician (1963)
  • Exciting Music of (1963)
  • In London (1964)
  • Ragas & Talas (1964)
  • Portrait of Genius (1964)
  • Sound of the Sitar (1965)
  • Live at Monterey (1967)
  • In San Francisco (1967)
  • West Meets East (1967)
  • At the Monterey Pop Festival (1967)
  • The Exotic Sitar and Sarod (1967)
  • A Morning Raga / An Evening Raga(1968)
  • The Sounds of India (1968)
  • In New York (1968)
  • Woodstock Festival (1969)
  • The Concert for Bangladesh (1971)
  • Transmigration Macabre (Soundtrack)(1973)
  • Homage to Mahatma Gandhi (1981)
  • Raga-Mala (Sitar Concerto No. 2) (1982)
  • Pandit Ravi Shankar (1986)
  • Tana Mana (1987)
  • Inside The Kremlin (1988)
  • Passages mit Philip Glass (1990)
  • Concert for Peace: Royal Albert Hall (1995)
  • Chants of India (1997)
  • Concerto for Sitar & Orchestra mit André Previn (1999)
  • Full Circle: Carnegie Hall 2000 (2001)
  • Between Two Worlds (2001)
  • Flowers of India (2007)
  • The Living Room Sessions Part 1 (2012)
  • In Hollywood 1971 (2016)

Bibliografie

  • Ravi Shankar: My Music, My Life. Hrsg.: Simon & Schuster. 1968, ISBN 0-671-20113-1.
  • Ravi Shankar: Learning Indian Music: A Systematic Approach. Hrsg.: Onomatopoeia. 1979, OCLC 21376688.
  • Ravi Shankar: Raga Mala: The Autobiography of Ravi Shankar. Hrsg.: Genesis Publications. 1997, ISBN 0-904351-46-7.

Literatur

KürzelVolltitel
Brockhaus[[Brockhaus Enzyklopädie]]. 19. Ed. Auflage. Band 20. F. A. Brockhaus GmbH, 1993, ISBN 3-7653-1120-0.
Ghosh, ShankarsGhosh Dibyendu: The Great Shankars. Hrsg.: Agee Prakashani. Dezember 1983, OCLC 15483971.
Lavezzoli, DawnPeter Lavezzoli: The Dawn of Indian Music in the West. Continuum International Publishing Group, 2006, ISBN 0-8264-1815-5 (englisch).
Massey, India MusicReginald Massey: The Music of India. Abhinav Publications, 1996, ISBN 81-7017-332-9 (englisch).
Menon, New GroveNarayana Menon: [[Grove Dictionary of Music and Musicians|The New Grove Dictionary of Music and Musicians]]. Hrsg.: Stanley Sadie. 1. Ed. Auflage. Band 17. Macmillan, London 1995, ISBN 1-56159-174-2 (englisch).
Neuhoff, GeschichteHans Neuhoff: Shankar, Ravi. In: Ludwig Finscher (Hrsg.): Die Musik in Geschichte und Gegenwart. 2. Auflage, Band 15, Bärenreiter, 2006, ISBN 3-7618-1122-5
Schaffner, LiverpoolNicholas Schaffner: The Boys from Liverpool: John, Paul, George, Ringo. Taylor and Francis, 1980, ISBN 0-416-30661-6 (englisch).
Sharma, Famous IndiansVishwamitra Sharma: Famous Indians of the 20th Century. Pustak Mahal, 2007, ISBN 81-223-0829-5 (englisch).
Slawek, New GroveStephen Slawek: The New Grove Dictionary of Music and Musicians. Hrsg.: Stanley Sadie. 2. Ed. Auflage. Band 23. Macmillan, London 2001, ISBN 0-333-60800-3 (englisch).

Weblinks

Commons: Ravi Shankar – Sammlung von Bildern, Videos und Audiodateien

Einzelnachweise

  1. afp.com: Todesfälle: TV: Indische Sitar-Legende Ravi Shankar ist tot. In: welt.de. 12. Dezember 2012, abgerufen am 7. Oktober 2018.
  2. a b c d Neuhoff, Geschichte, S. 672–673.
  3. a b c Lavezzoli, Dawn, S. 48
  4. a b c d e Ken Hunt: Ravi Shankar – Biography, Allmusic. Abgerufen im 26. Oktober 2010. (englisch) 
  5. a b c d Massey, India Music, S. 159
  6. Ghosh, Shankars, S. 7
  7. a b c d e f g h i Slawek, New Grove, S. 202–203
  8. Ghosh, Shankars, S. 55
  9. Lavezzoli, Dawn, S. 50
  10. a b Lavezzoli, Dawn, S. 51
  11. a b Lavezzoli, Dawn, S. 52
  12. Lavezzoli, Dawn, S. 53
  13. a b c d e f Ghosh, Shankars, S. 57
  14. Sharma, Famous Indians, S. 163–164
  15. a b c Arunabha Deb: Ravi Shankar: 10 interesting facts. Mint, 26. Februar 2009, abgerufen am 26. Oktober 2010 (englisch).
  16. Lavezzoli, Dawn, S. 56
  17. Richard Schickel: The Apu Trilogy (1955, 1956, 1959) (Memento des Originals vom 13. Oktober 2010 im Internet Archive), TIME, 12. Februar 2005. Abgerufen im 26. Oktober 2010. (englisch) 
  18. Lavezzoli, Dawn, S. 47
  19. Lavezzoli, Dawn, S. 57–59
  20. a b c Lavezzoli, Dawn, S. 61
  21. a b c Brockhaus, S. 199
  22. Lavezzoli, Dawn, S. 62
  23. Schaffner, Liverpool, S. 64
  24. a b c d e Philip Glass: George Harrison, World-Music Catalyst And Great-Souled Man; Open to the Influence Of Unfamiliar Cultures, The New York Times, 9. Dezember 2001. Abgerufen im 26. Oktober 2010. (englisch) 
  25. a b Allan Kozinn: George Harrison, „Quiet Beatle“ And Lead Guitarist, Dies at 58, The New York Times, 1. Dezember 2001. Abgerufen im 26. Oktober 2010. (englisch) 
  26. Howard Thompson: Screen: Ravi Shankar; ' Raga,' a Documentary, at Carnegie Cinema, The New York Times, 24. November 1971. Abgerufen im 26. Oktober 2010. (englisch) 
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  28. a b c Overview Ravi Shankar concerts. Aufgerufen im Januar 2018
  29. Ghosh, Shankars, S. 56
  30. a b Lavezzoli, Dawn, S. 66
  31. Lavezzoli, Dawn, S. 221
  32. Lavezzoli, Dawn, S. 195
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  36. a b Sean Piccoli: Ravi Shankar remains true to his Eastern musical ethos, South Florida Sun-Sentinel, 19. April 2005. Abgerufen im 26. Oktober 2010. (englisch) 
  37. 'Rajya Sabha Members'/Biographical Sketches 1952 - 2003. (PDF; 180 kB) Rajya Sabha, 6. Januar 2004, abgerufen am 26. Oktober 2010 (englisch).
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  41. Michael Idato: Concert for George, The Sydney Morning Herald, 9. April 2004. Abgerufen im 26. Oktober 2010. (englisch) 
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  43. Menon, New Grove, S. 220
  44. Archiv > Jahresarchive > 1957 > Preisträger. Internationale Filmfestspiele Berlin, abgerufen am 26. Oktober 2010.
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  46. Padma awards (Memento vom 29. März 2012 im Internet Archive)
  47. राष्ट्रीय कालिदास सम्मान (Nationaler Kalidas Samman) (Memento vom 21. Juli 2013 im Internet Archive)
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  51. Honorary Members: Ravi Shankar. American Academy of Arts and Letters, abgerufen am 22. März 2019.
  52. Peter Watrous: Pop Review; Just Music, No Oedipal Problems, The New York Times, 16. Juni 1998. Abgerufen im 26. Oktober 2010. (englisch) 
  53. Hard to say no to free love: Ravi Shankar. In: Press Trust of India. Rediff.com, 13. Mai 2003, abgerufen am 26. Oktober 2010 (englisch).
  54. Kristina Lindgren: Shubho Shankar Dies After Long Illness at 50, Los Angeles Times, 21. September 1992. Abgerufen im 26. Oktober 2010. (englisch) 
  55. Bijoy Venugopal: Norah’s night at the Grammys, Rediff.com, 24. Februar 2003. Abgerufen im 26. Oktober 2010. (englisch) 
  56. Lavina Melwani: In Her Father’s Footsteps, Rediff.com, 24. Dezember 1999. Abgerufen im 26. Oktober 2010. (englisch) 
  57. Signing up for the veg revolution (Memento desOriginals vom 9. April 2008 im Internet Archive), Screen, 8. Dezember 2000. Abgerufen im 26. Oktober 2010. (englisch) 
  58. India sitar maestro Ravi Shankar dies BBC News 12. Dezember 2012

Veröffentlichungen von André Previn die im OTRS erhältlich sind/waren:

Shankar: Concerto For Sitar & Orchestra

André Previn auf Wikipedia (oder andere Quellen):

André Previn (2012)

André George Previn (* 6. April 1929 als Andreas Ludwig Priwin in Berlin; † 28. Februar 2019 in New York[1]) war ein deutsch-amerikanischer Pianist, Komponist und Dirigent. Sein Werk umspannt Jazz, klassische Musik und Filmmusik, an mehreren berühmten Opernhäusern war er Chefdirigent oder Musikdirektor. Im Laufe seiner Karriere wurde er unter anderem mit elf Grammy Awards und vier Oscars ausgezeichnet.

Leben

Herkunft

André Previn wurde als drittes Kind des Rechtsanwalts Jakob Priwin (im späteren amerikanischen Exil nannte er sich Jack) und dessen Frau Charlotte, geb. Epstein, in Berlin geboren. Über das Geburtsjahr gibt es widersprüchliche Angaben (1929 oder 1930), auch von Previn selbst. Die Familie Priwin musste bei ihrer Flucht 1938 vor den Nationalsozialisten alles zurücklassen, so auch Unterlagen wie Geburtsurkunden. Mehr Indizien deuten allerdings auf 1929 als Geburtsjahr hin.[2] Previns Vater hatte zwar bereits ein Visum für die Vereinigten Staaten beantragt, wurde aber während der monatelangen Wartezeit darauf von einem Gestapo-Offizier gewarnt, dass eine Verhaftung bevorstehen würde, worauf die Familie überstürzt nach Frankreich floh[3]. Previn hatte zwei ältere Geschwister: Steve Previn (geboren als Stefan Priwin, 1925–1993), der später vor allem im Bereich Produktion für Film und Fernsehen arbeitete, und die Schwester Leonora (1927–1959).

Obwohl Previn als Kind Deutschland verlassen musste, blieb er nach Aussagen seiner letzten Ehefrau Anne-Sophie Mutter seiner Heimat bis ins Alter verbunden: "Er hat deutsche Literatur, deutsche Malerei wirklich geliebt. Er hat natürlich perfekt Deutsch gesprochen. Kannte Autoren, die man als Nicht-Deutsche nicht wirklich kennt, so wie Heinrich Böll."[3]

Die heutige Schreibweise des Familiennamens übernahm man im Exil von amerikanischen Verwandten, zu denen Charles Previn gehörte, ein Cousin zweiten Grades von Previns Vater, der unter anderem von 1936 bis 1944 Musikdirektor bei Universal in Hollywood war. André Previn war seit 1943 US-amerikanischer Staatsbürger.[4][5]

Ausbildung

Den ersten Musikunterricht erhielt André Previn von seinem Vater, einem Amateurmusiker. Von 1936 bis 1938 studierte Previn am Stern’schen Konservatorium (zu Previns Studienzeit von den Nationalsozialisten in Konservatorium der Reichshauptstadt Berlin umbenannt) unter anderem Klavier bei Rudolf Breithaupt.

Im Herbst 1938 floh die jüdische Familie Priwin vor der nationalsozialistischen Verfolgung nach Paris. Dort war Previn für ein Jahr als Student am Pariser Konservatorium eingeschrieben, wo er unter anderem Improvisation bei Marcel Dupré studierte (wahrscheinlich als Gasthörer („auditeur“) in Duprés Orgelklasse).[6] 1939 emigrierte die Familie in die Vereinigten Staaten und ließ sich in Los Angeles nieder. Zu Previns Lehrern in Los Angeles und San Francisco zählten Max Rabinowitsch, Joseph Achron, Ernst Toch, Mario Castelnuovo-Tedesco und Pierre Monteux, zu seinen weiteren Förderern Interpreten wie Jascha Heifetz (ein Freund der Familie) oder Joseph Szigeti, der Previn im Kammermusizieren schulte.[7]

In nicht geringem Maße war Previn jedoch Autodidakt, insbesondere als Komponist, Orchestrator, Dirigent und Jazzpianist. Als Schule verwies er in diesem Zusammenhang vor allem auf die Produktionsabläufe in Hollywood, wo er ab 1946 unter Vertrag stand. Diese ermöglichten ihm nicht nur den ständigen Austausch mit Kollegen wie Miklós Rózsa, Hugo Friedhofer oder Conrad Salinger, sondern auch ein stetes Lernen durch Handeln. Besonderes Renommee genoss er als Pianist und als vorzüglicher Vom-Blatt-Spieler, was seiner Laufbahn als Dirigent ab den sechziger Jahren entgegenkam. Previn komponierte zeitlebens mit Notenpapier und Stift am Schreibtisch, ohne Zuhilfenahme von Klavier oder Notensatzprogrammen, um sich eine eigene Vorstellung vom Klang des Komponierten verschaffen zu können.[8]

Werdegang

André Previn (1973)

Art Tatums Sweet Lorraine brachte Previn dazu, sich mit dem Jazz zu beschäftigen. Mit dreizehn Jahren begann Previn seine Karriere mit Radioaufnahmen, u. a. mit Hoagy Carmichael. Mit fünfzehn gab er ein Jazz-Konzert im Konzertsaal des Los Angeles Philharmonic Orchestra. Sein damaliger Impresario Laguna gründete dann eine Schallplattenfirma, für die Previn 1945/46 seine ersten Aufnahmen machte, unter anderem mit Jazzmusikern wie Willie Smith und Red Callender. Aufgenommen wurden auch Previns eigene Kompositionen wie Sunset in Blue. Er zählte zu den erstklassigen Jazzmusikern der Vereinigten Staaten und spielte mit Ray Brown, Dizzy Gillespie sowie Billie Holiday. Für das Trioalbum My Fair Lady mit Shelly Manne und Leroy Vinnegar erhielt er 1956 die erste Goldene Schallplatte der Jazzgeschichte.

Auch als Filmkomponist betätigte sich Previn, beispielsweise für die Musik zu Three Little Words (1950), die auch von ihm dirigiert wurde. Die Musik zum Film Mädchen ohne Mitgift (The Catered Affair) (1956) stammt ebenso von ihm wie die Musik für die Filmkomödie Gigi (1958), für die er einen seiner vier Oscars für Filmmusik erhielt. Auch die Musik für die Filmkomödie Eins, Zwei, Drei (1961) ist von Previn.

Er dirigierte auch Kinofilmmusik, etwa Akt der Gewalt (1948), Ein verwöhntes Biest (1953), Küß mich, Kätchen! (1953), Seidenstrümpfe (1957), Porgy und Bess (1959), My Fair Lady (1964), Jesus Christ Superstar (1973), Rollerball (1975), Der Elefantenmensch (1980).

Previn mit dem Los Angeles Philharmonic Orchestra (1985)

Previn war vor allem als Dirigent symphonischer Orchester berühmt. Seine Orchesterleiter-Posten waren:

Mit einem vielfältigen kompositorischen Schaffen ergänzte Previn sein Wirken für die klassische Musik. Uraufführung seiner Oper Endstation Sehnsucht (A Streetcar Named Desire) war am 19. September 1998 im War Memorial Opera House von San Francisco. Sein Violinkonzert (2002) schrieb er für Anne-Sophie Mutter.

Previn wurde 1996 von Königin Elisabeth II. mit dem Orden Knight Commander of the British Empire (KBE) ausgezeichnet; im Jahr 2005 erhielt er den Glenn-Gould-Preis. Ende März 2011 erhielt er aus der Hand des deutschen Generalkonsuls in New York das Große Verdienstkreuz mit Stern der Bundesrepublik Deutschland. 2012 wurde er in die American Academy of Arts and Sciences gewählt.

Ehen und Kinder

Previn war fünf Mal verheiratet und war Vater bzw. Adoptivvater von insgesamt neun Kindern.[4][5]

Seine erste Ehe mit der Jazzsängerin Betty Bennett, die er während seiner Militärzeit in San Francisco kennengelernt hatte, dauerte von 1952 bis 1957. Previn war 1952 dorthin versetzt worden. Das war eine nicht nur in privater Hinsicht glückliche Fügung. Schon während seines Wehrdienstes konnte Previn dort einige Zeit bei Pierre Monteux, seit 1935 Leiter des San-Francisco-Symphony-Orchestra, Dirigierunterricht nehmen. Zeitgleich führten ihn seine Frau und Chet Baker, ein Kamerad vom Militärdienst, in die lokale Szene des West-Coast-Jazz ein. Beide Erfahrungen sollten Previns weiteren künstlerischen Weg maßgeblich prägen. Aus der Ehe mit Bennett gingen zwei Töchter hervor. Bennett und Previn arbeiteten zu dieser Zeit auch an mehreren Jazzprojekten auf der Bühne und im Tonstudio zusammen, unter anderem dokumentiert durch die Alben Betty Bennett (1953) und Nobody Else but Me. Betty Bennett Sings the Arrangements of Shorty Rogers & André Previn (1955).[9] In den 1990er Jahren formte Previn wiederholt auf Tourneen und Tonträgern Ensembles mit dem Jazzgitarristen Mundell Lowe, Bennetts späterem Ehemann und Stiefvater von Previns Töchtern.

Previns zweite Ehe mit Dory Langdon, die von 1959 bis 1970 bestand, blieb kinderlos. Dory und André Previn schrieben während der späten 1950er und 1960er Jahre zahlreiche gemeinsame Lieder für Filme und für Alben von Jazz- und Popkünstlern wie Doris Day. Ihre Lieder The Faraway Part of Town (aus dem Film Pepe) und A Second Chance (aus dem Film Two for the Seesaw) waren 1960 bzw. 1962 für einen Oscar in der Kategorie Best Original Song nominiert. Ihr größter gemeinsamer Erfolg war das Stück (Theme from) Valley of the Dolls (1967, aus dem gleichnamigen Film), das in der Fassung von Dionne Warwick und Burt Bacharach Platz 2 der maßgeblichen amerikanischen Hitparade, der Billboard Hot 100, erreichte. Die Ehe zerbrach 1968, als Previn mit Mia Farrow eine Beziehung einging. Da Dory den Nachnamen Previn beibehielt und zu Beginn der 1970er Jahre eine sehr erfolgreiche Phase als Singer/Songwriter erlebte, die vor allem auf autobiografischen, die Trennung verarbeitenden Liedern wie Beware of Young Girls gründete, blieb die Art der Trennung noch lange in den Schlagzeilen. Als Akt der Versöhnung wirkt das späte gemeinsame Orchesterlied The Magic Number (1997).[10]

André Previn und Mia Farrow heirateten 1970. Die Ehe dauerte bis 1979. Beide arbeiteten gelegentlich künstlerisch zusammen, so etwa 1973 für eine Aufnahme von Sergei Prokofjews Peter und der Wolf op. 67 mit Farrow als Erzählerin.[11] Gemeinsam haben sie drei leibliche Kinder und drei Adoptivkinder. Die von Previn und Farrow gemeinsam adoptierte Tochter Soon-Yi ist heute mit dem Regisseur Woody Allen verheiratet, der nach Farrows Scheidung von Previn zwischenzeitlich auch mit Mia Farrow liiert war.

Von 1982 bis 1999 war Previn mit Heather Hales verheiratet. Der gemeinsame Sohn Lukas (* 1984) ist als Gitarrist im Punk- und Rock-Bereich ebenfalls professioneller Musiker.

Von 2002 bis 2006 war Previn in fünfter Ehe mit der Geigerin Anne-Sophie Mutter verheiratet. Sie ist neben dem Boston Symphony Orchestra zur wichtigsten Interpretin und Auftraggeberin seiner späten Kunstmusik geworden. Sein 2002 von ihr uraufgeführtes Violinkonzert trägt ihren Namen. Es war Previns Verlobungsgeschenk an Anne-Sophie Mutter und eine Reminiszenz an seine frühe Jugend in Berlin mit dem Thema seines Lieblingskinderliedes "Wenn ich ein Vöglein wär" im letzten Satz.[3] Allein sechs Kompositionen Previns bot sie zwischen 2001 und 2012 erstmals öffentlich dar. Beide haben auch mehrere Tonaufnahmen zusammen produziert, sowohl von Kompositionen Previns als auch mit Werken Dritter wie den Violinkonzerten von Leonard Bernstein, Erich Wolfgang Korngold, Peter Tschaikowsky und Jean Sibelius. Sie konzertierten regelmäßig gemeinsam.[12] Die Scheidung erfolgte laut Presseberichten aufgrund des großen Altersunterschiedes von 34 Jahren und dem durch den vollen Terminkalender seiner Frau als damals gefragtester Geigensolistin der Welt geprägten Leben des Paares.[13]

Kompositionen

Werkverzeichnis

Previn hat Filmmusik (einschließlich zahlreicher Lieder), Jazzstücke und Kunstmusik verfasst. Zu seinen frühesten Kompositionen, die wenigstens der Gattung nach überliefert sind, zählen einige Studienwerke aus den mittleren 1940er Jahren (Klarinettensonate, Streichquartett, Rhapsody für Violine und Orchester und einige Kunstlieder). Diese Stücke entstanden parallel zu seinen ersten Arbeiten in Hollywood (ab 1946) und seinen ersten Jazzaufnahmen (ab 1945). Für ein vollständiges Werkverzeichnis einschließlich Uraufführungsdaten, -orten und -interpreten sowie Namen und Quellen zu verlorenen Werken (insbesondere der frühen Kammer- und Orchestermusik), abgebrochenen Projekten (wie der Oper Silk oder der Filmmusik zu Goodbye, Mr. Chips), abgelehnten Stücken (wie der Filmmusik zu See No Evil) und zurückgezogenen Kompositionen (wie dem Cellokonzert Nr. 1) siehe Frédéric Döhl: André Previn. Musikalische Vielseitigkeit und ästhetische Erfahrung, Stuttgart 2012, pp. 295–319.[14]

Opern

  • A Streetcar Named Desire (1997, uraufgeführt in San Francisco 1998)
  • Brief Encounter (2007, uraufgeführt in Houston 2009)

Theater

  • A Party with Betty Comden & Adolph Green (1958) – eine Revue auf Basis von Texten Previns zu Lyrics von Comden & Green
  • Coco (uraufgeführt in New York 1969) – ein Musical mit Texten von Alan Jay Lerner
  • The Good Companions (uraufgeführt in London 1974) – ein Musical nach einem Buch von Ronald Harwood mit Texten von Johnny Mercer
  • Schauspielmusik für Every Good Boy Deserves Favour (uraufgeführt in London 1977) – ein Stück für Schauspieler und Orchester von Tom Stoppard

Orchestermusik (Auswahl)

  • Overture to a Comedy (uraufgeführt in Los Angeles 1963)
  • Cellokonzert Nr. 1 (uraufgeführt in Houston 1968)
  • Konzert für Gitarre, Jazztrio und Orchester (uraufgeführt in London 1971)
  • Principals für Orchester (uraufgeführt in Pittsburgh 1980)
  • Reflections für Englischhorn und Orchester (uraufgeführt in Saratoga Springs 1981)
  • Klavierkonzert (uraufgeführt in London 1985)
  • Diversions für Orchester (uraufgeführt in Salzburg 2000)
  • Violinkonzert “Anne-Sophie” (uraufgeführt in Boston 2002):
  • Night Thoughts für Orchester (uraufgeführt in Sacramento 2006)
  • Doppelkonzert für Violine, Kontrabass und Orchester (uraufgeführt in Boston 2007)
  • Harfenkonzert (uraufgeführt in Pittsburgh 2007)
  • Owls für Orchester (uraufgeführt in Boston 2008)
  • Doppelkonzert für Violine, Viola und Orchester (uraufgeführt in New York 2009)
  • Cellokonzert Nr. 2 (uraufgeführt in Leipzig 2011)
  • Triplekonzert für Horn, Trompete und Tuba (uraufgeführt in Pittsburgh 2012)
  • Music for Boston für Orchester (uraufgeführt in Tanglewood 2012)
  • Konzert für Violine und Streicher (uraufgeführt in Trondheim 2012)
  • Music for Wind Orchestra (No Strings Attached) (uraufgeführt in Rochester/NY 2014)
  • Doppelkonzert für Violine, Violoncello und Orchester (uraufgeführt in Cincinnati 2014)
  • Can Spring Be Far Behind? für Orchester (uraufgeführt in Greensboro/NC 2016)
  • Almost an Overture für Orchester (uraufgeführt in Newport/RI 2017)[15]

Kammermusik (Auswahl)

  • Four Outings for Brass (uraufgeführt in London 1974)
  • Two Little Serenades für Violine und Klavier (uraufgeführt in New York 1974)
  • Peaches für Flöte und Klavier (ca. 1978)
  • Triolet for Brass (ca. 1985)
  • A Wedding Waltz für 2 Oboen und Klavier (ca. 1986)
  • Cellosonate (uraufgeführt in Amsterdam 1993)
  • Trio für Klavier, Oboe und Fagott (uraufgeführt in New York 1996)
  • Violinsonate (Nr. 2) Vineyard (uraufgeführt in New York 1996)
  • Fagottsonate (uraufgeführt in New York 1999)
  • Tango Song and Dance für Violine und Klavier (uraufgeführt in Luzern 2001)
  • Streichquartett (mit Sopran im dritten Satz) (uraufgeführt in New York 2003)
  • Klaviertrio Nr. 1 (uraufgeführt in New York 2009)
  • Klarinettensonate (uraufgeführt in Prag 2010)
  • Octet for Eleven (uraufgeführt in Boston 2010)
  • Klarinettenquintett (uraufgeführt in Boston 2011)
  • Klaviertrio Nr. 2 (uraufgeführt in New York 2012)
  • Violinsonate Nr. 3[16] (uraufgeführt in New York 2013)
  • Nonet (uraufgeführt in Edinburgh 2015)
  • Morning Rain and Warm Evening für Violine und Klavier (Uraufführung noch offen[17])

Klaviermusik (Auswahl)

  • Impressions for Piano (ca. 1964)
  • Paraphrase on a Theme of William Walton (uraufgeführt in London 1973)
  • Invisible Drummer. Five Preludes (uraufgeführt in Liverpool 1974)
  • Five Pages from My Calendar (ca. 1978)
  • Matthew’s Piano Book (ca. 1979)
  • Variations on a Theme by Haydn (ca. 1990)

Lieder und Liedzyklen

  • Five Songs, Texte von Philip Larkin (uraufgeführt in London 1977)
  • Honey and Rue for Soprano, Jazz Band and Orchestra, Texte von Toni Morrison (uraufgeführt in New York 1992)
  • Sallie Chisum Remembers Billy the Kid, Texte von Michael Ondaatje (uraufgeführt in Tanglewood 1994)
  • Four Songs, Texte von Toni Morrison (uraufgeführt in New York 1994)
  • Vocalise (uraufgeführt in Tanglewood 1995)
  • Three Dickinson Songs, Texte von Emily Dickinson (uraufgeführt in Quebec 1999)
  • The Giraffes Go to Hamburg, Text von Karen Blixen (uraufgeführt in Newark 2000)
  • Four Songs, Texte von Philip Larkin und William Carlos Williams (uraufgeführt in New York 2004)
  • Sieben Lieder, Texte von Theodor Storm (US-Premiere in San Francisco 2006)

Filmmusik (Auswahl)

Eigenkompositionen

Adaptionen von Filmmusik/Liedern Dritter für den Film

Adaptionen von Musicals oder Opern Dritter für den Film

Adaptionen Klassischer Musik für den Film

Jazz- und Popsongs (aus Soundtracks oder von Jazzalben – Auswahl)

  • Like Young, Text der Liedfassung: Paul Francis Webster (1959, von Previns Album Like Young. Secret Songs for Young Lovers — aufgenommen u. a. von Ella Fitzgerald und Perry Como)
  • Why Are We Afraid?, Text der Liedfassung: Dory Previn (1960, für den Film The Subterraneans — aufgenommen u. a. von André Previn (für den Soundtrack) und Art Pepper)
  • The Faraway Part of Town und That’s How It Went, All Right, Texte von Dory Previn (1960, für den Film PepeThe Faraway Part of Town wurde im Film von Judy Garland gesungen und erhielt eine Oscar-Nominierung in der Kategorie "Best Original Song of 1960"; That’s How It Went, All Right wurde im Film von Bobby Darin – mit Previn als Klavierbegleiter (im Bild))
  • A Second Chance, Text von Dory Previn (1962, für den Film Two for the Seesaw, Oscar-Nominierung in der Kategorie "Best Original Song of 1962")
  • You’re Gonna Hear from Me, The Circus Is a Wacky World, Texte von Dory Previn (1965, für den Film Inside Daisy CloverYou’re Gonna Hear From Me wurde u. a. aufgenommen von Shirley Bassey, Bill Evans (zweifach), Ella Fitzgerald, André Previn (zweifach), Diana Ross and the Supremes, Frank Sinatra, Barbra Streisand, Stanley Turrentine, Scott Walker und Andy Williams)
  • Livin' alone, Text der Liedfassung: Dory Previn (1966, für den Film Harper – aufgenommen u. a. von André Previn (für den Soundtrack))
  • (Theme from) Valley of the Dolls, It’s Impossible, Come Live with Me, I’ll Plant My Own Tree and Give a Little More, Texts by Dory Previn (1967, für den Film Valley of the Dolls(Theme from) Valley of the Dolls wurde u. a. aufgenommen von Dionne Warwick und Burt Bacharach, Gladys Knight and the Pips und Smokey Robinson and the Miracles)
  • The First Thing You Know, A Million Miles Away Behind the Door, The Gospel of No Name City, Best Things and Gold Fever, Texts by Alan Jay Lerner (1969, für den Film Paint Your Wagon)

Diskographie

Previn hat seit 1945 als Pianist und Dirigent hunderte Tonträger produziert: Filmsoundtracks, Jazzalben, Easy-Listening-Platten, Aufnahmen von Klassischer Musik und eigenen Kunstmusikkompositionen. Hinzu kommen zahlreiche Aufnahmen Dritter von Werken Previns. Besonders gelungen sind seine Einspielungen sinfonischer Werke von Rachmaninow, Schostakowitsch und Vaughan Williams sowie der Ballette von Tschaikowski. Eine umfassende Diskographie (einschließlich LP/CD-Nummern) findet sich in Frédéric Döhls Buch über André Previn.[19]

Diskographische Auswahl

Einspielungen klassischer Musik:

  • 1960: CL 1495 – Gershwin: Concerto in F · Rhapsody in Blue – Previn · Kostelanetz
  • 1961: MS 6239 – Hindemith: Piano Sonata No. 3 · Barber · Martin – Previn
  • 1962: MS 6346 – Poulenc: 3 Pieces · Suite Française · Roussel: 3 Pieces · Sonatine – Previn
  • 1962: MS 6392 – Shostakovich: Piano Concerto No. 1 · Poulenc: Concerto for 2 Pianos – Previn · Bernstein
  • 1963: MS 6463 – Mendelssohn: Piano Trio No. 1 · Fauré: Piano Trio – Previn · Roth · Schuster
  • 1964: MS 6583 – Copland: The Red Pony · Britten: Sinfonia da Requiem – Previn
  • 1964: MS 6586 – Mozart: 12 Variations · Mendelssohn · Mussorgsky · Lieberson – Previn
  • 1965: LSC-2788 – Rachmaninoff: Piano Concertos Nos. 1 & 4 – Pennario · Previn
  • 1965: LSC-2801 – Khachaturian: Piano Concerto · Bloch: Scherzo fantasque – Hollander · Previn
  • 1966: LSC-2866 – Shostakovich: Symphony No. 5 – London Symphony Orchestra · Previn
  • 1966: LSC-2884 – Tchaikovsky: Symphony No. 2 · Lyadov – London Symphony Orchestra · Previn
  • 1966: LSC-2899 – Rachmaninoff: Symphony No. 2 – London Symphony Orchestra · Previn
  • 1966: LSC-2907 – Franck · Debussy: Violin Sonatas – Friedman · Previn
  • 1967: LSC-2927 – Walton: Symphony No. 1 – London Symphony Orchestra · Previn
  • 1967: LSC-2961 – Nielsen: Symphony No. 1 · Saul og David – London Symphony Orchestra · Previn
  • 1967: LSC-2945 – Françaix · Satie · Ibert – Lancie · London Symphony Orchestra · Previn
  • 1967: LSC-2983 – Right as the Rain – Price · Previn
  • 1968: LSC-2990 – Rachmaninoff: Symphony No. 3 · The Rock – London Symphony Orchestra · Previn
  • 1968: LSC-3000 – Mozart: The Impresario – Grist · Raskin · Lewis · Milnes · Previn
  • 1968: LSC-3042 – Rimsky-Korsakov: Scheherazade – London Symphony Orchestra · Previn
  • 1969: LSC-3073 – Lalo: Symphonie espagnole · Ravel: Tzigane – Perlman · Previn
  • 1969: LSC-3066 – Vaughan Williams: Sinfonia Antartica (No. 7) – London Symphony Orchestra · Previn
  • 1970: LSC-3114 – Vaughan Williams: Symphonies Nos. 6 & 8 –* London Symphony Orchestra · Previn
  • 1970: LSC-3135 – Strauss: Der Rosenkavalier Suite · Don Juan – London Symphony Orchestra · Previn
  • 1970: LSC-3170 – Vaughan Williams: A Sea Symphony (No. 1) – London Symphony Orchestra · Previn
  • 1970: LSC-3178 – Vaughan Williams: Concerto Accademico · Symphony No. 4 – Buswell · Previn
  • 1971: LSC-3231 – Villa-Lobos: Guitar Concerto · Etude · 5 Preludes – Bream · Previn
  • 1971: LSC-3239 – Mendelssohn: Piano Concerto No. 1 · Sonate écossaise – Kalichstein · Previn
  • 1972: LSC-3244 – Vaughan Williams: Symphony No. 5 – London Symphony Orchestra · Previn
  • 1972: LSC-3280 – Vaughan Williams: Symphony No. 9 – London Symphony Orchestra · Previn
  • 1972: LSC-3281 – Vaughan Williams: Pastoral Symphony (No. 3) – London Symphony Orchestra · Previn
  • 1970: LSC-3282 – Vaughan Williams: A London Symphony (No. 2) – London Symphony Orchestra · Previn
  • 1970: M 31963 – Previn: Guitar Concerto · Ponce: Concierto del sur – Williams · Previn
  • 1978: AGL1-2703 – Mendelssohn: Symphony No. 4 · Prokofiev: “Classical” Symphony – Previn
  • 1978: ABL1-2855 – Previn: Every Good Boy Deserves Favour – London Symphony Orchestra · Previn
  • 1979: M 35149 – Rochberg: Violin Concerto – Stern · Pittsburgh Symphony Orchestra · Previn
  • 1984: IM 39153 – Chopin · Saint-Saëns: Piano Concertos Nos. 2 – Licad · Previn
  • 1985: IM 39541 – Elgar · Walton: Cello Concertos – Ma · London Symphony Orchestra · Previn
  • 1986: RCD1-7199 – Beethoven: Piano Concertos Nos. 1 & 2 – Ax · Royal Philharmonic Orchestra · Previn
  • 1986: RC1-5854 – Beethoven: Piano Concerto No. 5 – Ax · Royal Philharmonic Orchestra · Previn
  • 1987: RL 85930 – Beethoven: Piano Concertos Nos. 3 & 4 – Ax · Royal Philharmonic Orchestra · Previn
  • 1988: 7747-1-RC – Beethoven: Symphony No. 6 “Pastoral” – Royal Philharmonic Orchestra · Previn
  • 1988: 7748-1-RC – Beethoven: Symphony No. 7 – Royal Philharmonic Orchestra · Previn
  • 1988: 7777-1-RC – Beethoven: Violin Concerto – Swensen · Royal Philharmonic Orchestra · Previn
  • 1989: 7894-2-RC – Beethoven: Symphony No. 5 – Royal Philharmonic Orchestra · Previn
  • 1990: RD 60362 – Beethoven: Symphonies Nos. 4 & 8 – Royal Philharmonic Orchestra · Previn
  • 1992: SK 48235 – A Carnegie Hall Christmas Concert – Battle · Von Stade · Marsalis · Previn
  • 1992: 09026613842 – Schumann: Piano Quartets – Previn · Kim · Ohyama · Hoffman
  • 1993: 09026603632 – Beethoven: Symphony No. 9 – Royal Philharmonic Orchestra · Previn
  • 1993: 09026607132 – Mozart: Piano Quartets – Previn · Kim · Ohyama · Hoffman
  • 1995: 09026680442 – Mozart: Concerto & Sonata for 2 Pianos – De Larrocha · Previn · Orchestra of St. Luke’s
  • 1995: 09026680622 – Ravel · Debussy: Piano Trios – Previn · Rosenfeld · Hoffman
  • 1995: 09026681812 – Poulenc: Sextet · Milhaud: La Création du monde · Saint-Saëns – Previn
  • 1997: SK 62004 – Previn: Cello Sonata · 4 Songs · 2 Remembrances · Vocalise – McNair · Ma · Previn
  • 1998: 09026632922 – Walton: Viola Concerto · Maxwell Davies: Violin Concerto – Bashmet · Stern · Previn

Literatur

Deutsch

  • Frédéric Döhl: Book Musicals im Jazz um 1960: André Previns ›Modern Jazz Performances‹ von My Fair Lady (1956) und Porgy & Bess (1959). In: Lied und populäre Kultur/Song and Popular Culture. Jahrbuch des Deutschen Volksliedarchivs. 58 (2013), S. 73–105 (Aufsatz über Previns Ästhetik als Bearbeiter und sein Wirken im Jazz um 1960).
  • Frédéric Döhl: Brief Encounter: Zu David Leans Film (1945) und André Previns Oper (2009). In: Archiv für Musikwissenschaft, 70/4, 2013, S. 311–332; Abstract (Memento vom 5. März 2016 im Webarchiv archive.today) (Aufsatz über Previns Oper Brief Encounter [2009] und ihr Verhältnis zu David Leans berühmter gleichnamiger Filmfassung (1945) des Noël-Coward-Stoffes).
  • Frédéric Döhl: André Previn. In: Hanns-Werner Heister/Walter Wolfgang Sparrer (Hrsg.): Komponisten der Gegenwart. München 2013 (enthält Notenbeispiele, volles Werkverzeichnis, Auswahlfilmographie und -diskographie). Siehe auch: André Previn im Munzinger-Archiv, abgerufen am 18. März 2020 (Artikelanfang frei abrufbar)
  • Frédéric Döhl: André Previn. Musikalische Vielseitigkeit und ästhetische Erfahrung. Stuttgart 2012 (Biografie mit Schwerpunkt auf Previns musikalischer Vielseitigkeit und ihrer Rezeption - mit sehr vielen Interviewauszügen, Notenbeispielen, Werkverzeichnis und Diskographie).
  • Frédéric Döhl: Movie for the stage? Zu André Previns Opern. In: Archiv für Musikwissenschaft. 69/1 (2012), S. 51–64, JSTOR:41446015 (Aufsatz über Previns Oper A Streetcar Named Desire (1998) und die weitverbreitete Filmmusikanalogie in Urteilen über Previns Opern).
  • Frédéric Döhl: André George Previn. In: Claudia Maurer Zenck, Peter Petersen (Hrsg.): Lexikon verfolgter Musiker und Musikerinnen der NS-Zeit. Hamburg 2012.
  • Frédéric Döhl: If the Image is valid. André Previn und die Rezeption musikalischer Diversifikation. In: Miriam Drewes, Ruth Reiche, Iris Romanos, Berenika Szymanski-Düll (Hrsg.): Transformationen – Entgrenzung in den Künsten. Bielefeld 2011, ISBN 978-3-8376-1919-5, S. 96–113 (Buch).
  • Heike Fricke: Previn, André. In: Ludwig Finscher (Hrsg.): Die Musik in Geschichte und Gegenwart. Zweite Ausgabe, Personenteil, Band 13 (Paladilhe – Ribera). Bärenreiter/Metzler, Kassel u. a. 2005, ISBN 3-7618-1133-0, Sp. 926–927 (Online-Ausgabe, für Vollzugriff Abonnement erforderlich)
  • Ferdinand Kahn: Erfolg. In: Aufbau, 13. Jahrgang, Nummer 48, 28. November 1947, S. 21; archive.org (Erinnerungen eines Zeitzeugen an den jungen Previn).
  • André-George Previn (früher: Andreas Ludwig Priwin). In: Habakuk Traber, Elmar Weingarten (Hrsg.): Verdrängte Musik. Berliner Komponisten im Exil. Argon, Berlin 1987, ISBN 3-87024-118-7, S. 311 f.

Englisch

  • Martin Bookspan, Ross Yockey: André Previn. A Biography. Garden City/ New York 1981. (Biographie mit Fotos und sehr vielen Interviewauszügen)
  • Frédéric Döhl: André Previn. In: Transatlantic Perspectives. Europe in the Eyes of European Immigrants to the United States, 1930–1980. German Historical Institut Washington DC, Washington 2012.
  • Frédéric Döhl: André Previn. In: Charles Hiroshi Garrett (Hrsg.): New Grove Dictionary of American Music. 2. Auflage. Oxford University Press, New York 2013, Band 6, S. 597–599.
  • Frédéric Döhl, About the Task of Adapting a Movie Classic for the Opera Stage: On André Previn’s A Streetcar Named Desire (1998) and Brief Encounter (2009). In: Frédéric Döhl & Gregor Herzfeld (Hrsg.): In Search of the Great American Opera: Tendenzen des amerikanischen Musiktheaters. Münster 2016, S. 147–175.
  • Michael Freedland: André Previn. London 1991. (Biographie mit Fotos und sehr vielen Interviewauszügen)
  • Edward Greenfield: Previn, André (George) [Priwin, Andreas Ludwig]. In: Grove Music Online (englisch; Abonnement erforderlich).
  • Edward Greenfield: André Previn. London/ New York 1973. (Biographie mit Fotos, einigen Interviewauszügen und einer kleinen Auswahldiskographie)
  • Lawrence Kramer: The Great American Opera: Klinghoffer, Streetcar, and the Exception. In: The Opera Quarterly. 23/1 (2007), S. 66–80. (Aufsatz über Previns Oper A Streetcar Named Desire (1998) und John Adams’ Oper The Death of Klinghoffer (1991))
  • David McKee: A Streetcar Named Desire. André Previn. In: The Opera Quarterly. 16/4 (2000), S. 718–723. (Rezension des Tonträgerveröffentlichung des Uraufführungsmitschnitts der Oper A Streetcar Named Desire (1998))
  • André Previn: No Minor Chords. My Days in Hollywood. New York 1991. (Autobiographie mit Schwerpunkt auf den Hollywood-Jahren 1945–1967 und der dortigen Filmarbeit, aber mit Anmerkungen auch zum frühen Wirken in Jazz und Klassischer Musik; enthält Fotos)
  • André Previn (Hrsg.): Orchestra. London 1979. (mit einer langen, autobiografisch gefärbten Einleitung Previns)
  • André Previn, Antony Hopkins: Music Face to Face. London 1971. (Interviewbuch mit Schwerpunkt auf Klassischer Musik, aber auch mit Anmerkungen zu Jazz und Filmmusik)
  • Helen Drees Ruttencutter: Previn. New York 1985 (Biografie mit einigen Interviewauszügen).

Weblinks

Commons: André Previn – Sammlung von Bildern, Videos und Audiodateien

Einzelnachweise

  1. André Previn dies at the age of 89. In: BBC News. 28. Februar 2019 (englisch).
  2. Frédéric Döhl: André Previn. Musikalische Vielseitigkeit und ästhetische Erfahrung. Stuttgart 2012, S. 51–53.
  3. a b c Falk Häfner: Anne-Sophie Mutter im Interview "André Previn hat mich musikalisch befreit". BR Klassik (Bayrischer Rundfunk), 16. Mai 2022, abgerufen am 31. März 2023.
  4. a b Frédéric Döhl: André George Previn. In: Claudia Maurer Zenck, Peter Petersen (Hrsg.): Lexikon verfolgter Musiker und Musikerinnen der NS-Zeit. Hamburg 2012.
  5. a b Frédéric Döhl, André Previn. In: German Historical Institut Washington DC: Transatlantic Perspectives. Europe in the Eyes of European Immigrants to the United States, 1930–1980. Washington 2012.
  6. Mario-Felix Vogt: Bei Previn allein zu Haus. (Memento vom 2. März 2019 im Internet Archive) In: Fono Forum 5 (2009), S. 21–23. Aufgerufen am 18. März 2020.
  7. Frédéric Döhl: André George Previn, in: Claudia Maurer Zenck und Peter Petersen (Hrsg.): Lexikon verfolgter Musiker und Musikerinnen der NS-Zeit. Hamburg 2012.
  8. Frédéric Döhl: André Previn. Musikalische Vielseitigkeit und ästhetische Erfahrung. Stuttgart 2012, S. 231–234.
  9. Frédéric Döhl: André Previn. Musikalische Vielseitigkeit und ästhetische Erfahrung. Stuttgart 2012, S. 121, 227.
  10. Frédéric Döhl: André Previn. Musikalische Vielseitigkeit und ästhetische Erfahrung. Stuttgart 2012, S. 154–156, 159–161, 227–230.
  11. Frédéric Döhl: André Previn. Musikalische Vielseitigkeit und ästhetische Erfahrung. Stuttgart 2012, S. 199–200, 229–230.
  12. Frédéric Döhl: André Previn. Musikalische Vielseitigkeit und ästhetische Erfahrung. Stuttgart 2012, S. 226–229.
  13. Anne-Sophie Mutter lässt sich scheiden. DER SPIEGEL, 21. August 2006, abgerufen am 31. März 2023.
  14. Frédéric Döhl: André Previn. Musikalische Vielseitigkeit und ästhetische Erfahrung. Franz Steiner Verlag, Stuttgart 2012, ISBN 978-3-515-10078-6, S. 279–294.
  15. Almost an Overture (2017)
  16. Previns Verlag G. Schirmer hat die Violinsonate als „Nr. 2“ angekündigt – Sonata No. 2 for Violin and Piano (2011) (Memento vom 16. Januar 2016 im Internet Archive) –, aber es lässt sich eine dritte Violinsonate nachweisen, die um 1960 aufgeführt wurde (vermutlich hat Previn diese wie andere Frühwerke auch später zurückgezogen), vgl. Frédéric Döhl, André Previn. Musikalische Vielseitigkeit und ästhetische Erfahrung, Stuttgart 2012, S. 285, 292.
  17. Morning Rain and Warm Evening (2013)
  18. One, Two, Three – Soundtracks. In: IMDb.com. Abgerufen am 30. Mai 2023 (englisch).
  19. Frédéric Döhl: André Previn. Musikalische Vielseitigkeit und ästhetische Erfahrung, Franz Steiner Verlag, Stuttgart 2012, ISBN 978-3-515-10078-6, S. 295–319.